Belle arti della fine del XVIII e dell'inizio del XX secolo. Pittura russa del XX secolo: principali tendenze. Problemi da discutere
Questa volta è considerata l'apice della pittura russa e l'introduzione del realismo in essa. I fenomeni sociali e le rivoluzioni nel paese hanno avuto un'influenza particolare sull'arte. C'erano già censure e critiche nella pittura. La creatività dei pittori lasciò un'impronta significativa da parte delle autorità dell'epoca. Quasi ogni artista nazionale era obbligato a dipingere almeno un dipinto dedicato alla nuova politica e al nuovo sistema sociale.
Le principali direzioni della pittura russa del XX secolo
Nel corso del XX secolo segnò la fine del realismo russo nella pittura e l'inizio del realismo sovietico o socialista. Il tempo della Grande Guerra, caratterizzato da un movimento unito del partito e del popolo, è considerato speciale. I dipinti di guerra hanno suscitato scalpore e sono rilevanti nel periodo attuale. La tendenza socialista del genere paesaggistico è stata la meno colpita.
Avanguardia russa
La parola "avanguardia" significa innovazione, movimento avanzato. L'avanguardia domestica combina tendenze radicali nella pittura. All'inizio si chiamava modernismo, arte nuova, arte astratta e altri nomi. I primi barlumi di direzione apparvero negli anni prebellici. L'avanguardia russa combina aspetti come il rifiuto assoluto del passato nella cultura e l'unificazione dei processi di distruzione e creazione. Nella pittura c'è spazio contemporaneamente per l'aggressività, il desiderio di distruggere vecchi valori artistici e la creazione di qualcosa di completamente diverso.
In questa direzione, prima di tutto, vale la pena evidenziare Wassily Kandinsky, che ha dipinto i dipinti “Motley Life”, “Song of the Volga”, “White Oval”, “Mosca. Piazza Rossa". Tra gli artisti d'avanguardia figura anche Kazimir Malevich, che è un rappresentante del supermatismo, uno dei movimenti d'avanguardia. Questo movimento caratterizza la fase finale dell'arte, l'assenza di oggetti. La gente ha cominciato a parlarne per la prima volta dopo la comparsa dei dipinti con astrazioni geometriche.
Realismo socialista
Dopo che ebbe luogo la rivoluzione e si verificarono molti sconvolgimenti e cambiamenti, nelle belle arti iniziò un nuovo periodo e una nuova direzione. Corrispondeva a quel tempo e si chiamava realismo socialista. Questo è stato richiesto dalle autorità e dal popolo. Il realismo socialista si distingueva per la presenza dell'eroismo, dei leader espressi, delle persone, degli eventi, della verità del partito e non della visione dell'artista stesso. La società totalitaria ha cambiato la pittura russa rendendola irriconoscibile. Consisteva principalmente in dipinti dedicati ad eventi storici dell'epoca, eroi e leader dello stato, nonché alla vita quotidiana di un semplice lavoratore.
Molti lo chiamavano uno “stile severo”, perché privo di illusioni, speculazioni e disattenzione infantile. Le tele mostravano solo la spietata verità. L'eroismo di quel tempo risiedeva nella tensione interna e negli sforzi del leader. Nel realismo socialista, il lavoro era una vocazione e gli eroi erano scopritori e costruttori. Alla fine del secolo, insieme al crollo della cultura sovietica, arrivò una nuova direzione nella pittura russa.
Postmodernismo
Una nuova direzione nella pittura russa ha sostituito il modernismo, che non era del tutto chiaro nella società. Il postmodernismo è caratterizzato da immagini fotografiche. Il dipinto è il più vicino possibile all'originale. Lo stile differisce nelle caratteristiche tipologiche. Prima di tutto, la forma finita. I pittori utilizzano immagini classiche, ma le interpretano in un modo nuovo e aggiungono esclusività. Molto spesso, i rappresentanti del postmodernismo combinano forme provenienti da diverse direzioni, conferendo all'immagine una leggera ironia e una certa natura secondaria.
Un'altra caratteristica della direzione è la mancanza di regole. Nel postmodernismo, l'artista ha il controllo completo sulla scelta delle forme e dei modi di rappresentare la sua pittura. Una certa libertà ha dato un respiro fresco all'arte in generale. Apparvero installazioni artistiche e performance. Il postmodernismo nella pittura è anche caratterizzato dall’assenza di tecniche chiare e dalla popolarità universale in tutto il mondo. Il periodo di massimo splendore di questa tendenza si è verificato negli anni '90 del 20 ° secolo. I seguenti artisti sono considerati i suoi rappresentanti più importanti: A. Menus, M. Tkachev, S. Nosova, D. Dudnik.
Per migliorare la qualità dell'istruzione nell'area tematica "Storia dell'arte", sono state preparate presentazioni multimediali originali, sviluppate tenendo conto dei requisiti dello stato federale per il programma aggiuntivo di istruzione generale preprofessionale nel campo delle belle arti "Pittura" .Le presentazioni multimediali sono sviluppate in conformità con le sezioni e gli argomenti del curriculum delle materie “Conversazioni sull'arte” e “Storia delle belle arti”.
Le presentazioni multimediali contengono un riassunto del materiale didattico con le necessarie illustrazioni e riproduzioni di opere d'arte, vengono indicati i compiti per gli studenti e viene fornito un elenco della letteratura sull'argomento studiato. Le presentazioni sono destinate alla riproduzione su un PC e sono realizzate in Microsoft PowerPoint; vengono utilizzati i seguenti formati di file: ".ppt", ".pptx" e ".pdf".
Le presentazioni pubblicate sul sito Web per l'accesso pubblico vengono presentate con la massima compressione dei file, le riproduzioni hanno una risoluzione minima e non sono modificabili o stampabili. I sussidi didattici acquistati vengono presentati senza compressione dei file , sono completamente aperti per la modifica, la copia e la stampa e sono inoltre forniti con illustrazioni alla massima risoluzione.
Opere di Vasily Grigorievich Perov
Sviluppatore: E.M. Artemenko
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2015-2017, 63 diapositive
Contenuto: breve biografia dell'artista V.G. Perova; erede e continuatore dell'opera di P.A. Fedotova; creatività di V.G. Perov: ridicolo del clero, vita delle persone svantaggiate, soggetti gioiosi, ritratti, soggetti storici, letterari e religiosi.
"La rivolta dei quattordici." Opere di Ivan Nikolaevich Kramskoy
Libro di testo per la materia "Storia delle belle arti", 4a elementare
Sezione 11. Arte russa della fine del XIX – inizio del XX secolo.
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2015-2017, 63 diapositive
Contenuto: riforme nell'Accademia Imperiale delle Arti; "La rivolta dei quattordici"; "Artel degli artisti"; breve biografia e creatività di I.N. Kramskoj.
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Associazione mostre d'arte itineranti. Genere quotidiano e storico degli Itinerante
Libro di testo per la materia "Storia delle belle arti", 4a elementare
Sezione 11. Arte russa della fine del XIX – inizio del XX secolo.
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2015-2017, 71 diapositive
Contenuto: Associazione Mostre d'Arte Itineranti; creatività degli artisti itineranti: G.G. Myasoedova, K.A. Savitsky, I.M. Pryanishnikova, V.M. Maksimova, V.E. Makovsky, K.E. Makovsky, N.A. Yaroshenko, V.V. Pukireva, N.N. Ge, V.D. Polenova.
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Paesaggio dei vagabondi
Libro di testo per la materia "Storia delle belle arti", 4a elementare
Sezione 11. Arte russa della fine del XIX – inizio del XX secolo.
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Contenuto: paesaggio dei Viandanti; creatività degli artisti del paesaggio: A.K. Savrasova, I.I. Shishkina, V.D. Polenova, F.A. Vasilieva, I.I. Levitan, I.K. Aivazovsky, A.I. Kuindzhi.
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Opere di Ilya Efimovich Repin
Libro di testo per la materia "Storia delle belle arti", 4a elementare
Sezione 11. Arte russa della fine del XIX – inizio del XX secolo.
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Contenuto: breve biografia dell'artista; CIOÈ. Repin e il circolo di artisti Abramtsevo;CIOÈ. Repin e l'Associazione degli Itineranti; ritratti, generi quotidiani e storici nelle opere di I.E. Repin; attività didattica I.E. Repin; CIOÈ. Repin in Penati.
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Opere di Vasily Ivanovich Surikov
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Contenuto: breve biografia dell'artista; le origini delle immagini artistiche di V.I. Surikov; dipinti della Cattedrale di Cristo Salvatore a Mosca; IN E. Surikov e l'Associazione degli Itineranti; genere storico e ritratto nelle opere di V.I. Surikov; viaggi dell'artista V.I. Surikov.
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Il lavoro di Viktor Mikhailovich Vasnetsov
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Contenuto: breve biografia dell'artista; viaggio V.M. Vasnetsov a Parigi; V.M. Vasnetsov e l'Associazione degli itineranti; genere quotidiano, ritratto, genere storico e mitologico, pittura monumentale nelle opere di V.M. Vasnetsova; artista teatrale e illustratore.
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Arte di inizio secolo
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Sezione 11. Arte russa della fine del XIX – inizio del XX secolo.
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Contenuto: caratteristiche storiche generali; Stile Art Nouveau; simbolismo; decadenza; pittura di genere in Russia a cavallo tra il XIX e il XX secolo; associazioni artistiche in Russia a cavallo tra il XIX e il XX secolo: “Circolo Abramtsevo”, Talashkino, “Mondo dell'arte”, “Unione degli artisti russi”.
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Creatività di K.A. Korovin e V.A. Serova
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Sezione 11. Arte russa della fine del XIX – inizio del XX secolo.
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2015-2017, 107 diapositive
Contenuto: Impressionismo russo; confronto delle opere di K.A. Korovin e V.A. Serova; K.A. Korovin (breve biografia dell'artista, teatro nella sua opera, “studi del Nord”, ritratti e nature morte); V.A. Serov (breve biografia dell'artista, ritratto, paesaggio, illustrazioni e soggetti storici nella sua opera).
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Opere di Mikhail Alexandrovich Vrubel
Libro di testo per la materia "Storia delle belle arti", 4a elementare
Sezione 11. Arte russa della fine del XIX – inizio del XX secolo.
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Contenuto: breve biografia dell'artista M.A. Vrubel, creatività del periodo di Kiev, creatività del periodo di Mosca, arte decorativa e applicata nell'opera di M.A. Vrubel, dipinto “Realismo da favola” di M.A. Vrubel, il tema de "Il Demone", gli ultimi anni di vita dell'artista.
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Opere di Nicholas Konstantinovich Roerich
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Contenuto: breve biografia dell'artista N.K. Roerich, attività scientifiche e sociali di N.K. Roerich, metodo creativo, opere teatrali e decorative, pittura di N.K. Roerich (serie di dipinti: “L'inizio della Rus'. Slavi”, “Ai vecchi tempi”, “Sancta”, “Il suo paese”, “Stendardi dell'Est”, “Maitreya”, “Himalaya”, “Ciclo eroico ”), movimento Roerich.
Avanguardia russa
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Sezione 11. Arte russa della fine del XIX – inizio del XX secolo.
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2015-2018, 177 diapositive
Contenuto: cambiamenti nell'arte dell'inizio del XX secolo, il modernismo nell'arte russa, le origini dell'avanguardia, i principali movimenti artistici dell'avanguardia russa (primitivismo, cubo-futurismo, arte astratta, raggismo, suprematismo, costruttivismo), associazioni d'arte e grandi mostre dell'avanguardia russa ("Rosa blu", "Unione della gioventù" ", "Fante di quadri", "Coda d'asino", "Target", "L'ultimo cubo-mostra futurista di dipinti 0.10") , artisti dell'avanguardia russa (K.S. Petrov-Vodkin, P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan, N. Pirosmani, M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Lentulov, M.Z. Chagall, V.V. Kandinsky, K.S. Malevich) .
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Nello sviluppo della cultura artistica russa del XX secolo si distinguono chiaramente due periodi: dall'inizio del secolo agli anni '30. e 30-80. I primi due decenni del XX secolo. - il periodo di massimo splendore dell'arte russa, in particolare della pittura e dell'architettura. La ricerca di nuove immagini ha portato a uno studio più approfondito delle radici e delle tradizioni nazionali. Gli artisti primitivisti includevano il mondo complesso e paradossale del folklore urbano nella sfera dell'arte “alta” e si rivolgevano alla cultura popolare e quotidiana. Erano i primi decenni del XX secolo. L'antica eredità russa è stata riscoperta, in particolare la pittura di icone. Il linguaggio visivo delle icone russe ha largamente influenzato l’atteggiamento nei confronti del colore, dello spazio e dell’organizzazione ritmica della tela.
La rivoluzione dell'ottobre 1917, che portò i comunisti al potere, cambiò la direzione dello sviluppo dell'arte russa. Nella prima metà degli anni '20. gli artisti hanno continuato esperimenti e ricerche, hanno creato nuovi gruppi e associazioni. Tuttavia, nella seconda metà del decennio, la vita artistica cominciò a subire una crescente pressione ideologica e amministrativa da parte dello Stato. Molti maestri furono costretti ad andare all'estero e quelli rimasti furono perseguitati dalla stampa, persero l'opportunità di esporre e alcuni furono arrestati. Coloro che gravitavano verso forme astratte di belle arti subirono il colpo più duro.
L'ideologia statale propone il cosiddetto realismo socialista - un'altra versione dell'arte accademica, progettata per educare le persone nello spirito della moralità comunista. Nel 1932, uno speciale decreto governativo bandì tutte le associazioni artistiche indipendenti e creò un sistema statale di unioni creative: l'Unione degli artisti dell'URSS, l'Unione degli architetti dell'URSS, ecc. Iniziò l'era del totalitarismo, quando qualsiasi forma di cultura ciò che non rientrava nelle norme del realismo socialista poteva esistere solo in condizioni illegali (l’ondata dell’“avanguardia clandestina” fu particolarmente potente negli anni ’60 e ’70). La situazione cominciò a cambiare gradualmente solo nella seconda metà degli anni '80.
Architettura. In seguito alla nazionalizzazione dei terreni e delle grandi proprietà immobiliari nelle città, l’unico committente dei lavori di costruzione nella Russia sovietica era lo Stato, cioè il partito comunista al potere. Ma nel primo decennio post-rivoluzionario, il suo dettato ideologico non aveva ancora influito sull’arte degli architetti. Concorsi aperti, discussioni, progetti originali e sistemi di insegnamento nelle università d'arte hanno creato il quadro di un'impennata creativa senza precedenti alla fine degli anni '10 e '20. XX secolo A quel tempo l’architettura era vista come un simbolo della trasformazione della società, della costruzione di un “nuovo mondo”. La gamma delle tendenze era molto ampia: dal proseguimento della tradizione del neoclassicismo degli anni '10. all'innovazione più ardita. Gli architetti tradizionalisti cercarono di creare uno stile “rivoluzionario” basato sulle forme architettoniche del passato, generalizzandole, conferendo loro maggiore espressività. L'eredità dell'architettura dell'Antico Oriente era molto popolare. Il suo linguaggio semplice e conciso, i suoi motivi che parlano di eternità e immortalità, sono stati utilizzati attivamente nei complessi commemorativi.
Vita architettonica degli anni '20. è stato in gran parte determinato dalle attività dei gruppi creativi. Nel 1923 nacque l'Associazione dei nuovi architetti (ASNOVA), i cui rappresentanti più importanti furono N. A. Ladovsky e K. S. Melnikov. Nel 1925 fu creata l'Associazione degli architetti moderni (OSA), che comprendeva i fratelli L.A., V.A. e A.A. Vesnin, M.Ya. Ginzburg, I.I. Leonidov, I.A. Golosov e altri (erano chiamati costruttivisti). Le associazioni discutevano aspramente tra loro, ma il loro ideale comune era un edificio rigorosamente pensato, facile da usare, costruito con manodopera e materiali minimi.
All'inizio degli anni '30. C'è stato un brusco cambiamento nello sviluppo dell'architettura sovietica. Nel 1932 tutte le associazioni furono fuse nell'Unione degli architetti dell'URSS e nel 1933 fu fondata l'Accademia di architettura dell'URSS. Il principio creativo dominante dell’architettura sovietica d’ora in poi fu l’utilizzo dell’eredità del passato, principalmente l’arte edilizia dell’antichità e del Rinascimento. Sono stati sviluppati progetti standard per edifici residenziali, scuole e istituzioni pubbliche. Lo sviluppo del settore edile mirava principalmente a ridurre i costi e ad accelerare i lavori: nel 1927 iniziarono ad essere utilizzati blocchi di scorie di cemento e nel 1940 furono costruite le prime case a pannelli.
Il contenuto principale dell'architettura della seconda metà degli anni '50 e '60. iniziò la costruzione di alloggi di massa. Un nuovo tipo di alloggio si è formato nello sviluppo sperimentale della periferia di Mosca. Al posto della tradizionale disposizione a schiera, è stato introdotto il principio di un microdistretto verde con gruppi di edifici residenziali attorno a istituzioni pubbliche e culturali. La decorazione degli edifici a cinque piani è estremamente modesta e la metratura degli appartamenti è ridotta al minimo. Ciò corrispondeva all’obiettivo finale dei progettisti di rendere l’abitazione veramente accessibile al consumatore medio.
In contrasto con la “decorazione” del periodo precedente nell’architettura degli edifici ufficiali degli anni ’60 e ’70. La linearità e l'ascetismo iniziarono a essere considerati lo standard, e la forma dominante era un parallelepipedo di cemento con nastri continui di finestre.
Negli anni 70-80. Alla periferia delle grandi città sono comparsi complessi residenziali con planimetrie originali, in cui si riproducono le caratteristiche locali del rilievo e dell'ambiente naturale. Nello sviluppo plastico degli edifici, la precedente aridità viene sempre più sostituita dalla libera asimmetria e dall'espressività decorativa delle forme, che ricordano l'architettura postmoderna dell'Occidente.
All'inizio degli anni '90. A Mosca iniziò un boom edilizio. Nel centro storico della città furono costruiti diverse migliaia di nuovi edifici. Per sostituire l'architettura a blocchi degli anni '70 e '80, dello stesso tipo e laconica nella forma. è arrivata una varietà di forme, stili e materiali. Cominciarono ad essere utilizzate le alte tecnologie, apparvero case con pareti di vetro, strutture portanti e parti in titanio. Questa direzione in architettura si chiama High tech. Particolarmente apprezzati sono diventati gli stili storici che corrispondono al carattere tradizionale del paesaggio della capitale. I motivi dell'antica architettura moscovita, ad esempio le torri del Cremlino, sono evidenti anche negli edifici in vetro e ferro, anch'essi coronati da torrette. Questa direzione fu chiamata “stile di Mosca”.
Alexey Viktorovich Shchusev(1873–1949) - Architetto russo che padroneggiava in modo unico un'ampia varietà di stili, sia tradizionali che d'avanguardia. Ha ricoperto l'incarico di architetto capo dell'Esposizione agricola e artigianale-industriale tutta russa (1922-1923) e del 2° laboratorio di progettazione del Consiglio comunale di Mosca (1932-1937). Fu direttore della Galleria Tretyakov (1926-1929) e, dal 1946, organizzatore e direttore del Museo di architettura, che ora porta il suo nome.
Si è fatto un nome come maestro dell’architettura sacra in “stile russo” ": chiesa monumentale sul campo di Kulikovo, Cattedrale della Trinità a Pochaev Lavra, monastero Marfo-Mariinsky a Mosca, tutto - 1908-1912; albergo di pellegrinaggio a Bari (Italia; 1910–1913), Chiesa ortodossa di S. Nicola Ugodnik e così via.
Shchusev ha padroneggiato brillantemente i principi d'avanguardia del costruttivismo - Istituto di ricerca di balneologia e fisioterapia a Sochi (1927-1931); costruzione del Commissariato popolare dell'Agricoltura a Mosca (1928-1933). Costruttivismo organicamente combinato con reminiscenze dell'antichità nella sua opera più famosa - Mausoleo di VI Lenin sulla Piazza Rossa (1929-1930). Nelle opere successive di Shchusev, l'avanguardia cede costantemente il posto alla stilizzazione storico-nazionale, esprimendo in modo impressionante il pathos monumentale del "classicismo stalinista" - Albergo "Mosca" (1932-1938); Ponte Moskvoretsky (1936-1938); Teatro dell'opera e del balletto Bolshoi intitolato ad A. Navoi a Tashkent (1940-1947); Edificio dell'NKVD in piazza Lubjanka (1946). Fu completato nel 1941 Complesso della stazione ferroviaria di Kazansky(iniziato nel 1913).
Un posto importante nella sua opera successiva fu occupato dai progetti per il restauro delle città distrutte dalla guerra: Istra (1942–1943), Novgorod (1943–1945) e Chisinau (1947).
Konstantin Stepanovich Melnikov(1890–1974) si diplomò alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca nel 1917. Nel 1916-1918 Melnikov ha partecipato alla progettazione e alla costruzione Stabilimento automobilistico AMO a Mosca. Melnikov ha lavorato in laboratori di architettura e ha insegnato. I suoi numerosi progetti - edifici pubblici, edifici residenziali, garage, monumenti - sono una pagina luminosa dell'architettura sovietica.
Negli anni '20 La creazione sovietica di Melnikov gli ha portato fama mondiale. padiglione all'Esposizione Internazionale delle Arti Decorative di Parigi nel 1925. Costruita da Melnikov, Mosca divenne un “monumento vivente” propria casa in Krivoarbatsky Lane, in cui tutto è straordinario: disposizione, spazio, design. Un edificio circolare di due cilindri verticali tagliati l'uno nell'altro è stato modellato organizzando lo spazio interno originario. I progetti innovativi di Melnikov, rimasti in gran parte sulla carta, lo collocano tuttavia tra i pionieri dell'architettura moderna del XX secolo.
Vladimir Grigorievich Shukhov(1853-1939) uno dei primi a utilizzare strutture in rete di acciaio a doppia curvatura - Torre radiofonica (1922).
Nel 1933-1939 un team di architetti (B. M. Iofan, V. G. Gelfreich, V. A. Shchuko) ha sviluppato il progetto Palazzo dei Soviet sulle rive del fiume Moscova.
Nel 1949-1953 Fu costruito edificio dell'Università statale di Mosca su Vorobyovy Gory, progettato da L. Rudnev, S. Chernyshev, P. Abrosimov, V. Nasonov.
Gli architetti M. Posokhin e A. Mndoyants e altri costruirono Palazzo dei congressi del Cremlino (1959-1961), progettato Viale Kalinin (Nuova Arbat, 1962-1969).
Nel 1974-1981 costruito costruzione del teatro drammatico e comico di Taganka, i suoi architetti: A. V. Anisimov, Yu. P. Gnedovsky, B. I. Tarantsev e altri.
Nel 1967, N.V. Nikitin costruì il famoso Torre della televisione di Ostankino.
Nel 1997, secondo il progetto di Z. K. Tsereteli, fu costruito complesso commerciale vicino a piazza Manezhnaya.
Scultura. Dopo il 1917, l'arte della scultura in Russia acquisì uno speciale significato socio-politico. La propaganda sovietica ha cercato di creare un'immagine della modernità come un'era eroica, una fiaba che diventa realtà davanti ai nostri occhi. I monumenti hanno svolto un ruolo chiave nella scultura sovietica.
Per qualche tempo, la scultura sovietica conservò ancora echi dell'impressionismo, del modernismo e delle avanguardie dell'inizio del XX secolo, ma entro la fine degli anni '20. Il punto di riferimento principale per la maggior parte degli scultori erano i classici. Ciò fu evidenziato in modo eloquente dalla mostra del 1928 dedicata al decimo anniversario della rivoluzione. La composizione intensamente drammatica è stata mostrata qui per la prima volta Ivan Dmitrievich Shadra (1887–1941) "Il ciottolo: l'arma del proletariato" (1927); un maestoso gruppo ispirato alle immagini dello stile impero russo Aleksandr Terentevich Matveev "Ottobre. Operaio, contadino e soldato dell'Armata Rossa" (1927).
All'inizio degli anni '30. arrivò una nuova ondata di monumentalismo. Matvey Genrikhovich Manizer(1891–1966) nel monumento a VI Chapaev a Kuibyshev (1932) ha cercato di superare la tradizionale “solitudine” della figura sul piedistallo, per sottolineare il legame dei suoi eroi con la gente.
Anche la scultura decorativa si sviluppò rapidamente. Ad esempio, nel 1937 il territorio fontane decoravano la stazione del fiume Nord di Mosca, progettato da scultori di animali A. N. Kardashov E I. S. Efimov. La giustapposizione di figure di orsi polari e delfini amorevoli illustrava il famoso slogan “Mosca è un porto di cinque mari”.
Durante la Grande Guerra Patriottica e gli anni del dopoguerra, nella scultura, come in tutta l'arte sovietica, si notano due direzioni: ufficiale, cerimoniale ed eroica, e un'altra: più umana e sensibile alla dura verità della guerra. Ciò può essere facilmente verificato confrontando, in particolare, due opere come Monumento "Guerriero-Liberatore" nel parco commemorativo di Berlino (1946-1949), giustiziato Evgenij Viktorovich Vuchetich (1908–1974).
Nella scultura del primo decennio del dopoguerra trionfa la “decorazione”. Il desiderio di una somiglianza superficiale con la vita, di dettagli minori e di lussureggianti ornamenti in stile mercantile a volte distruggeva la logica tettonica della costruzione della forma - monumento a Yuri Dolgoruky (1954), eretto a Mosca secondo il progetto Sergei Mikhailovich Orlov (1911–1971).
Nella seconda metà degli anni '50. si realizzava sempre più la necessità di un'immagine scultorea chiara e pesante, dove l'idea fosse espressa direttamente attraverso la forma - Monumento di Mosca a VV Mayakovsky (1958) lavoro Aleksandr Pavlovich Kibalnikov(1912–1987). Sono comparsi originali memoriali in cui la scultura stessa ha ceduto il ruolo di protagonista al paesaggio o alla composizione architettonica conservando la memoria storica ( monumento in onore dell'esplorazione spaziale a Mosca, 1964, autori A. P. Faydysh-Krandievskij, M. O. Barsh, A. N. Kolchin).
L’atmosfera del “disgelo” politico del 1956-1964. contribuì all'emergere di varie tendenze nella cultura sovietica, comprese quelle lontane dal realismo socialista. Lavori Ernst Iosifovich Neizvestny “Esplosione atomica” (1957), “Daphne” (1963), “Il cuore di Cristo” (1973–1975) Parlano della lotta tra i principi eterni: il bene e il male.
Insieme al ricorso alle forme astratte risalenti alle avanguardie, la scultura ha preservato le tradizioni del monumentalismo.
Vera Ignatievna Mukhina(1889–1953) - il più famoso scultore sovietico. Il suo gruppo scultoreo "Operaia e contadina collettiva", che nel 1937 incoronò la costruzione del padiglione interno all'Esposizione Internazionale di Parigi, e ora è visibile nel paesaggio di Mosca. La monumentale vittoria di questo gruppo, pur rispondendo al compito specifico di glorificazione ideologica, esprime allo stesso tempo le tendenze generali del lavoro dell’artista: il pathos della scala e della forza, l’attrazione per il potere e le dinamiche volitive delle forme, l’amore per il grandioso. Essendo in sintonia con lo spirito dell'epoca, queste qualità permisero a Mukhina di diventare una figura di spicco nell'arte ufficiale sovietica.
La metafora dell’impulso impetuoso e del superamento, generata dall’esperienza della rivoluzione, echeggerà in molte opere di Mukhina - “Vento” (1926-1927), “Torso femminile” (1927), “Borey” (1938). Nel frattempo, la sua caratteristica sensazione iperbolica di massa corporea, espressa in modo più chiaro e forte “Alla contadina” (“Baba”, 1927). Le sculture di Mukhina mostravano l’equilibrio ideale tra sforzo statico e volitivo per la burocrazia statale, una combinazione di pesantezza terrena e grande entusiasmo.
L'artista lavora contemporaneamente in generi da camera. Negli anni '40 si occupa attivamente di arte del vetro: oltre a vasi e calici realizza ritratti in vetro ("Ritratto di V. I. Kachalov", 1947).
Il suo interesse per i ritratti continua per tutta la sua vita. I ritratti di Mukhina sono spesso immagini di persone a lei vicine, ma sono privi di lirismo diretto. Mukhina gravita verso soluzioni generalizzate, verso la monumentalità contenuta dell'arte plastica. Nei ritratti degli eroi di guerra - B.A Yusupova (1942)- il suo stile diventa più dettagliato e documentaristico, ma il suo senso della forma olistica le permette di evitare una narrazione eccessiva.
Pittura. Periodo pre-rivoluzionario. Arte russa degli anni '10. passò attraverso l'influenza dei movimenti formalisti: cubismo, futurismo, persino arte non oggettiva. Gran parte di questo è ormai solo storia.
L'ambiente artistico russo seppe coniugare le tendenze innovative del cubismo e del futurismo, raggiungendo una sintesi che a Parigi si rivelò irraggiungibile. La sintesi russa era principalmente concettuale. È stato il risultato della creatività di numerosi gruppi di artisti riuniti nell'associazione “Unione della Gioventù” di San Pietroburgo. I principali artisti dell'inizio del secolo rappresentavano fedelmente la realtà esistente, la loro arte era diretta contro l'oppressione umana ed era anche permeata di amore per la libertà.
Boris Michailovich Kustodiev(1878-1927) - Pittore russo. Nel 1903 per la sua foto di laurea "Bazar nel villaggio" ha ricevuto una medaglia d'oro e il diritto di viaggiare all'estero.
Ha lavorato molto nel genere dei ritratti - “Ritratto di F. I. Chaliapin”, trasformato in tipi socio-psicologici generalizzati. Allo stesso tempo, ha lavorato con entusiasmo a dipinti dedicati alla rappresentazione dell'antica vita russa, principalmente provinciale. Ha tratto materiale per loro dai ricordi d'infanzia e dalle impressioni dei suoi frequenti soggiorni nella regione del Volga.
Costruì trame affascinanti, piene di dettagli divertenti, in composizioni a più figure e ricreò i caratteristici tipi femminili russi in dipinti colorati con ammirazione e la gentile ironia dell'autore. La sua pittura divenne sempre più colorata, avvicinandosi all'arte popolare. Ha variato i temi di Maslenitsa e delle feste popolari in modi diversi.
Le opere di Kustodiev: “Maslenitsa” (1919), “La moglie del mercante al tè” (1918) e così via.
Kustodiev ha eseguito numerosi ritratti grafici e pittorici, ha realizzato schizzi delle decorazioni festive di Pietrogrado, disegni, caricature e copertine per libri e riviste di vario contenuto, ha realizzato quadri murali e “muri” di calendari, ha progettato 11 spettacoli teatrali.
Nicola Konstantinovich Roerich(1874–1947) - Pittore russo. Ha lavorato nel genere storico, ha dipinto paesaggi. Allo stesso tempo, Roerich era impegnato in attività scientifiche. Ha effettuato scavi e tenuto conferenze presso l'Istituto Archeologico di San Pietroburgo.
Nel 1899 l'artista concepì il ciclo “L'inizio della Rus'. Slavi". Comprendeva dipinti “Ospiti d'oltremare”, “Sinister” (1901), “La città viene costruita” (1902) e così via.
Nel 1903-1904 L'artista ha effettuato numerosi viaggi nelle città russe per studiare l'antica arte russa e popolare. Il loro risultato fu una serie di studi paesaggistici espressivi: “Rostov il Grande” (1903), “Pskov Pogost” (1904) ecc. Ma non fu solo l'antichità russa ad attrarre Roerich. Della seconda metà del '900. Nelle sue opere si è rivolto all'età della pietra, alle immagini dell'epopea scandinava e alle leggende dell'Oriente.
Mistero e misticismo contraddistinguono i paesaggi dell’artista; una premonizione di cataclismi mondiali - “Battaglia celeste” (1912), “Città condannata” (1914), ecc. In questi stessi anni cambia anche la tecnica pittorica del maestro. Dalla pittura ad olio passò alla tempera e iniziò ad utilizzare fondi colorati.
Le poliedriche attività di Roerich includevano non solo la pittura. Come artista teatrale, ha partecipato alle famose “Stagioni russe” di Diaghilev a Parigi. Scenario di Roerich per "Danze Polovtsiane" dall'opera di A.P. Il "Principe Igor" di Borodin (1909) stupì il pubblico parigino. In totale, negli anni pre-rivoluzionari, l'artista ha progettato più di 10 spettacoli.
Dal 1928 Roerich e la sua famiglia si stabilirono in India. Roerich prestò molta attenzione alla conoscenza del buddismo e di altre religioni del mondo. Le sue opinioni religiose e filosofiche si riflettono nel ciclo pittorico “Insegnanti d'Oriente” (anni '30).
Victor Elpidiforovich Borisov-Musatov(1870-1905) cercò di presentare il mondo reale come un ricordo dell'altro mondo, irreale e bello del passato. Era incline al decorativismo, trasformava l'immagine in una specie di pannello e amava il colore blu-verde. I personaggi nella maggior parte dei suoi dipinti erano giovani donne in abiti antichi sullo sfondo di una tenuta signorile; ma questi non erano dipinti storici.
L'artista aveva bisogno dei segni più generali e approssimativi dell'antichità per trasmetterne il suo sentimento elegiaco, alimentato da riflessioni sul passato irrimediabilmente passato - "Arazzo" (1901) e "By the Pond" (1902), "Collana di smeraldi" (1903-1904).
Nel 1899, il dipinto “Reservoir”, esposto in una delle mostre, ebbe un enorme successo e portò popolarità al suo autore, che in precedenza era stato apprezzato solo in una ristretta cerchia di colleghi ed esperti.
Nel 1904 Borisov-Musatov ricevette un ordine per quattro dipinti per una ricca villa. Ha interpretato il tema proposto “Le Quattro Stagioni” in modo molto originale, continuando quanto aveva iniziato nelle sue opere precedenti, utilizzando i motivi e i dettagli che amava, ma subordinandoli a una soluzione compositiva completamente nuova. Gli schizzi ad acquerello da lui completati promettevano un lavoro straordinario, ma i dipinti non furono realizzati per ragioni sconosciute.
Ben presto l'artista si trasferì a Tarusa, dove trascorse gli ultimi mesi della sua vita. Ha lavorato duramente come prima: ha creato diversi eccellenti schizzi di paesaggi, che sono diventati pietre miliari nella pittura paesaggistica russa, e ha quasi completato il dipinto “Requiem”. Nel 1905 morì.
Mark Zacharovich Chagall(1887–1985) - una delle figure più sorprendenti dell'arte del XX secolo. Fu definito un sognatore, uno scrittore di fantascienza, un creatore di miti, uno stregone, fu visto come un arcaista e un innovatore, fu avvicinato al primitivismo, all'espressionismo, al surrealismo e ad altri movimenti dell'arte moderna, ma ogni definizione rimane impotente di fronte al mistero della creatività di Chagall.
Già le prime composizioni di Chagall ("Kermessa", 1908; "L'uomo morto", 1908; "Nascita", 1910) rivelano una rara originalità di visione del mondo, sebbene nelle opere del periodo pietroburghese si possano trovare tracce delle influenze vissute dal giovane artista. Ha reso omaggio alla tradizione classica e al simbolismo moderno; la tendenza del suo ulteriore sviluppo si inserisce nel movimento del neoprimitivismo.
Assimilando facilmente le tecniche delle ultime tendenze, Chagall agisce secondo il principio “prendo ciò che è mio dove lo trovo” e non scende minimamente a compromessi su ciò che costituisce la base più intima della sua visione del mondo. In un'insaziabile sete di creatività, raggiunge quel grado estremo di esasperazione delle reazioni mentali, quella tensione poetico-estatica in cui tutti i confini tra visibile e immaginario, esterno e interno vengono cancellati, e l'artista vede veramente ciò che sogna, ciò che ama, ciò in cui crede. Da qui la straordinaria espressione di forma e colore, le fantastiche metamorfosi del mondo oggettivo nelle tele di Chagall - “Io e il villaggio”, 1911; "Russia, asini e altri", 1911-1912; "Il violinista", 1912-1913; "Maternità. Donna incinta", 1913.
Partecipando a mostre a Parigi, Mosca, San Pietroburgo, Amsterdam, Berlino, Chagall ha guadagnato fama.
Avendo scritto poesie per tutta la vita, Chagall ha trasferito alla pittura tecniche puramente poetiche, di cui dovrebbe essere particolarmente sottolineata l'implementazione della metafora. I suoi personaggi camminano nel cielo con la stessa naturalezza come se camminassero sulla terra - "Camminata" (1917), "Sopra la città" (1914-1918). Le cose nei dipinti e nei disegni di Chagall sembrano avere abitudini umane, volti caratteristici... “Interno con fiori” (1918), e talvolta crescono fino a diventare simboli spazio-temporali su scala cosmica - "L'orologio" (1914).
Chagall visse una vita molto lunga e lavorò instancabilmente. Ha realizzato centinaia di dipinti e fogli grafici, ampi cicli di illustrazioni in varie tecniche (per la Bibbia, i racconti di “Mille e una notte”, “Dead Souls” di N.V. Gogol, ecc.). Ha disegnato scene e costumi per il teatro, ha eseguito dipinti monumentali (il soffitto della Grand Opera di Parigi, i dipinti del Metropolitan Opera di New York), vetrate, mosaici e arazzi; a questo bisogna aggiungere la ceramica e la scultura.
Vladimir Evgrafovich Tatlin(1885–1953) - una delle figure più importanti della nuova arte degli anni 1910-20, il fondatore del costruttivismo; In generale, una persona unica dell'avanguardia russa. La sua vita era la vita di un fanatico e asceta; la creatività la riempiva interamente.
All’inizio Tatlin dipinse in un modo che combinava l’influenza di Larionov con elementi del cubismo, poi passò a “rilievi pittoreschi” (noti anche come “controrilievi” o “selezioni materiche”). Queste astrazioni volumetrico-spaziali realizzate in ferro e legno, utilizzando vetro, gesso, carta da parati, frammenti di cose finite e in parte lavorate con mezzi pittorici, furono da lui mostrate per la prima volta in una mostra nel suo studio (1914), poi alle mostre “ Tram B”, "1915", "Negozio". Hanno iniziato la linea costruttivista nell’avanguardia russa, la linea della scienza dei materiali.
Tatlin ha realizzato schizzi di piatti, vestiti e persino stufe, ma i suoi modelli, di regola, sono utopici, sono progetti di idee, non cose. Ecco come “Monumento della Terza Internazionale” (“Torre di Tatlin”, 1919-1920)- un'incarnazione simbolica dell'era rivoluzionaria.
Negli anni '20 Tatlin lavora attivamente nel Commissariato popolare per l'istruzione e a Inkhuk, insegna al Kiev Art Institute e al Vkhutein. I doveri sociali non sono qualcosa di esterno a lui; sembrano far parte delle sue attività artistiche. Artista dalla vocazione totale ed esistenziale, Tatlin non divide l'arte in tipologie e generi: è impegnato nella costruzione di nuove forme in tutto e in una volta, dall'architettura al bookmaking, dal design alla scenografia.
Le sue ultime opere teatrali ("Non ci arrenderemo", Teatro da camera, 1935, ecc.), inferiori a quelle precedenti ("Lo Zar Massimiliano", Circolo letterario e artistico di Mosca, 1911, ecc.) nella portata delle idee sceniche, mantenere un alto livello di abilità e pensiero artistico. Questo livello è preservato anche dalla sua pittura tarda: da camera, sottile; le nature morte eseguite “per se stessi” sono estranee a qualsiasi tipo di violenza contro la natura.
Natalia Sergeevna Goncharova(1881–1962) studiò per diventare scultore e successivamente si dedicò alla pittura. Le sue prime opere impressioniste furono esposte con successo alle mostre World of Art.
Mentre era ancora a scuola, Goncharova incontrò M.F. Larionov, ha collegato con lui il suo destino personale e creativo. L'artista era interessata al cubismo e al futurismo e nel 1906 si interessò al primitivo.
Il neoprimitivismo di Goncharova è il suo enorme contributo all'arte dell'inizio del XX secolo. L'artista ha tratto ispirazione dalle icone russe, dalle stampe popolari popolari, dagli idoli pagani, dalle “donne di pietra” - "La raccolta del pane" (1908), "La pesca" (1909), "Idoli" (1908-1909).
Una caratteristica della sua pittura era l'uso di macchie piatte di colore delineate con un contorno chiaro. Nel 1911-1912 Goncharova inizia a professare i principi del raggismo sviluppati da Larionov. Tra le sue opere più famose di questo periodo c'è "Ciclista".
Il lavoro di Goncharova non è sempre stato accolto con comprensione. Nel 1911 la polizia chiese che il dipinto fosse rimosso dalla mostra “Fante di quadri”. "Dio della fertilità". Nel 1912 la chiesa si oppose al ciclo in quattro parti "Evangelisti".
Una pagina separata della biografia creativa di Goncharova è costituita dal suo lavoro su pubblicazioni futuristiche. Nel 1912 apparvero cartoline litografate con disegni di Goncharova. Nel 1913 illustrò le pubblicazioni dei poeti V.V. Khlebnikova, A.E. Kruchenykh, K.A. Bolshakova, S.P. Bobrova, allo stesso tempo, era forse l'unica tra le futuriste a non aver paura del carattere narrativo delle sue opere.
Il 1913 fu l'anno più intenso del suo lavoro. Alla popolare mostra di stampe organizzata da Larionov sono state esposte 6 opere ad acquerello di Goncharova, che rappresentano un'esperienza nel far rivivere le tradizioni della pittura popolare.
Nel 1915, Goncharova e Larionov lasciarono la Russia, accettando l’offerta di Diaghilev di lavorare insieme. Nell'impresa Diaghilev, l'artista ha lavorato alla progettazione di spettacoli "Fiabe russe", "Sciarpa di Colombina" ecc. Le sue migliori creazioni sono state le scenografie e i costumi per "Matrimonio" (1923) E "L'uccello di fuoco" (1926). Goncharova ha spesso collaborato con teatri in Europa e America; Non rinuncia alla pittura e alla grafica e partecipa a mostre.
Michail Fedorovich Larionov(1881–1964) - Artista russo, marito di N.S. Goncharova.
Il primo periodo impressionistico del lavoro di Larionov si è verificato durante i suoi anni di studio. Secondo uno stile ereditato dagli artisti francesi, creò intere serie di dipinti. L'intensità del colore e la ricchezza delle trame pittoriche contraddistinguono dipinti come "Cespuglio di rose", "Pesci al tramonto". Le sue opere ebbero successo alle mostre della Società degli acquarellisti russi, al Mondo dell'arte e all'esposizione russa del Salone d'autunno del 1906 a Parigi.
Nel 1907, Larionov scoprì l'arte popolare primitiva: lubok russo, segno artigianale, ecc. La fase del primitivismo nel lavoro dell'artista è la più fruttuosa. Larionov è interessato alla cosiddetta cultura di strada - serie “Freccette” e “Parrucchieri”. Alla mostra "Fante di quadri" nel 1910, mostra la tela "Pane", che ricorda l'insegna di una panetteria. Alla mostra "Coda d'asino" del 1912, organizzata dallo stesso Larionov, furono esposti dipinti della "serie dei soldati" - "Il soldato che riposa" (1910).
Il primitivismo di Larionov trovò fonti di ispirazione anche nei disegni e nelle iscrizioni delle recinzioni. Negli anni '10 Larionov si dimostrò un brillante organizzatore: guidò un gruppo di giovani artisti moscoviti, nel 1913 preparò una mostra di stampe popolari, che comprendeva immagini popolari orientali ed europee, cartelli, biscotti di pan di zenzero stampati, ecc., Nello stesso anno tenne una mostra di originali iconografici e di stampe popolari.
Alla mostra "Target" (1913), Larionov presentò opere incompiute ciclo "Venere" E quattro tele “Le Stagioni” (1912), che sono stati visti dalla critica come una sfida. Usano il linguaggio dei disegni dei bambini e il simbolismo arcaico, integrati da testi semplici.
"Target" è diventato il punto più alto nello sviluppo delle idee artistiche di Larionov. Nel 1913 Larionov pubblicò l’opuscolo “Rayism”, in cui formulò la teoria di un nuovo movimento: “Lo stile della pittura a raggi si riferisce a forme spaziali derivanti dall’intersezione dei raggi riflessi di vari oggetti. Il raggio è convenzionalmente rappresentato su un piano da una linea colorata”. Dipinti radiosi - “Il gallo e la gallina” (1912), “Rayismo» (1912) e così via.
Gli inizi dell'arte astratta sono posti nel Raggismo di Larionov. Dal 1912 Larionov lavorò molto sulla grafica: produsse una serie di cartoline litografate che ripetevano i suoi dipinti.
Nel 1915, su invito di S. P. Diaghilev, insieme a N. S. Goncharova, si unì alla compagnia del balletto russo e lavorò su schizzi di costumi e scene. Dal 1919 Larionov e Goncharova si stabilirono a Parigi. L'artista ha continuato a dedicarsi alla pittura e alla grafica da cavalletto, ha partecipato a mostre e si è seriamente interessato al collezionismo.
Niko (Nikolai Aslanovich) Pirosmanashvili(1862-1918) - Artista primitivista georgiano. Essendo un maestro autodidatta, ha creato le sue opere basandosi sulle tradizioni falkler. I temi principali dei suoi dipinti sono scene di genere, tra cui in primo luogo le colorate feste georgiane, composizioni a figura singola, numerose immagini e nature morte. A prima vista, tutte le sue composizioni sembrano infantilmente ingenue: figure statiche dipinte in modo estremamente schematico, volti congelati, posizionamento condizionale delle figure nello spazio. Ma la colorazione rigorosa e sobria conferisce alle scene e ai personaggi divertenti un senso di saggia calma. Spesso nella colorazione di Pirosmanashvili predominano i toni scuri. "Donna con un bicchiere di birra."
Zinaida Evgenievna Serebryakova(1884–1967) crebbe in un'atmosfera artistica. Non ha ricevuto un'educazione artistica sistematica e deve la sua invidiabile professionalità principalmente all'influenza del suo ambiente, e ancor più ai propri sforzi e alle richieste più severe su se stessa. Ha lavorato continuamente sul posto, dipingendo schizzi, paesaggi e ritratti - “Dietro il gabinetto. Autoritratto" (1909).
Nel 1914 Serebryakova trascorse diversi mesi in Italia, dove studiò da vicino l'arte del Rinascimento. Nello stesso anno creò un dipinto affascinante "Bambini", un ritratto di gruppo dei suoi figli. Ma le principali energie dell’artista erano dedicate ai soggetti della vita contadina. Due immagini "Bagno" (1912, 1913) Erano uno spettacolo pieno di armonia tra l'anima e il fisico, il fascino di un'allegria non finta.
Sono stati seguiti da dipinti "Contadini"(1914; frammento di una grande composizione distrutta dalla stessa artista), "Il raccolto" (1915), "Imbiancare la tela" (1917) e "Il contadino addormentato" (1917). Queste opere sono ora percepite come un requiem per il meglio che distingueva il villaggio pre-rivoluzionario russo.
Nel 1924 Serebryakova partì per Parigi. Ha lavorato molto, ma ciò che è uscito dal suo pennello era notevolmente inferiore a quanto fatto negli anni pre-rivoluzionari.
Pavel Nikolaevich Filimonov(1883-1941) - uno dei leader dell'avanguardia russa. La sua ossessione creativa deliziava alcuni e respingeva altri; il suo ascetismo divenne una leggenda.
I primi lavori che prefigurano il metodo analitico Filonov risalgono al 1910 - disegno “Famiglia di contadini”, dipinto “Teste”. Se nel disegno la tendenza alla scrupolosa elaborazione della forma non viola ancora la consueta chiarezza del rapporto tra figure e sfondo, allora il quadro è già una combinazione di immagini di scale diverse, non vincolate da un punto di vista unitario, ed è percepito come il frutto della libera immaginazione.
L'attività creativa di Filonov all'inizio degli anni '10. è strettamente legato all’associazione artistica di San Pietroburgo “Unione della Gioventù”. Cose sue significative come "Ovest e est", "Est e ovest", (entrambi 1912-1913) e famoso "Festa dei re" (1913). Simboliste nello spirito, queste opere dimostrano allo stesso tempo l’affinità di Filonov con il neo-primitivismo e l’espressionismo.
Una complessa fusione di orientamenti stilistici, una combinazione di reale e fantastico, “anatomizzazione” di una forma oggetto, tecnica “cristallina” - con queste proprietà Filonov è imparentato con Vrubel. Sviluppando i principi dell'arte analitica, Filimonov la contrappose consapevolmente al cubismo. Secondo lui, il cubismo, attraverso la geometrizzazione, impone la sua volontà al mondo e quindi canonizza il linguaggio dell'arte, e l'artista analitico si sforza di imitare la natura nel modo stesso di agire.
Le attività di Filonov non si limitarono al campo della pittura. Nel 1913 creò due enormi scenografie raffiguranti la città. Collaborò anche con poeti futuristi alla pubblicazione di raccolte litografate.
Tra le migliori opere di Filonov ci sono i dipinti “La famiglia contadina (Sacra famiglia)” (1914), “I fiori del mondo sbocciano” (1915), acquerelli "Vincitore della città" (1914-1915), "Lavoratori" (1915-1916).
Duro lavoro in officina, mostre, dibattiti, partecipazione all'organizzazione dell'Inkhuk di Pietrogrado, trattati teorici, pratica didattica, direzione dell'associazione "Maestri di arte analitica" (MAI): queste furono le attività più attive di Filonov negli anni '20. In questo periodo creò dozzine di disegni e dipinti - “Formula dell’imperialismo” (1925), “Testa vivente” (1923), “Formula della primavera” (1928-1929), “Porta di Narva” (1929) e così via.
L’evidente incompatibilità del lavoro di Filonov con l’ideologia del realismo socialista portò al fatto che negli anni ’30. l'artista si ritrovò isolato e praticamente privato dei suoi mezzi di sostentamento.
El (Lazar Markovich) Lissitzky(1890-1941) fu uno dei primi artisti d'avanguardia russi. Non fu lo scopritore e il predicatore del sistema, ma piuttosto un divulgatore della lingua; ciò salvò l'artista dalla scolastica e dal fanatismo, ma fornì alla sua opera una straordinaria ampiezza applicativa. Il nome di Lissitzky è strettamente associato alla diffusione della nuova estetica come “stile dei tempi”; come nessun altro ha contribuito al suo riconoscimento internazionale partecipando attivamente a progetti internazionali.
Durante il periodo in cui insegnava architettura e stampa alla Scuola d'arte popolare di Vitebsk (1919-1920), Lissitzky arrivò alla creatività non oggettiva. Lissitzky divenne membro della società Unovis (“Adottatori della Nuova Arte” fondata da Malevich); i principi formativi del Suprematismo non furono da lui solo adattati ai generi di massa (poster “Batti i bianchi con la zeppa rossa”, 1920), ma si sono sviluppati a loro modo anche nei “proni” (“progetti per l’approvazione del nuovo”, 1919-1924). Essendo modelli spaziali di architettura utopica, i "prouni" hanno permesso di trasferire la geometria suprematista dal piano al volume, alla scala di un ambiente urbano reale - sono serviti anche come base per i piani architettonici non realizzati di Lissitzky (un grattacielo orizzontale, un edificio comunale casa, uno yacht club).
Un'altra forma di sviluppo delle leggi suprematiste furono le “figurine” (schizzi scenografici) per la produzione non realizzata dell'opera “Vittoria sul Sole” (1920-1921), concepita dall'artista come uno “spettacolo elettromeccanico”. Lissitzky era molto interessato ai macchinari e alla pratica inventiva (una delle sue migliori invenzioni fu il progetto di una piattaforma oratoria mobile, 1924).
Promuovendo l'avanguardia sovietica nell'unità stilistica dei suoi concetti costitutivi (suprematismo, costruttivismo, razionalismo), Lissitzky la integrò nel contesto occidentale. Insieme a I. G. Ehrenburg fondò la rivista “Thing” (1922), con M. Stam e G. Schmidt la rivista “ABC” (1925). Ha partecipato a concorsi e mostre. Allo stesso tempo, ha continuato a lavorare molto nella grafica pubblicitaria e di libri, nella fotografia e nei manifesti.
La pittura dopo la rivoluzione del 1917 La rivoluzione del 1917, la guerra civile, la carestia e la devastazione, la completa distruzione del vecchio stile di vita e il rafforzamento della politica repressiva dei bolscevichi gettarono la gente nella paura e nella confusione. Il nuovo governo capì che riportare le persone alla creazione dopo gravi sconvolgimenti era possibile solo se credevano (sinceramente o formalmente) nella correttezza del percorso scelto. I teorici del bolscevismo consideravano l’educazione, la scienza e l’arte come uno strumento propagandistico ed educativo che permetteva loro di propagare le idee del comunismo e gestire l’ideologia della società.
Konstantin Fedorovich Yuon(1875–1958). Il destino lo ha favorito in ogni modo possibile. Il successo gli è arrivato molto presto e lo ha sempre accompagnato. Il pubblico ha notato i suoi dipinti alle mostre studentesche e li ha acquistati subito. Ha svolto il ruolo di critico d'arte con lavori sull'opera di artisti russi, sulle tecniche pittoriche e sull'educazione artistica. Subito dopo essersi diplomato al college, Yuon iniziò a insegnare e lo fece per tutta la vita, guadagnandosi grande gratitudine da parte dei suoi studenti.
Yuon ha lasciato molte opere di diversi livelli. Fu pittore, grafico e scenografo teatrale. Si è cimentato nella pittura tematica, ha dipinto ritratti dei suoi contemporanei, ma la sua vera vocazione si è rivelata essere la pittura di paesaggio. Adottò alcuni dei principi degli impressionisti francesi, senza rompere con le tradizioni del realismo russo della seconda metà del XIX secolo, cioè senza “dissolvere” la forma degli oggetti nell’ambiente.
Amava la gioia e la bellezza della natura e della vita; raffigurava molto volentieri il sole, la neve, gli abiti popolari luminosi, i monumenti dell'antica architettura russa - “Trinity Lavra in Winter” (1910), “Spring Sunny Day” (1910); "Sole di marzo" (1915). Il suo dipinto è molto famoso “Cupole e rondini. Cattedrale dell'Assunzione della Trinità-Sergio Lavra" (1921). Si tratta di un paesaggio panoramico dipinto dal campanile della cattedrale in una limpida sera d'estate, al tramonto. La terra prospera sotto un cielo mite e in primo piano brillano cupole illuminate dal sole con croci a motivi dorati. Il motivo in sé non è solo molto bello, ma anche audace per l'epoca della lotta spietata del nuovo governo con la chiesa.
Yuon affronta anche temi storici - rivoluzione e guerra patriottica - attraverso il paesaggio - “Parata sulla Piazza Rossa a Mosca il 7 novembre 1941” (1942).
Tra le opere successive di Yuon spiccano quelle scritte in un villaggio vicino a Mosca: “Fine inverno. Mezzogiorno" (1929); "Finestra aperta. Ligachevo" (1947), e quelli scritti dai ricordi della sua giovinezza e legati alla vita della vecchia Mosca, che ha cresciuto l'artista - “Dare da mangiare ai piccioni sulla Piazza Rossa nel 1890-1900.” (1946).
Dipinto degli anni 20-30. Nelle belle arti degli anni '20. La ricerca artistica dell'inizio del secolo continua. La prova di ciò è l'esistenza di vari gruppi e direzioni che risolvono problemi creativi in modi diversi. Le più grandi sono l'Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria (AHRR), la Società dei pittori da cavalletto (OST), l'associazione “4 Arts” e la Società degli artisti di Mosca (OMH). Tutte queste associazioni furono ufficialmente liquidate negli anni '30.
Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria(1922-1932) fu il più numeroso. L’AHRR si affidava alle tradizioni realistiche dei Peredrignik, combatteva contro i movimenti di sinistra nell’arte, con lo slogan “l’arte per l’arte” e invitava gli artisti a creare dipinti di genere su temi moderni e storico-rivoluzionari. Tra gli artisti di questo movimento ci sono Brodsky, Ryazhsky, Grekov, Ioganson, Gerasimov e altri.
Boris Vladimirovich Ioganson(1893–1973). I suoi dipinti erano considerati esemplari nell'arte sovietica, idealmente corrispondenti ai principi del realismo socialista.
Nei primi dipinti di Ioganson, la storia domina e viene prestata molta attenzione ai dettagli della trama. Scrive panorami di cantieri: “Lottare contro la devastazione” (1922), “Costruzione della centrale idroelettrica Zemo-Avchala” (1925). Parla, indicando chiaramente le sue simpatie e antipatie, di nuove relazioni e ordini: "Corte sovietica" (1928). Alla ricerca di un nuovo tipo sociale: “Viene la facoltà operaia (studenti universitari)” (1928). L'immagine è piena di molti episodi quasi indipendenti. "Stazione ferroviaria Junior nel 1919" (1928).
Negli anni '30, senza abbandonare la concretezza delle situazioni di vita e la natura della pittura, l'artista si sforza di creare un'epopea sovietica unica. Cerca immagini di “eroi” e “cattivi” del nuovo mito politico e li affronta in situazioni drammatiche - “Interrogatorio dei comunisti” (1933), “Nel vecchio stabilimento degli Urali” (1937).
L'artista dipinse anche ritratti - “Ritratto del regista V. I. Nemirovich-Danchenko (1948). E nel 1950, sotto la sua guida, un intero gruppo di artisti creò un'enorme tela “Discorso di V. I. Lenin al III Congresso del Komsomol”- un tipico esempio della creatività collettiva impersonale incoraggiata in quel momento.
Negli anni Quaranta e Sessanta. Ioganson ha dedicato molto tempo all'insegnamento. Dal 1962 fu presidente dell'Accademia delle Arti.
Società dei pittori da cavalletto(1925-1932) riunì i giovani laureati della VKHUTEMAS, la prima università d'arte sovietica. Della OST facevano parte Shterenberg, Daineka, Williams, Annenkov, Tyshker, Pimenov e altri che, a differenza degli akhreviti, trovarono un ideale estetico non nel passato, ma nella moderna ricerca dell'arte europea. I temi delle opere degli Ostoviti sono l'industrializzazione, il paesaggio urbano, le immagini del nuovo secolo. Le opere degli artisti OST: la dinamica della composizione, la chiarezza del disegno e il laconicismo della forma.
Aleksandr Aleksandrovich Deineka(1899-1969).I suoi dipinti sembrano incarnare il pathos della storia sovietica degli anni 1920-1930, i suoi slogan visivi e i suoi appelli. La gioia del trionfo dell'industrializzazione e del progresso tecnologico, la fede in una mente sana in un corpo sano: questa sensazione di pace si rifletteva nei dipinti e nella grafica dell'artista con assoluta completezza e autenticità.
Divenuto membro dell'OST (1925), Deineka si trovò tra i difensori della pittura da cavalletto e, quindi, oppositore del programma d'avanguardia dell'“arte industriale”. Innanzitutto Deineka non era vincolato dalla tradizione pittorica in quanto tale. Ha portato nella sua pittura una comprensione puramente grafica della forma. I suoi dipinti non sono colorati: l'espressività dinamica delle composizioni è costruita su un ritmo lineare esattamente calibrato, che nelle opere migliori acquisisce un iconico manifesto e allo stesso tempo un laconicismo monumentale (“La difesa di Pietrogrado”, 1928; “Sciatori”, “Correre”, entrambi del 1934).
Il ritmo dinamico, l'obiettività enfatizzata e l'amore per gli angoli acuti diventano una sorta di "biglietto da visita" dell'artista - da questi segni si possono riconoscere inequivocabilmente: la grafica del suo libro ("Kuterma" di N. Aseev, 1930), manifesti di anni diversi, opere monumentali (mosaici delle stazioni della metropolitana di Mosca "Mayakovskaya", 1939; "Novokuznetskaya", 1943). La pittura successiva sembra essere lontana dalle leggi dell'estetica di Ostov - “Periferia di Mosca” (1941); "Difesa di Sebastopoli" (1942); "In riva al mare" (1956-1957).
Il lavoro di Deineka incarna pienamente le idee e i principi artistici dei maestri dell'OST - "tecnici", ispirati alla nuova vita, principalmente ai suoi aspetti industriali e sportivi, e stilisticamente gravitanti verso l'espressionismo tedesco.
Parallelamente, si sta sviluppando un'altra area del suo lavoro, che negli anni è diventata sempre più significativa: ritratti intimi e paesaggi naturali. In questi generi “piccoli”, non più vincolati dal compito di dare un'immagine capiente del tempo, Deineka acquisisce lirismo, e in essi si rivela il talento di un pittore sottile.
Yuri (George) Ivanovich Pimenov(1903–1977) voleva essere un artista del nostro tempo, incarnare il sentimento della vita di oggi, corrispondente allo spirito e all’apparenza di ogni giorno che passa. Pertanto, si è rivelato un artista molto sovietico. Ma non solo il tema, ma l'intera struttura della loro arte, gli Ostoviti volevano renderla all'avanguardia. Questo era l’aspetto dell’espressionismo tedesco, con il suo linguaggio visivo aspro, a volte grottesco. Scrive Pimenov "Invalidi di guerra", con maschere senza occhi al posto dei volti (1926), atleti ascetici e scheletrici (“Correre”, 1928) e lavoratori quasi altrettanto esausti sullo sfondo di locomotive a vapore rigidamente disegnate e capriate d'acciaio in un'immagine simile a un poster per titolo e concetto “Dammi l’industria pesante!” (1927).
Negli anni '30 la finta severità scompare dal lavoro di Pimenov. Con una pennellata leggera e fluida e colori chiari, dipinge ritratti di donne. (“Ritratto di L. A. Eremina”, 1935), la natura vicino a Mosca, la scintillante diversità di cose e tessuti nel camerino dell'attrice (“Attrice”, 1935). La superficie iridescente della vita lo affascina: le comunità appena ricostruite di Okhotny Ryad, la nuca rasata della ragazza, le sue mani sul volante di un'auto scoperta, i garofani vicino al parabrezza - tutto nelle tinte rosa e blu di un'impressionistica colorazione delicata (“Nuova Mosca”, 1937).
Il genere del reportage lirico, l’ammirazione sentimentale per il trambusto festoso della vita urbana rimarrà l’elemento di Pimenov fino alla fine della sua vita. Dalla fine degli anni '50. Il suo principale oggetto di osservazione sono i nuovi quartieri che circondano Mosca. Ammira la loro natura incompiuta e disabitata, il loro modo di vivere temporaneo e non ancora stabile.
Pimenov è noto per le sue opere teatrali: ha ideato lo spettacolo "Per coloro che sono in mare!" B. A. Lavreneva (1946), “The Wide Steppe” di N. G. Vinnikov (1949).
Rappresentanti associazione "4 arti"(1924-1931) studiò le specificità dell'interazione tra pittura, scultura, architettura e grafica. L'associazione comprendeva artisti Petrov-Vodkin, Bruni, Saryan, Favorsky, Kuznetsov. Hanno cercato un'elevata professionalità e ricchezza emotiva nelle loro opere.
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin(1878-1939). Il destino creativo di Petrov-Vodkin si è sviluppato felicemente. La trasformazione del figlio di un calzolaio in un famoso pittore, il suo rapido movimento dall'entroterra del Volga ai centri della cultura europea, la sua vicinanza alle più grandi figure dell'arte russa nei raffinati circoli metropolitani: tutto questo sembra fantastico.
Già nel primo periodo il lavoro di Petrov-Vodkin era caratterizzato da un orientamento simbolista (“Elegia”, 1906; “Riva”, 1908; “Sogno”, 1910). La risposta del pubblico alle prime esibizioni dell'artista fu controversa. Il dipinto “Dream” suscitò accese polemiche e portò al giovane pittore una grande fama.
Un'ulteriore evoluzione mostra che il simbolismo del linguaggio artistico era radicato nella natura stessa del pittore, così come nella tradizione iconografica, di cui in questo periodo avvenne una nuova scoperta. "Ragazzi in gioco" (1911) e specialmente "Fare il bagno al cavallo rosso" (1912) segnano una pietra miliare di fondamentale importanza nel lavoro di Petrov-Vodkin. Sebbene l'elaborazione plastica dei volumi entri in una certa contraddizione con le convenzioni del colore e l'appiattimento dello spazio, è qui chiaramente leggibile il desiderio di una sintesi delle tradizioni pittoriche orientale e occidentale, che si rivelò così fruttuosa.
Per tutti gli anni '10. L’ambito delle ricerche di Petrov-Vodkin rimane molto ampio. Le opere più organiche sembrano essere quelle legate al tema della maternità, che attraversa tutta l’opera di Petrov-Vodkin. (“Madre”, 1913; “Mattina. Bagnanti”, 1917).
Allo stesso tempo maturavano le idee che portarono Petrov-Vodkin alla creazione di un sistema artistico unico nel suo genere. Il problema dello spazio viene alla ribalta, trovando soluzione nella “prospettiva sferica”. La varietà delle posizioni spaziali nel quadro è associata alla legge di gravità: gli assi inclinati dei corpi formano, per così dire, un ventaglio, aperto dall'interno del quadro - "Mezzogiorno. Estate" (1917), "Primi passi" (1925), "Primavera" (1935) ecc. La comprensione dello spazio come "uno dei principali narratori del quadro", insieme a un'interpretazione specifica del ruolo del colore (basata sulla triade primaria: rosso, giallo, blu) ha determinato lo stile pittorico maturo di Petrov-Vodkin .
Nei primi anni post-rivoluzionari, Petrov-Vodkin si dedicò particolarmente spesso alla natura morta, trovando ricche possibilità sperimentali in questo genere - "Mattina Natura morta" (1918).
L'ultima opera significativa di Petrov-Vodkin - "1919. Ansia" (1934). Sebbene il dipinto affronti con il suo titolo eventi storici specifici, unisce significati contrastanti e diventa il simbolo di un'intera epoca.
L’orientamento verso i valori eterni insito nell’opera di Petrov-Vodkin non poteva essere accettato dall’ideologia sovietica dell’era stalinista. Dopo la morte dell'artista, il suo nome fu quasi dimenticato. Solo a metà degli anni '60. è avvenuta una nuova scoperta di Petrov-Vodkin, grazie alla quale la vera portata del suo talento e il valore del suo patrimonio creativo sono ora chiari.
Dipinto degli anni della guerra. Un posto importante nelle belle arti degli anni della guerra spetta al manifesto. Uno dei primi manifesti di propaganda dell'inizio della guerra "La Patria sta chiamando!" IM Toidze. Durante gli anni della guerra, i Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov) lavorarono attivamente, creando poster satirici e grotteschi per TASS Windows. Il dolore per i morti, l'odio per il nemico, la gioia delle vittorie e l'amarezza delle sconfitte: tutti questi sentimenti hanno trovato risposta nelle opere degli artisti in tempo di guerra.
Kukryniksy: Mikhail Vasilyevich Kupriyanov (1903–1991), Porfiry Nikitich Krylov (1902–1990), Nikolai Alexandrovich Sokolov (nato nel 1903). Tutti e tre studiarono al Vkhutemas - Vkhutein (1921-1929) di Mosca, nel cui giornale murale si formò la loro collaborazione creativa, che durò per il resto della loro vita. Separatamente, hanno dipinto ed esposto alle mostre principalmente piccoli schizzi lirici, principalmente paesaggi. Insieme, sotto uno pseudonimo comune (basato sulle sillabe iniziali dei loro cognomi), agivano principalmente come grafici, caricaturisti e illustratori.
Tra la fine degli anni '20 e l'inizio degli anni '30. Hanno pubblicato diversi album con vignette di scrittori e hanno disegnato caricature su argomenti quotidiani. Dal 1933 sono vignettisti permanenti del quotidiano Pravda, che ne fa le principali guide e propagandisti (in forma satirica) della linea politica ufficiale del Paese.
Durante la Grande Guerra Patriottica, insieme ai cartoni animati, furono pubblicati numerosi poster (tra cui il primo dopo l'attacco tedesco poster "Sconfiggeremo e distruggeremo spietatamente il nemico!", 1941 - con una caricatura di Hitler) e il satirico “TASS Windows”. E nella grafica dei libri gli artisti iniziano con immagini ironiche e grottesche. “12 sedie” illustrate di Ilf e Petrov (1933 e 1967), “La vita di Klim Samgin” di M. Gorky (1934); opere di M. E. Saltykov-Shchedrin, N. V. Gogol, storie di A. P. Chekhov e altri.
Nella pittura da cavalletto, i Kukryniksy cercarono congiuntamente di applicare la loro esperienza nella grafica politica e prevalentemente satirica su una grande tela. Già nel 1933 mostrarono la serie "Il volto del nemico" - una serie di pittoresche caricature dei generali della Guardia Bianca. La guerra patriottica fornì temi per nuovi grandi dipinti dei Kukryniksy: “Zoya Kosmodemyanskaya” (1942-1947), “La fuga dei nazisti da Novgorod” (1944-1946), “La fine. Le ultime ore nel quartier generale di Hitler" (1947-1948).
Qui si è tentato di combinare una rappresentazione affidabile degli eventi con immagini caricaturali e interpretate in modo grottesco. Il metodo di lavoro di Kukryniksy è unico in sé: gli artisti hanno raggiunto uno stile unificato, "Kukryniksy", combinando i talenti personali in un processo creativo congiunto.
Arkady Alexandrovich Plastov(1893–1972) fu riconosciuto come un classico dell'arte sovietica durante la sua vita. Le sue opere hanno trovato spazio anche nei libri di testo scolastici. Tuttavia, i suoi dipinti migliori divennero dei classici non della pittura sovietica, ma della pittura russa del XX secolo. Plastov è un grande artista della Russia contadina. Ci guarda dai suoi dipinti e ritratti.
Solo nella seconda metà degli anni '20. è stato in grado di impegnarsi a fondo nel lavoro artistico. Nel 1931, la casa di Plastov bruciò, quasi tutto ciò che era stato creato in quel momento fu distrutto. Si trovò praticamente nella posizione di un principiante. Ma quarant'anni di lavoro instancabile - e il numero delle sue opere si avvicinava a 10.000, solo diverse centinaia di ritratti. Questi sono per lo più ritratti di compaesani.
Plastov è un realista naturale. L'orgoglio modernista, la ricerca di qualcosa di completamente nuovo e senza precedenti gli erano completamente estranei. Viveva nel mondo e ne ammirava la bellezza. Come molti artisti realisti russi, Plastov è convinto che la cosa principale per un artista sia vedere questa bellezza ed essere estremamente sincero. Non devi scrivere magnificamente, devi scrivere la verità, e sarà più bella di qualsiasi fantasia. L'artista ha testato più volte ogni sfumatura, ogni caratteristica dei suoi dipinti mentre lavorava dal vero.
L'artista lavorò molto e fruttuosamente negli anni '30, ma creò i suoi primi capolavori durante gli anni della guerra. La guerra come tragedia popolare, come violazione delle leggi naturali e sacre dell'esistenza - “Il fascista volò oltre” (1942). E l'inviolabilità di queste leggi, l'inviolabilità dei fondamenti della vita delle persone - classicamente sobria e bella "Raccolta" (1945).
E successivamente, nelle sue opere migliori, Plastov ha mantenuto il livello raggiunto: “Primavera” (1952), “Gioventù” (1953–1954), “Primavera” (1954), “Estate” (1959–1960), “Cena dei trattoristi” (1951). Non è un caso che i nomi di molti di loro contengano qualcosa di generale. A Plastov è stata data la rara capacità di trasformare gli eventi della vita reale, spesso i più ordinari, in un'immagine ideale, come per scoprire il loro significato e significato più intimo e vero nel sistema complessivo dell'universo. Ecco perché lui, un moderno realista russo, ha naturalmente continuato la tradizione artistica classica.
Dipinto del dopoguerra. La creatività degli artisti degli anni del dopoguerra si è sviluppata sotto l'influenza di idee sociali mutate e nuovi fattori spirituali. Dopo le catastrofi vissute dalla gente, la prospettiva di un'esistenza pacifica e serena sembrava particolarmente rosea e allettante. Il pathos della vita che circondava l'artista era già diverso; il suo aspetto era influenzato dall'esperienza di persone che avevano attraversato una guerra terribile, che avevano rivissuto la misura del bene e del male e che guardavano il mondo con occhi diversi .
Nell'arte degli anni '40 - primi anni '50. L'impronta del culto della personalità è evidente. Spesso, la falsa pomposità mette in ombra la dura verità della guerra passata e la difficile fase di ripristino dell'economia distrutta. Eppure, in questo momento, sono state create molte opere interessanti. I maestri delle generazioni più anziane stanno lavorando attivamente, "nel loro secondo respiro", sperimentando con gioia l'impennata e l'entusiasmo a livello nazionale nati dalla tanto attesa vittoria. È interessante notare che anche i dipinti di contenuto storico durante questo periodo venivano spesso risolti in termini quotidiani. È così che gli artisti hanno espresso il loro desiderio di ritrovare caratteristiche del passato che corrispondano ai sentimenti delle persone di oggi.
Questa tendenza è particolarmente evidente nell'opera di Serov: "Walkers di V.I. Lenin".
Le decisioni del 20° Congresso furono percepite come cambiamenti rinfrescanti e pieni di speranza: furono chiamate il “disgelo”. Il realismo socialista stava morendo e la nuova arte divenne troppo formalistica per entusiasmare anche ampi settori dell’intellighenzia.
Dipinto dell'era del socialismo sviluppato. La burocrazia di Breznev nell'arte alla fine degli anni '50. La società sovietica sta entrando nella cosiddetta fase del “socialismo sviluppato”, che si riflette nell’arte. La sua direzione era determinata direttamente dalle decisioni del Partito Comunista. Un tratto caratteristico dell'arte degli anni '60-'70. - una combinazione armoniosa emergente di diversi tipi e rami della creatività artistica - dalle arti decorative e applicate a quelle che affrontano problemi ideologici su larga scala in forma pittorica. Il nuovo look dell'arte degli anni '60 e '70. appare più chiaramente nella pittura. All'inizio degli anni '60. c'è il desiderio di mostrare la vita del popolo sovietico, il romanticismo delle imprese lavorative e lo sviluppo di nuove terre nel modo più chiaro e veritiero possibile. Nel periodo attuale si può osservare una vera fioritura delle arti grafiche. In ogni repubblica, in tutti i centri d'arte ci sono maestri interessanti. Ma la grafica va oltre l'ampiezza. Le sue capacità in termini di copertura di nuovi argomenti si stanno realizzando sempre più profondamente, i mezzi e le tecniche espressive stanno diventando più diversificate. Insieme a maestri come N. A. Ponomarev (n. 1918), V. N. Minaev (n. 1912), E. K. Okas (n. 1915), D. A. Dubinsky (1920-1960), avanzarono nel periodo passato, negli anni '60 -'70. Gli artisti lavorano con successo, guardando il mondo in modo nuovo e a modo loro. Questi sono G. F. Zakharov, I. V. Golitsin, D. S. Bisti, E. M. Sidorkin.
L’arte dell’inizio del XIX secolo è associata all’era della rivolta sociale causata dalla guerra patriottica del 1812 e al movimento contro la servitù della gleba che portò alla rivolta dei decabristi nel 1825.
Nel campo della cultura artistica di questo periodo si osservò un cambio di direzione relativamente rapido: classicismo cede il passo romanticismo e il romanticismo sulla via del suo sviluppo incontra un aumento realismo nell'arte. È vero, questo si è manifestato principalmente nella pittura. Se gli artisti del XVIII secolo cercavano il realismo nel trasmettere l'unicità individuale dell'individuo, nel XIX secolo iniziarono a rappresentare ciò che era prezioso e ciò che li preoccupava nella vita pubblica.
Nel secondo quarto del XIX secolo in Europa il capitalismo si era già affermato nella maggior parte dei paesi, mentre in Russia il crollo del sistema feudale e servile era ancora in corso. Tuttavia, sia in Europa che in Russia questo periodo è caratterizzato dall'ascesa di una vivace vita sociale - in Europa soprattutto La rivoluzione francese e le sue conseguenze, e in Russia sono in crescita lotta contro la servitù, soprattutto dopo il fallimento della rivolta decabrista.
Durante questo periodo, il classicismo, che dominava le pareti Accademia delle Arti, ha esaurito il suo significato progressivo. Nel 1829 l'Accademia fu subordinata al dipartimento della corte imperiale, così divenne conduttore di opinioni ufficiali-ufficiali. Nel tentativo di rafforzare la loro posizione nell'arte, i professori dell'Accademia hanno cercato di padroneggiare alcune tecniche caratteristiche del romanticismo. Così è emerso il metodo del romanticismo accademico, progettato per creare una bellezza ideale e sublime, lontana dalla vita quotidiana reale.
In contrasto con l'arte accademica, nella prima metà del XIX secolo, in Russia cominciò a prendere forma un'altra arte, che cominciò a chiamarsi critico realismo. Gli artisti iniziarono a denunciare apertamente, senza ricorrere alla forma convenzionale delle storie del Vangelo, i vizi della loro società contemporanea; il fondatore del realismo critico russo nella pittura è giustamente considerato Pavel Fedotov.
La seconda metà del XIX secolo in Russia fu segnata da una nuova ascesa della lotta di liberazione per una vita migliore. L'intellighenzia prese il posto di leader nel movimento sociale. La servitù della gleba fu abolita, ma ciò non rese la vita più facile.
In questo periodo aumentò l'importanza dell'arte, in particolare della pittura, considerata un potente mezzo educativo. Alla fine della prima metà dell'Ottocento cominciò a funzionare Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, che ora ha iniziato a svolgere un ruolo enorme nella società come conduttore di percorsi democratici. Qui ha subito messo radici il sistema pedagogico veneziano, basato su uno studio attento della vita circostante. Ha giocato un ruolo anche il fatto che la Scuola si trovasse lontano dalla capitale, come nel pieno della vita popolare. Il più eccezionale degli studenti della scuola era V.G.Perov
L'arte nel periodo della seconda metà si distingue per il suo alto livello ideologico, l'interesse appassionato per la risoluzione di questioni sociali urgenti e il suo carattere popolare. Servire il popolo divenne uno degli obiettivi principali degli artisti russi avanzati. Per la prima volta nella storia dell'arte russa, la vita dei lavoratori è diventata il tema principale delle opere degli artisti democratici. Le persone non sono raffigurate dall'esterno, ma come dall'interno. Gli artisti che sono diventati difensori del popolo, molti dei quali provenivano dal popolo, hanno parlato della loro oppressione, della vita dura e della mancanza di diritti. Questi sentimenti socialmente critici penetrarono anche nelle classi dell'Accademia delle Arti: nel 1861 si diplomò V. Jacobi ha eseguito la tela "Riposo del prigioniero". E nel 1864 l'immagine ebbe un successo clamoroso K. Flavitsky "Principessa Tarakanova"", dedicato al misterioso prigioniero della Fortezza di Pietro e Paolo, considerata la figlia di Elisabetta Petrovna.
Principessa Tarakanova (1864)
Nonostante tutti questi cambiamenti nella vita sociale della Russia, l’Accademia delle arti di San Pietroburgo continuò a difendere l’arte accademica lontana e astratta. Era ancora considerato il tipo più alto di pittura pittura di storia principalmente su argomenti mitologici e religiosi. Di conseguenza, gli artisti avanzati, che non volevano essere d'accordo con i principi arretrati dell'Accademia, entrarono in conflitto con il vecchio sistema di insegnamento, che si tradusse in un sistema di insegnamento aperto. "Rivolta del 14" artisti. I laureati, guidati dall'artista Kramskoy, si rifiutarono di completare la loro tesi sul tema mitologico loro assegnato. Chiesero libertà nella scelta di un argomento. Il Consiglio dell'Accademia rifiutò la richiesta dei diplomati, che poi abbandonarono l'Accademia per protesta, rifiutando il diploma.
Dopo aver lasciato l'Accademia il 9 novembre 1863, i protestanti si organizzarono Artel degli artisti. L'iniziatore dell'intero caso è stato Ivan Nikolaevich Kramskoy. I membri dell'Artel affittarono un appartamento e vissero insieme. La moglie di Kramskoy gestiva la casa. Presto Artel vinse il riconoscimento. Veniva chiamata spesso "Accademia Kramskij". Ogni giovedì, la sera, pittori e scrittori si riunivano nel laboratorio dell'artel. In queste serate sono state discusse questioni interessanti di politica, vita sociale, arte: tutto ciò ha contribuito all'educazione della gioventù artistica e all'unificazione delle forze artistiche.
L'artel esistette per circa 7 anni e si sciolse nel 1870. L'Artel venne sostituita da una nuova associazione artistica - Associazione mostre d'arte itineranti.
Occupa un posto molto importante nell'arte del XIX secolo. attività di P. M. Tretyakov, che dimostrò di essere un vero cittadino russo avviando una collezione di pittura e scultura russa, risalente all'antichità. Spendeva tutti i suoi soldi per l'acquisto di dipinti e spesso sosteneva con denaro artisti poveri e di talento.
L'area principale della pittura russa nella seconda metà del XIX secolo fu genere quotidiano. Il leader era immobile tema contadino. I Peredvizhniki rappresentavano la vita delle persone, mostrando il conflitto sociale tra le classi dominanti e quelle oppresse della società russa, mentre le tradizioni accusatorie nella pittura continuavano. Occupa molto spazio tema dei bambini.
Nella seconda metà del XIX secolo ebbe luogo una riforma nell'arte artistica russa, secondo la quale i temi mitologici e religiosi iniziarono a lasciare il posto alla rappresentazione di eventi storici reali. L'inizio di questa riforma fu posto dall'artista russo Ge N.N.
Nel panorama russo della seconda metà del XIX secolo si svolse un'intensa lotta per l'istituzione di un tema nazionale. Artisti notevoli Savrasov, Shishkin, Levitan e altri in questi anni ruppero con le tradizioni del panorama accademico “idealizzato”, “levigato”, lontano dalla vita, principalmente italiano e francese, e si dedicarono alla rappresentazione della natura del loro paese natale. L’affermazione di Chernyshevskij “Il bello è la vita” ha trovato una calorosa risposta tra i maestri della pittura di paesaggio. Rappresentando la natura nella sua forma naturale e quotidiana, gli artisti Peredvizhniki hanno mostrato in essa ampia poesia e bellezza.
Nella seconda metà del 20 ° secolo, diversi pittori e maestri della pittura storica particolarmente brillanti, potenti e di talento si sono distinti nella pittura russa: questi sono I. Repin, V. Surikrv, V. Vasnetsov.
L'arte russa a cavallo tra il XIX e il XX secolo prese forma in condizioni di umore rivoluzionario. Visioni decadenti e pessimismo permeavano l'intellighenzia creativa. I valori estetici sono cambiati nella società. Alla ricerca della loro strada nell'arte, molti artisti hanno iniziato a unirsi in varie organizzazioni artistiche - associazioni.
Nel 1903 molti artisti realisti si unirono "Unione degli artisti russi" dove continuarono le tradizioni dei Vagabondi e scrissero opere veritiere e realistiche. Artisti notevoli di questo periodo furono Serov, Vrubel, Nesterov, Ryabushkin, ecc.
XX secolo: dalle avanguardie al postmodernismo." title="Pittura russa 20 secolo: dalle avanguardie al postmodernismo.">!}
Il XX secolo è un periodo di sconvolgimenti, un folle susseguirsi di epoche. Sembra impossibile avere il tempo di lasciare una pennellata, ma no... Come prima, le tendenze della pittura sono diventate di moda e sono svanite nell'oblio.
L'inizio del secolo: la ricerca di nuove forme e idee. L’avanguardia, il supermodernismo, l’arte astratta e il realismo socialista emergono, si sviluppano e scompaiono. La natura entra all'interno della stanza e la natura morta esce all'aria aperta. 20
secolo è il tempo di Boris Kustodiev, Kazimir Malevich, Konstantin Yuon, Fyodor Reshetnikov.
Quindi, l'avanguardia russa. Un inizio.
Il termine stesso “avanguardia” significa avanzato, innovativo, che rompe ogni legame con il passato. L'avanguardia russa 20
secolo è una generalizzazione dei movimenti radicali nell'arte. Poi ha avuto nomi e direzioni diversi: futurismo, modernismo, arte nuova o di sinistra, astrattismo, costruttivismo, supermatismo. La rivolta nell'arte iniziò dopo la prima rivoluzione russa, negli anni precedenti la guerra 1914
- fioritura e maturità graduali - il primo decennio dopo la rivoluzione.
L'avanguardia russa è accomunata dalle seguenti caratteristiche:
· rifiuto completo e radicale del passato culturale;
· una combinazione di due principi: distruttivo e creativo. Aggressività, rivoluzione, desiderio di rompere vecchie idee sui valori artistici, sull'immagine del mondo, dell'uomo e dell'energia creativa ribollente, il desiderio di creare qualcosa di nuovo non solo nella pittura, in tutte le sfere della vita.
Parlando di avanguardia, vale la pena menzionare Wassily Kandinsky. Nel suo lavoro l'inizio 20
secolo è l'antichità, una combinazione di modernità russa, tedesca e alcune stampe popolari popolari russe ("Motley Life", "Song of the Volga"). Durante la guerra e gli anni rivoluzionari, Kandinsky creò dipinti di stili diversi. Un po 'più tardi - "White Oval" (1920) - una tela simbolico-astratta, dove l'ovale ricorda vagamente un cuore, pieno di figure astratte, dove spicca l'asse. Dipinge paesaggi abbastanza realistici – “Mosca. Zubovskaya Square" (1916) e paesaggi un po' lontani dalla realtà - "Mosca. Piazza Rossa" (1916).
Tra i movimenti d'avanguardia si distinguono il supermatismo e il suo rappresentante e teorico polisemantico, Kazimir Malevich. Cosa significa supermatismo? Nella definizione di Malevich, il supermatismo è lo stadio finale dell'arte, la non oggettività, l'uscita dall'extra-artistico. E per primo usò il termine in relazione a tele con astrazioni geometriche (“Croce Nera”, “Quadrato Nero” su sfondo bianco). Quindi il nome è stato assegnato a tali dipinti, sebbene l'artista abbia designato il supematismo anche come forme più specifiche, ad esempio dipinti con figure umane.
La rivoluzione è avvenuta. L'avanguardia sopravvisse ad anni di sconvolgimenti e giunse al declino, anche nella pittura russa 20
secolo è iniziata una nuova fase. Nella prossima vita lavorativa, dovrebbe essere stabilita una nuova estetica delle belle arti. E questo stile portava un nome corrispondente al nome della nuova era: realismo socialista. Non è nato tra gli artisti, ma tra i politici.
La “rappresentazione veritiera della realtà”, come richiedeva il partito, doveva essere aiutata da un orientamento verso le tradizioni della pittura accademica. Lo stile aveva le sue caratteristiche:
· l'eroismo dei combattenti della rivoluzione, dei leader, dei grandi personaggi, di coloro che guidavano le masse popolari;
· il realismo implicava la necessità di riprodurre un evento su tela in esatto accordo con un evento specifico nella storia della rivoluzione;
· eroi – operai e contadini;
· non esiste la verità dell'autore - c'è la verità del partito, e l'artista deve affermarla, rivoluzione, lotta, morte delle persone - questa è la strada verso un futuro luminoso.
Ma non si può dire che il realismo socialista non soddisfacesse le esigenze dell’epoca. Sì, c’erano controlli, pressioni ideologiche, economiche, campagne politiche e culturali. È difficile per l’avanguardia mantenere la propria posizione in una società totalitaria. Sia la composizione del pubblico che quella degli artisti sono cambiate. Compiti complessi, come l’industrializzazione, hanno richiesto sforzi enormi. E potrebbero essere tratti dall'arte, che ha dimostrato: una persona semplice può fare molto, è un eroe del suo tempo.
Pertanto, nel realismo socialista c’erano due tendenze principali. Il significato del primo era l'iperbolizzazione, la generalizzazione: eventi storici su larga scala, eroi personali, leader: le prime persone del nuovo stato. Il centro del secondo è la vita quotidiana di una persona comune.
Il Disgelo apportò cambiamenti anche alla pittura. La natura mitologica della primavera del “disgelo” viene trasferita alla fioritura dell'uomo, all'infanzia e all'adolescenza. Ma la giovinezza adesso non è la bellezza della forza fisica, non una persona orgogliosa della sua partecipazione al wrestling e delle figure atletiche sviluppate. Sono bambini e adolescenti di città, finestre aperte al sole.
Ma il “disgelo” finì e uno “stile severo” arrivò alla pittura russa. Si oppone non solo all’arte artistica del “Disgelo”, ma anche al primo realismo socialista, rifiutando la visione artistica del mondo del passato come una “menzogna”.
· “Stile severo” - privo di illusioni, verità spietata, in cui non c'è posto per la disattenzione infantile. Il sole e la natura sono scomparsi dalle immagini, non c'è posto per le gioie semplici nella vita: solo il lavoro.
· L'eroismo nella presentazione di questo stile non è la forza fisica di una persona e una bella posa. Questa tensione interna, questo sforzo, che lo spettatore non vede, vede solo calma, isolamento. La forza del corpo è sostituita dalla forza di volontà ("Builders of Bratsk" di V.E. Popkov, "Polar Explorers", "St. John’s Wort" di A. Smolin e P. Smolin).
Chi diventa l'eroe? 20
secolo? Una persona senza età, sesso, aspetto, non ha status sociale, la vita non è divisa in privata e pubblica. Questo è un uomo “sulla nuda terra” - in un mondo che non ha ancora creato, ma deve creare.
· Il lavoro non è gioia, non è aspirazione, non è bisogno di creazione. Questa è una chiamata, una conquista, una sottomissione della natura. Gli eroi non sono combattenti per un nuovo mondo, ma lavoratori petroliferi e geologi, costruttori di dighe.
Il cerchio si chiude ed entro la fine del secolo la pittura russa 20
secolo dentro 90-
Gli anni ritornano alla modernità aggiornata: il postmodernismo. La pittura diventa fotografica: praticamente non ci sono differenze tra la copia e l'originale. E allo stesso tempo è sommario, caricaturale. La formazione dello stile è ancora in corso, è troppo presto per dire quali forme verranno alla ribalta.
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