Un messaggio sull'arte del Giappone. Enciclopedia scolastica. Arti e mestieri, architettura e giardini

Da tempo cercavo materiale con cui iniziare un racconto sulla cultura del Paese del Sol Levante. Mi sono imbattuto in un ottimo sito su Internet. www.cultline.ru Con articoli dai quali voglio iniziare un'escursione nella storia culturale dell'antico Giappone.

La storia dell'arte giapponese è divisa in diversi periodi:

Periodo antico (era Heian)

Alto Medioevo (era Kamakura)

Tardo Medioevo (era Tokugawa)

La cultura artistica del Giappone si è sviluppata nel corso di molti secoli. Durante questo lungo periodo furono create opere eccezionali che furono incluse nel fondo d'oro dell'arte mondiale. Il popolo giapponese ha creato un mondo sfaccettato e insolito di immagini e forme artistiche, che incarnavano la storia della loro vita, modo di vivere, credenze e giudizi sulla bellezza. Uno dei tratti più caratteristici della cultura giapponese era l'ampia associatività che costituiva la base del suo sistema figurativo. Il pensiero poetico dei giapponesi si manifestava nella polisemia del contenuto degli oggetti artistici da loro creati, riflettendo idee sulla natura e sull'universo.

È noto che il destino storico di ogni nazione è in gran parte determinato dalla sua posizione geografica, dalle condizioni naturali e climatiche. La posizione insulare del Giappone ha portato al relativo isolamento del gruppo etnico giapponese e alla preservazione della sua omogeneità fino ai tempi moderni. L'ammirazione per la bellezza della natura insolitamente ricca e varia del Giappone, la capacità di goderne ogni momento, è diventata una caratteristica del carattere nazionale e ha ricevuto espressione diretta in tutte le forme d'arte. Una particolare attenzione alla vita della natura, associata alla dipendenza dai suoi elementi (tifoni, terremoti, ecc.), ha influenzato l'atteggiamento nei suoi confronti come vivente e sentimento. Pertanto, non solo gli alberi e l'erba, gli uccelli e gli animali, ma anche i fiumi, le montagne e le pietre sembravano ai giapponesi l'incarnazione degli spiriti, delle divinità - Kami, che ha influenzato la vita delle persone in tutte le sue manifestazioni e, di conseguenza, ha richiesto attenzione e buona attitudine. Ai Kami sono stati offerti doni e canti e danze rituali dedicati. Tale venerazione degli spiriti della natura, antichi rituali magici costituivano la base della religione nazionale Shinto (“Via degli Dei”). Anche il culto degli antenati era una componente importante Shintoismo. Si credeva che ogni clan avesse il proprio antenato. Ad esempio, gli antenati delle famiglie nobili e ricche erano considerati divinità celesti, mentre le famiglie meno nobili facevano risalire le loro origini a divinità terrene. Nella mitologia giapponese non esiste un unico creatore. Al completamento del processo cosmogonico, il ruolo principale spettava agli dei consorti Izanagi E Izanami. La loro figlia maggiore Amaterasu divenne la principale divinità solare e, come testimoniano i miti, è da lei che discende la famiglia imperiale giapponese. Tutti i governanti del Giappone sono considerati i suoi discendenti.

Nei primi secoli della nostra era, lo shintoismo era la base della vita spirituale della società giapponese. Nel VI secolo, il Buddismo cominciò a diffondersi dalla Cina attraverso la Corea; fu ufficialmente stabilito in Giappone nel 538. Il buddismo in Giappone ha mostrato grande flessibilità nell'adattarsi alle condizioni locali e nel coesistere con la religione shintoista locale. Inizialmente, le divinità buddiste erano equiparate a quelle shintoiste, nel tempo gli insegnamenti del buddismo iniziarono ad avere un impatto crescente sulla coscienza pubblica e sullo sviluppo dell'intera cultura giapponese. La maggiore influenza sullo sviluppo della cultura artistica giapponese è stata esercitata dai buddisti Setta Zen, i cui insegnamenti furono diffusi dal XII al XIII secolo. Nel suo sviluppo dall'antichità fino al XIX secolo, l'arte giapponese ha attraversato una serie di fasi importanti legate all'evoluzione delle relazioni sociali.

Con il crollo del primitivo ordinamento comunale e la formazione del primo Stato iniziò un lungo periodo di feudalesimo, che solitamente si articola in più fasi . Presto Medioevo coincide condizionatamente con l'epoca Kamakura(fine XII-inizi XIV secolo), Medioevo maturo cade tra il XIV e l'inizio del XVII secolo, le cosiddette epoche Muromachi e Momoyama . E infine tardo Medioevo I secoli XVII-XIX sono designati come l'era Edo O Tokugawa. In ciascuna di queste fasi c'è un'elevata fioritura di vari tipi e generi di creatività. Durante il periodo antico Nara(VII – VIII secolo) erano complessi architettonici e scultorei di monasteri buddisti; nel XII secolo (epoca Heian) - monumenti di pittura religiosa e secolare, nel XIII secolo un originale ritratto scultoreo e pittorico, nei secoli XIV-XVI opere di architettura paesaggistica, famosi giardini giapponesi , dipinti su paraventi e pareti di palazzi e castelli dei secoli XVI-XVIII. La fase finale dell'arte medievale in Giappone fu segnata dal fiorire della cultura urbana, che diede al mondo magnifiche opere grafiche e rappresentazioni teatrali Kabuki, terzina di poesia - Haiku e altro ancora.

Periodo antico (era Heian)

Dal momento di Periodo antico La cultura giapponese ha conservato principalmente prodotti in ceramica. Dal metodo di fabbricazione, dalle forme e dagli ornamenti, impariamo molto sulle persone di quel tempo lontano. L'attività artistica di quest'epoca era indissolubilmente legata alla magia primitiva e alla cultura materiale. Durante gli scavi archeologici sono stati rinvenuti numerosi vasi di forma diversa per vari scopi. Sono stati scolpiti a mano e cotti in una semplice fossa.
Le loro forme erano ottenute stendendo un filo di argilla a spirale. Durante la cottura, la nave è stata avvolta con una corda d'erba che, una volta bruciata, ha lasciato un segno decorativo. Da qui il nome di questa ceramica, e quindi l'epoca stessa - Jomon(“traccia di corda”). Anche le figurine di argilla - dogu, che personificavano le forze della natura e probabilmente servivano come amuleti, risalgono al periodo Jomon. Di solito le loro dimensioni non superavano i 25 cm.
300 a.C e. – 200 d.C e. sono designati nella storiografia giapponese con il termine om yayoi. Durante questo periodo apparvero ceramiche di significato utilitaristico, realizzate al tornio da vasaio.
Gli storici giapponesi designano il periodo dal III all’inizio del VI secolo con la parola “ kofun" ("tumulo"), poiché la costruzione di tombe a tumulo di rappresentanti della nobiltà acquisì grande importanza in quel momento. I tumuli erano associati al culto degli antenati e attorno a loro iniziarono a costruire recinti da cilindri di argilla - Haniwa. Questo recinto si trovava immediatamente dietro il fossato e insieme formavano una doppia barriera sulla strada verso la sepoltura.
Nome " Haniwa"("mola d'argilla") deriva dalla tecnica della loro fabbricazione. L'argilla bagnata veniva arrotolata in un cilindro, che veniva tagliato a pezzi e ne veniva estratta la parte centrale. Gli anelli risultanti sono stati impilati uno sopra l'altro, levigando le cuciture. Un tale recinto fatto di colonne di argilla circondava uno spazio magico, all'interno del quale era collocata una scultura realizzata in modo simile. La scultura raffigurava persone intente a varie attività, animali, case e utensili.
Il monumento più significativo del periodo antico è il complesso architettonico shintoista, la cui nascita risale ai primi secoli della nuova era.
Si trova in una zona boscosa montana ed è composta da due santuari: quello interno – Nike dedicato alla dea Amaterasu, ed esterno – Geku dedicato alla divinità dei cereali Toyouke. Ciascuno è composto da molti edifici realizzati in legno non verniciato con cura artigianale. Gli edifici sono elevati su pilastri rispetto al livello del suolo e circondati da quattro ordini di recinzioni. Le loro forme architettoniche rimandano agli antichi fienili dove venivano conservati i raccolti.
Adozione del Buddismo in VI secoloè stato l'evento più importante della storia giapponese. Con il buddismo il paese si unì alle ricche e secolari tradizioni culturali dell'Asia centrale e sudorientale e passò così a una nuova fase di sviluppo.
Il buddismo, arrivato in Giappone dalla Cina attraverso la Corea, divenne portatore di nuove forme d'arte. Maestri cinesi e coreani costruirono i primi templi e monasteri buddisti. L'insieme del tempio eretto nei primi anni del VII secolo, costruito secondo i canoni cinesi, è sopravvissuto fino ad oggi. Al centro del vasto complesso si trova un cortile rettangolare, circondato da gallerie coperte con cancelli sul lato sud e da una sala per le prediche sul lato nord. All'interno del cortile è posto principale Sala d'Oro (appartamento) e una pagoda a cinque livelli alta 32 metri, che termina con una guglia con nove anelli, un simbolo delle sfere celesti buddiste. La composizione scultorea dell'altare all'interno del tempio era il santuario principale e il suo centro. Era costruito come un palcoscenico: le statue erano collocate sulla predella dell'altare in un certo ordine, secondo il posto delle divinità nel pantheon. Al centro c'era un'immagine del Buddha, su entrambi i lati c'erano statue di divinità. Più vicino ai bordi dell'altare c'erano i difensori della fede, a volte sotto le sembianze di formidabili guerrieri. Nella Sala d'Oro Horyuji il centro dell'altare è occupato Triade Syaka(Trinità del Buddha Shakyamuni) è un eccezionale esempio della prima scultura buddista in Giappone. Adiacente all'area murata attorno alla Sala d'Oro e alla pagoda si trova un'altra parte del complesso, al centro del quale si trova un edificio ottagonale Yumedono(Sala dei Sogni). Ecco uno stile simile a Triade Syaka statua Gyuze-Kannon
Insieme all'architettura e alla scultura, al buddismo erano associati anche altri tipi di arte: pittura, intaglio del legno e del metallo, fusione, rilievo, ricamo. L'interno della Sala d'Oro di Horyuji conserva un lussuoso baldacchino sopra la Triade Shaka con figurine scolpite di musicisti celesti, un'arca in miniatura a forma di tempio e il cosiddetto altare Tamamushi, decorato con pitture laccate, nonché dipinti murali della fine del VII - inizio dell'VIII secolo raffiguranti un paradiso buddista e figure di divinità.
Il primo decennio dell'VIII secolo fu segnato dalla costruzione di una nuova capitale, la città di Nara, chiamata alla moda cinese Heijō-kyo(Cittadella del Mondo). La sua pianta ripeteva la capitale cinese Chang'an ed era un rettangolo, orientato verso i punti cardinali e diviso da un'autostrada centrale nelle parti destra e sinistra. Gran parte della città era occupata da grandiosi monasteri con piazze cerimoniali aperte per lo svolgimento di cerimonie statali. L'intero pathos dell'architettura di quell'epoca fu espresso nel modo più completo nel complesso del Grande Tempio Orientale Todaiji, che divenne il principale santuario statale e la sala per la colossale statua in bronzo del Buddha Vairocana– “Luce che tutto illumina”, divinità dell’Universo. Da qui il secondo nome del tempio: Daibutsuden– Sala del Grande Buddha. Dopo molti fallimenti, la statua è alta 16 metriè stato scelto. Il volto del Buddha era largo cinque metri, il suo palmo largo quasi quattro metri. Nel corso dei secoli, sia il tempio stesso che la statua furono più volte distrutti, e ora possiamo giudicarli solo dalle ricostruzioni del XVIII secolo. Come in Horyuji, nel complesso Todaiji Ci sono magnifici esempi di scultura dell'VIII secolo, il periodo di grande prosperità di questo tipo di arte.
Inoltre, a Nara c'erano molti altri templi e monasteri, dove erano conservati eccezionali monumenti di scultura buddista VIII secolo. Tra questi c'è l'ensemble Yakushiji, con la famosa pagoda orientale. Un capolavoro riconosciuto della scultura in bronzo – Triade Yakushi dal tempio Yakushiji include la figura di un Buddha guaritore seduto e divinità in piedi alla sua sinistra e destra. Sala d'Oro dell'Ensemble Toshodaji- uno dei templi più belli di Nara, dove, oltre alle statue delle divinità buddiste, si trova il primo esempio in Giappone di un ritratto scultoreo del fondatore del monastero, un monaco Gandzina, esperto di testi buddisti proveniente dalla Cina.
Nel 794 la città divenne la capitale dello stato giapponese Heian-kyo(la moderna Kyoto) - "Capitale della pace e della tranquillità". Con il nome della capitale, l'intera epoca è designata come epoca Heian. Questo è stato uno dei periodi più significativi della storia della cultura giapponese, giustamente chiamato classico. Sulla base del ripensamento dei modelli cinesi, emersero gradualmente forme d'arte nazionali: architettura secolare, pittura e letteratura. L'aspetto delle chiese e dei monasteri è cambiato in modo significativo. Lo spazio aperto degli insiemi grandiosi, la chiarezza e precisione della pianificazione e la monumentalità delle forme sono scomparsi. La scultura iniziò a interagire strettamente con la pittura, il cui ruolo all'interno del tempio aumentò notevolmente. Il rapido sviluppo della pittura buddista fu una caratteristica del primo periodo Heian. È caratterizzato da astrazione mistica e simbolismo nell'interpretazione dell'immagine delle divinità. Ciò ha trovato la sua massima espressione nei dipinti di icone mandala, che rappresentava un complesso diagramma grafico della struttura del mondo, al centro del quale era posta la divinità principale Dainichi-Nyorai, e intorno a lui ci sono molte altre divinità. Il secondo tipo di pittura buddista rappresenta la rappresentazione di divinità che proteggono la fede, che appaiono sotto forma di demoni spaventosi su uno sfondo di fiamme. Un personaggio particolarmente popolare era colui che era dotato di un buon potere, nonostante il suo aspetto formidabile.
Con ruolo crescente Amidismo, dove una parte importante dell'insegnamento era l'idea della natura come incarnazione dell'essenza Amida-Nyorai, che è un ammiratore della sua bellezza, un nuovo tipo di tempio buddista sta emergendo in architettura - Amida-do(Sala di Amida), che somigliava piuttosto a un palazzo di rappresentanti della classe aristocratica. Il significato di un simile tempio-palazzo era riprodurre il prototipo del paradiso terrestre di Amida. Tali templi furono eretti non solo vicino alla capitale, ma anche nelle province. Nel monastero si trovava uno dei templi più magnifici di Amida Byodoin vicino a Kyoto, noto anche come tempio Fenice per via delle immagini di questo fantastico uccello sul tetto. L'interno ospitava il santuario principale del tempio - Statua di Amida-Nyorai , seduto su un trono di loto sotto un lussureggiante baldacchino scolpito sullo sfondo di una magnifica aureola. La statua è attribuita ad un maestro dell'XI secolo Jocho. Nel suo laboratorio iniziò per la prima volta la produzione di sculture con la tecnica yosegi, dove la figura era assemblata in parti, in contrasto con la tecnica precedente di scolpire una statua da un unico pezzo di legno.
Le più importanti scoperte artistiche del periodo Heian, che hanno avuto un forte impatto sull'ulteriore sviluppo della cultura giapponese, sono stati realizzati nell'arte secolare: architettura, pittura, musica e calligrafia. Ciò fu in gran parte facilitato dall'isolamento del Giappone dalle influenze esterne, iniziato alla fine del IX secolo. In questa meravigliosa epoca, la cui cultura è associata all'attività creativa di una ristretta cerchia dell'aristocrazia della capitale, si completa il processo di ripensamento delle antiche tradizioni legate alla Cina, la poesia nazionale raggiunge l'apice del suo suono, nasce la prosa giapponese e in un tempo relativamente breve raggiunge vette sorprendenti, il cui risultato più alto è "La storia di Genji" scrittori della fine del X secolo Murasaki Shikibu. Si stanno formando i principi della cosiddetta pittura Yamato-e(“Pittura giapponese”), nei suoi temi e soggetti legati alla vita dell'aristocrazia Heian. Appare insieme allo sviluppo dell'architettura Shinden-zukuri, cioè architettura residenziale. Le sue caratteristiche progettuali crearono i presupposti per l'emergere della pittura, poiché un unico grande spazio interno era diviso da paraventi decorati con dipinti e poesie. Uno dei tipi principali Yamato-e- rotoli pittorici orizzontali che illustravano opere letterarie e intervallati da parti di testo. Un'opera eccezionale di questo tipo: illustrazioni per 54 capitoli del romanzo Murasaki Shikibu, risalente agli inizi del XII secolo e attribuito all'artista Fujiwara Takayoshi. Attualmente sono sopravvissute solo 28 parti del testo e 20 frammenti di illustrazioni. Lo schema esterno della storia sono le avventure amorose del bel principe Genji. Seguendo le vicissitudini della sua vita, il lettore viene direttamente coinvolto nello stile di vita di corte, partecipa alle cerimonie di palazzo e osserva i movimenti emotivi che accompagnano determinate azioni dei personaggi. Tali rotoli (Genji-monogatari-emaki) erano visti su un tavolo basso, aprendosi gradualmente da un lato e piegandosi dall'altro, il che ha influenzato la loro struttura compositiva.

Alto Medioevo (era Kamakura)

La seconda metà del XII secolo nella storia del Giappone fu segnata dalla lotta per il potere tra i due più grandi clan feudali: Taira e Minamoto . Come risultato della vittoria, il capo militare Minamoto Yoritomo si dichiarò shogun- sovrano militare del paese. Si trovava la residenza degli shogun Kamakura, dichiarata la nuova capitale. Da qui deriva il nome periodo – Kamakura . L'istituzione dello shogunato fu l'istituzione di una nuova struttura sociale: il dominio della classe feudale bushi (samurai). Naturalmente, la cultura Kamakura negava completamente l'effeminatezza e il culto dei sentimenti Cultura aristocratica Heian . Per stabilire gli ideali di mascolinità e forza erano necessarie altre immagini e altre forme artistiche. La letteratura di Kamakura comprendeva elementi significativi dell'arte popolare, che si manifestavano nella creazione di poemi epici militari - gunki, illustrazioni per le quali divennero temi pittoreschi pergamene emaki.
La cultura Kamakur è caratterizzata da un interesse per gli eventi della vita reale e per la personalità di una persona. Ciò era associato all'elevata fioritura dell'arte del ritratto nella scultura e nella pittura di quel tempo.
L'approvazione di nuovi ideali sociali richiedeva anche forme architettoniche corrispondenti. Il loro aspetto fu facilitato dall'appello ai monumenti dell'VIII secolo. I nuovi governanti del Paese vollero apparire come custodi delle tradizioni dell'architettura monumentale del passato come espressione della forza dello Stato. Enormi fondi furono raccolti in tutto il paese per il restauro dei templi di Nara. Sotto di loro furono creati grandi laboratori di scultura, guidati da famosi scultori dell'epoca Kokei, Unkei e Kaikei. L'ultima grande fioritura della scultura buddista giapponese è associata al loro lavoro e alla loro scuola. Le monumentali statue delle guardie con il loro potere, l'espressione dei gesti e le espressioni facciali erano l'incarnazione dei nuovi ideali dell'epoca. La brama di autenticità e naturalezza è caratteristica di molte delle opere di Unkei. Le immagini dei leggendari patriarchi indiani sono sopravvissute fino ad oggi. Sessina E Mutyaku, completato intorno al 1208.
Tra i capolavori della ritrattistica pittorica figura quella attribuita all'artista Fujiwara Takanobu ritratto di un capo militare Minamoto Yoritomo , raffigurato in abiti cerimoniali. Anche la pittura su rotolo è cambiata in modo significativo; la sua caratteristica principale è stata l'affermazione del principio narrativo.
Apparvero opere che illustravano leggende piene di episodi drammatici e azioni umane attive. I loro eroi sono cittadini comuni, rappresentanti degli strati sociali inferiori della società. Insieme a con la ritrattistica il fenomeno più sorprendente Kamakura periodo – rotoli narrativi emakimono, le cui trame sono associate a poemi epici eroici - gunki. Il monumento più eccezionale – Illustrazioni a "Il racconto della guerra degli anni Heiji".
La vita dei guerrieri Kamakura era significativamente diversa dalla vita dell'aristocrazia Heian. Gli oggetti più importanti per la loro vita sono cambiati di conseguenza. Ora tutta l'attenzione era rivolta ad armi e armature. L'arma principale dei samurai, oltre all'arco e alle frecce, era la spada. Ma non era solo un'arma, ma un simbolo del guerriero, del suo coraggio e valore, quindi anche il processo di creazione della lama stessa era inquadrato come un rituale solenne. La lama era formata da tante strisce di ferro saldate tra loro attraverso un processo di fusione e forgiatura. La procedura per indurire la lama, molarla e affilarla è stata molto difficoltosa. Quindi la lama leggera, forte e affilata della spada finì nelle mani di un armaiolo-gioielliere, che decorò con cura l'impugnatura e il fodero.

Medioevo maturo (epoca Muromachi)

Nel 1333, uno dei rappresentanti della casa feudale Ashikaga catturato Kyoto. Basandosi sul nome di uno dei quartieri di Kyoto, dove si trovava la residenza Ashikaga, il periodo del regno di questo shogunato cominciò a essere chiamato l'era Muromachi. I secoli XIV-XVI furono il periodo in cui due correnti opposte si unirono gradualmente nella cultura giapponese: Heian e Kamakura. Insieme alle crescenti influenze cinesi, ciò contribuì alla formazione di una nuova cultura del Medioevo maturo. Culto dell'eroismo, dura moralità bushido continuò ad esistere, ma in una forma più astratta, accanto al desiderio del lusso raffinato della vita quotidiana e al culto della natura, ancora più sviluppato di prima. Ha ricevuto il sostegno del governo Insegnamento Zen, i monasteri di questa setta si trasformarono in grandi centri culturali. Sotto l'influenza dello Zen emerse un nuovo concetto estetico. È stato loro insegnato a vedere la bellezza nel semplice e nell'ordinario, nell'oscuro e nel discreto. Questa idea ha influenzato i cambiamenti nelle forme dell’architettura sia religiosa che secolare.
Fino ad oggi sono sopravvissute poche opere architettoniche autentiche dei secoli XIV e XV. Tra questi ci sono Kinkakuji o Padiglione d'Oro , costruito nel 1394, e Ginkakuji o Padiglione d'argento , costruito nel 1489 come villa dello shogun Ashikaga Yoshimasa e in seguito divenne un tempio buddista. Il significato di tali opere, il loro contenuto, si rivela solo nel confronto con la natura; architettura e natura diventano parti equivalenti dell'immagine artistica.
Ma la natura naturale non poteva entrare in questa unità; doveva essere trasformata artisticamente dal maestro del giardino secondo gli stessi principi che guidavano l'architetto dei padiglioni. Il giardino era una componente necessaria di questa architettura, poiché qui era importante l'idea stessa di connessione, l'unità dello spazio esterno ed interno. I secoli XIV-XVI furono un periodo di grande fioritura dell'arte dei giardini giapponesi, che divenne una delle scoperte più importanti dell'era medievale.
Nel XVI secolo ci fu un'attenta elaborazione di ogni elemento del giardino in termini di significato simbolico. L'idea di un giardino simbolico è stata presa dalla Cina, ma ha ricevuto un'espressione molto speciale dai maestri giapponesi. Un giardino creato solo da pietre e sabbia è il cosiddetto "paesaggio secco" (Kare Sansui). L'arte di disporre le pietre era considerata la cosa più importante da cui dipendeva il significato del giardino e la sua immagine. I capolavori di questo tipo di giardino si trovano a Kyoto - Garden Daisen-in nel monastero Daitokuji e giardino Ryoanji.
Sotto l'influenza degli insegnamenti dello Zen, si diffuse il cosiddetto culto del tè o cerimonia del tè. Alla cerimonia del tè erano associati anche speciali giardini Tyaniva, che divennero una parte necessaria di una struttura architettonica speciale per il rituale del tè.
Dalla seconda metà del XIII secolo nella pittura narrativa Yamato-e Il ruolo del paesaggio come ambiente di vita per le persone ha cominciato gradualmente ad aumentare. Il concetto artistico di paesaggio sviluppatosi nel continente nei secoli XI-XII, incarnato nelle forme della pittura a inchiostro monocromatico (in giapponese - sumi-e O Suibokuga) propone una nuova idea per l'arte giapponese di incarnare il mondo naturale nella sua grandezza, integrità e grandezza cosmica. Era un sistema artistico fondamentalmente diverso, la cui base era un paesaggio concettuale “acqua di montagna” (in giapponese – san sui) . "Water Mountains" non è solo una designazione di motivi della trama, ma un'indicazione dei principi fondamentali del mondo, la loro incarnazione materiale: la montagna era considerata l'incarnazione di un principio luminoso e positivo - yang, e l’acqua – scura, negativa – yin L'interazione e il potere creativo di questi principi era ciò che l'artista doveva esprimere nel suo paesaggio. Dalla metà del XIV secolo, il paesaggio monocromo divenne il tipo di pittura predominante, sviluppandosi principalmente nei monasteri della setta Zen. A poco a poco, la pittura Zen sviluppò una propria gamma speciale di soggetti: ritratti immaginari di santi asceti del passato, immagini della dea della misericordia Kannon, fondatore della setta Daruma, uomo saggio Kanzana E Jittoku, così come una varietà di motivi naturali: fiori, uccelli, animali, paesaggi. La contemplazione di un'immagine del genere, secondo gli insegnamenti dello Zen, come la contemplazione della natura reale, ha aperto la strada alla comprensione della Verità dell'Esistenza, all '"illuminazione" - satori. Tali dipinti erano appesi al muro o in una nicchia speciale - tokonoma per certe occasioni, il resto del tempo venivano riposti arrotolati nelle custodie. Vengono chiamati questi rotoli incorniciati con tessuto di seta o broccato kakemono (« cosa appesa«).
La più alta fioritura della pittura a inchiostro monocromatica giapponese è associata al nome dell'eccezionale maestro Toyo Oda, meglio noto come Sesshu. Come i giardini filosofici Zen, anche la pittura paesaggistica monocromatica di Sesshu divenne una filosofia della natura con un'idea generalizzata dell'universo caratteristica di quel tempo.
Oltre ai paesaggi sotto forma di kakemono, su schermi e pannelli murali apparivano dipinti monocromi. Uno degli artisti più famosi che continuò la tradizione della pittura a inchiostro sumi-e fu Hasegawa Tohaku.

Transizione dal Medioevo al Tardo Medioevo (era Momoyama)

Nella seconda metà del XVI e all'inizio del XVII secolo iniziarono a essere costruiti castelli fortificati e magnifici palazzi della nobiltà feudale. Questa volta nella storiografia giapponese viene chiamata era Momoyama, una fase di transizione dal Medioevo maturo alla sua fase finale e tarda: il periodo Edo (Tokugawa). Periodo di tempo relativamente breve Momoyama, quando il Giappone era governato dai dittatori militari Oda Nobunaga e Toyotomi Hideyoshi che presero il potere, è ricco di numerosi eventi sia nella vita politica che culturale. La cosa più importante nella storia del Giappone è stata l'unificazione del paese dopo molti anni di conflitti feudali, che ha contribuito alla crescita economica e ha trasformato il Giappone in uno degli stati più forti della regione dell'Estremo Oriente, quando ha iniziato a mantenere relazioni non solo con Cina e Corea, ma inviò anche le prime missioni in Europa. Con così tanti eventi e cambiamenti storici, la cultura del Giappone non poteva rimanere invariata.
Le funzioni di tutti i tipi di arte sono cambiate, sono comparsi nuovi generi di creatività. La coscienza religiosa che dominava nell’epoca precedente sta gradualmente cedendo il passo al secolarismo. Una delle manifestazioni importanti di questo processo fu la costruzione di castelli e palazzi. Grandiosi castelli fortificati, la cui costruzione fu causata dalla comparsa delle armi da fuoco in Giappone e dal corrispondente cambiamento nelle tattiche di battaglia e di difesa, ricevettero, oltre all'utilitarismo, un pronunciato significato simbolico di affermazione del potere dei dittatori militari. Gli interni dei palazzi erano anche la personificazione del potere e della ricchezza del proprietario. La loro decorazione decorativa aumentò gradualmente dalla prima sala fino al luogo principale dei ricevimenti ufficiali, decorato con pitture murali su fondo dorato. Lo status di sovrano del paese era enfatizzato dall'intero arredamento della sala: lo shogun sedeva di fronte ai suoi vassalli su una pedana bassa posta su un pavimento ricoperto di stuoie sullo sfondo di un gigantesco pino dipinto sul muro - un noto simbolo di longevità, forza e potere. Il ruolo crescente dei dipinti murali nei palazzi di quel tempo è spiegato dal desiderio di teatralità e intrattenimento. Mai prima d’ora la pittura murale giapponese aveva conosciuto una scala simile. Il suo motivo principale, come prima, era la natura, maora si trattava principalmente di composizioni raffiguranti alberi, fiori, animali e uccelli. Le sale principali erano decorate nel cosiddetto stile Kimpeki– colori vivaci su fondo dorato.
La pittura decorativa esisteva sia sotto forma di pittura su pareti divisorie interne scorrevoli di stanze che su schermi. Nella sua storia sono chiaramente distinguibili tre fasi principali, legate alle attività di tre artisti eccezionali, ognuno dei quali ha definito lo stile del suo tempo. Nella prima fase, la figura centrale nella pittura era Kano Eitoku, sul secondo - Tawaraya Sotatsu, il terzo - Ogata Korin. Gli immediati predecessori di Kano Eitoku furono i fondatori del cosiddetto Scuola Kano Masanobu E Motonobu che ha tentato di unire i principi della pittura nazionale Yamato-e e pittura a inchiostro monocromatico di origine cinese. Il rifiuto dei dettagli, il confronto di grandi macchie di colore e la creazione di un'unica composizione decorativa da esse è diventato il metodo di lavoro Kano Eitoku, la sua principale scoperta nell'arte della pittura murale. Idee Eitoku continuato e sviluppato da molti dei suoi contemporanei, sebbene nelle loro opere, nonostante la significativa somiglianza delle tecniche compositive, non si sentissero più un temperamento potente e una forza potente Eitoku.

Tardo Medioevo (era Tokugawa)

XVII secolo, epoca in cui si instaurò il potere degli shogun Tokugawa, l'instaurazione di una pace a lungo termine nel paese ha portato anche cambiamenti significativi nell'arte della pittura decorativa. Nelle sue forme e nel suo stile, si rivolgeva già a un pubblico diverso e richiedeva da parte dello spettatore un atteggiamento diverso verso se stesso, una maggiore erudizione in tutte le sfere dell'attività creativa, soprattutto nella poesia, poiché ormai molti dei temi e le immagini dei dipinti murali erano associate a famose opere della letteratura classica del passato.
Il più grande maestro di quel tempo era Tawaraya Sotatsu, uno dei fondatori della cosiddetta scuola Rimpa. Dipinse principalmente paraventi, che divennero la forma principale di pittura decorativa dopo che la costruzione di castelli feudali fu ufficialmente vietata nel secondo quarto del XVII secolo. Perse quindi le sue funzioni sociali, la pittura decorativa acquisì nuove caratteristiche e un nuovo linguaggio. IN Murales Sotatsu tutto è costruito su associazioni, accenni, allusioni, tutto è rivolto all'immaginazione, alla memoria e all'erudizione dello spettatore. L'artista si è posto il compito non solo di riprodurre la situazione della trama, ma di trasmettere il significato poetico dell'episodio, il suo sottotesto interno. E per apprezzare appieno le opere di Sotatsu, bisognava conoscere tutte le sottigliezze della fonte letteraria.
La tradizione di Sotatsu è stata continuata da un artista eccezionale il cui lavoro ha definito una nuova fase nello sviluppo della pittura decorativa in Giappone, Ogata Korin. Molti motivi delle sue opere sono anche associati alla letteratura classica, ma visse in un'epoca diversa, quando gli ideali e le valutazioni del passato cambiarono, quando la decoratività esterna spesso sembrava più attraente del significato interno e del sottotesto dell'opera. Una delle caratteristiche La creatività di Korin - concentrazione su diversi motivi, la loro ripetuta ripetizione in diversi tipi di arte, poiché non era solo un pittore, ma anche un ceramista, kimono di seta dipinta e scatole di lacca. Il motivo dell'iris era particolarmente comune nel suo lavoro. L'apparizione dell'immagine degli iris ha significati ben precisi e ricorda un episodio di un racconto classico del IX secolo "Ise monogatari." Questo si riferisce al momento in cui si racconta la sosta del poeta in viaggio Ariwara Narihira vicino a un ruscello con iris, dove scrissero una poesia su questo argomento.
Le tradizioni della pittura decorativa furono preservate dai seguaci Scuole Rimpa, e uno dei maestri più eccezionali è stato Ogata Kenzan, famoso anche come calligrafo e ceramista.
È impossibile non notare le opere d'arte che sono in un modo o nell'altro legate al soggiorno degli europei in Giappone. Cominciarono ad essere designati come " namban bijutsu"o l'arte dei barbari del sud, i portoghesi. Possono essere divisi in due gruppi. In primo luogo, si tratta di opere di pittura tradizionale su schermi, i cui soggetti sono legati all'apparizione degli europei e alle loro attività in Giappone. In secondo luogo, si tratta di opere con soggetti cristiani e laici non giapponesi, eseguite in modo non convenzionale e con materiali insoliti per gli artisti giapponesi. Tutte le opere del secondo gruppo erano associate ai missionari e venivano svolte sotto la loro supervisione, e spesso su loro ordine.
Già nei secoli XIV e XV, contemporaneamente alla pittura di paesaggi con inchiostro e più tardi alle pitture murali decorative, esisteva pittura di genere – fuzokuga (“immagini di costumi e costumi”). Spesso gli stessi artisti dipingevano quadri con motivi vegetali e scene raffiguranti persone impegnate in varie attività. Di norma, queste scene non avevano un significato indipendente, ma facevano parte di illustrazioni di opere letterarie, descrizioni di biografie di famosi poeti o famosi predicatori buddisti. Il suo vero periodo di massimo splendore si verificò tra la seconda metà del XVI e l'inizio del XVII secolo, un periodo di rapida crescita delle città e di formazione di una cultura urbana indipendente. Per la prima volta nella storia dell'arte giapponese, la pittura di genere riflette la realtà. I principali clienti degli schermi con soggetti di genere erano ricchi cittadini che vedevano se stessi e la propria vita in quest'arte. I principali, insieme ad altri soggetti, erano schermi « Vedute di Kyoto e dei suoi dintorni ". Kyoto a quel tempo non era solo la capitale, ma la personificazione del paese e l'inviolabilità delle sue tradizioni culturali. Feste, processioni solenni, intrattenimento dei cittadini, scene della vita dei quartieri dei divertimenti, balli Trespoli- fondatore del teatro Kabuki, sacerdotessa di un santuario shintoista.
La principale conquista e scoperta della pittura di genere – l’esplorazione artistica della realtà – ha avuto le conseguenze più importanti per lo sviluppo dell’intera cultura artistica del Giappone.
Ma il fenomeno più significativo durante il tardo Medioevo e la transizione ai tempi moderni fu, ovviamente, arte dell'incisione . È stato un risultato unico dello sviluppo secolare della cultura artistica giapponese. Qui si è espressa in modo più completo la mutata visione del mondo e il posto dell'uomo in esso, cambiato rispetto al passato, che ha portato alla creazione di nuove forme nell'arte.
Lo sviluppo dell'arte dell'incisione abbraccia circa due secoli. Questo è il cosiddetto Periodo Edo- un secolo di isolamento politico del Giappone dal mondo esterno, una rigorosa regolamentazione delle relazioni sociali, ma allo stesso tempo di elevata crescita economica, crescita urbana e ingresso nell'arena storica di rappresentanti di ricchi mercanti e artigiani urbani. Insieme ai piccoli samurai, agli attori e ai ballerini in bancarotta, formarono la base della popolazione urbana, che gradualmente creò le proprie forme di cultura. Uno di questi era l'incisione su legno o xilografia.
La tecnica della stampa su tavole di legno è conosciuta in Giappone da molto tempo e veniva utilizzata per diffondere i testi buddisti. Ora serviva l’arte secolare e riceveva il nome “ ukiyo-e", cioè l'immagine" mondo frenetico che scorre veloce ". Alla realizzazione dell'incisione hanno preso parte tre persone: l'artista, l'incisore e lo stampatore. Gli artigiani giapponesi utilizzavano tavole tagliate longitudinalmente di bosso, pero o ciliegio selvatico con una trama delle fibre particolarmente espressiva, che contribuiva alla levigatezza e alla bellezza delle linee applicate.
I primi successi nello sviluppo dell'arte dell'incisione sono associati al nome dell'eccezionale maestro Hishikawa Moronobu (1638-1714), che iniziò la sua carriera nella grafica di libri. I suoi primi lavori erano monocromi, alcune stampe di Moronobu erano colorate a mano dall'artista stesso o dai clienti.
Fin dall'inizio, l'incisione da cavalletto si è sviluppata in due direzioni principali: immagini di bellissime cortigiane dei quartieri gay (bijinga) e scene delle loro vite e attori (yakusha-e) e vari temi teatrali. Utilizzando numerose innovazioni tecniche, l'incisione si è sviluppata molto rapidamente. Negli anni '40 del XVIII secolo, l'artista Okumura Masanobu (1686-1764) fu inventata la stampa a due colori: rosa e verde.
Le prime incisioni multicolori apparvero nei calendari di lusso pubblicati per il nuovo anno 1765. Sono stati eseguiti dall'artista Suzuki Harunobu (1725-1770), considerato l'inventore della stampa multicolore. Le sue opere erano chiamate nishiki-e (“dipinti di broccato”). Gli artisti della dinastia hanno svolto un ruolo particolarmente evidente nella creazione della grafica teatrale. Torii e Katsukawa , che lavorò per poco meno di un anno, artista rinomato e brillante Toshusai Sharaku, che realizzò in così poco tempo circa centoquaranta incisioni, poi la dinastia che si affermò nel XIX secolo Utagawa.
Un eccezionale maestro del genere della scrittura quotidiana era Kitagawa Utamaro (1753-1806), le cui opere divennero l'apice dell'incisione lirica. Il tema principale del suo lavoro erano le donne, fossero esse bellissime cortigiane o lavandaie, ma sempre ugualmente attraenti con la morbida morbidezza dei loro movimenti e i gesti aggraziati. L'opera di Utamaro completa la fase classica della storia della xilografia.
I tratti caratteristici dell'incisione del XIX secolo furono determinati dal lavoro del più grande e uno degli artisti più famosi del Giappone, Katsushika Hokusai (1760-1849). La sua arte è caratterizzata da una completezza di copertura della vita, senza precedenti nell'arte giapponese, e da un ampio interesse per tutte le sue manifestazioni. La principale scoperta del maestro è stata la sua serie di paesaggi giapponesi. Il suo contemporaneo più giovane, il paesaggista Ando Hiroshige (1797-1858), riuscì a trasmettere un carattere più intimo e più lirico della natura. Ella lo attirava nelle sue manifestazioni private, prive di grandiosità e imponenza, ma vicine all'uomo con la sua intima e morbida bellezza.
L'artista è diventato famoso per le sue serie "53 stazioni Tokaido" , la strada che collegava la vecchia capitale Kyoto con quella nuova - Edo. Molti maestri continuarono le tradizioni della vita quotidiana e della grafica paesaggistica, ma la metà del XIX secolo era già la fase del tramonto dell'ukiyo-e.
Nella pittura dei secoli XVII-XIX esistevano diverse direzioni o scuole che differivano per contenuto e stile. Vicino agli artisti Scuole Tosa che continuarono le tradizioni Yamato-e Nei secoli IX-XII lavoravano i maestri della scuola Kano E Rimpa, molti dei quali erano impegnati in dipinti decorativi. La caratteristica più importante nello sviluppo della pittura di questo periodo è stata l'appello alla realtà. Anche i rappresentanti di Kano e Rimpa hanno mostrato interesse per il lavoro dal vero, che rappresentava un'innovazione per il metodo artistico dei maestri giapponesi. Ciò è avvenuto sia sotto l'influenza della letteratura, che ha cercato la specificità nella descrizione delle situazioni, per l'accuratezza dei fatti, sia in connessione con la comparsa di opere d'arte europee nel campo visivo degli artisti giapponesi. Il rappresentante più importante del cosiddetto movimento “naturalistico” fu Maruyama Okyo. Non bisogna guardare a lui per generalizzazioni filosofiche o simboli politici di potere.
Ti incoraggia a gioire del mondo che si apre davanti ai tuoi occhi, della sua bellezza e del fascino che scompare dei momenti. I maestri della scuola avevano opinioni completamente opposte Nanga O Bundzinga(“pittura di intellettuali”). I rappresentanti più brillanti di questa tendenza erano Ike no Taiga E Yosa Buson. Il significato più alto della loro creatività era nella ricerca di forme di un oggetto visibile all'occhio che trasmettesse il suo significato interiore e nascosto, la grande armonia che animava tutto intorno.
La pittura giapponese del tardo Medioevo si distingueva non solo per la sua varietà di direzioni, ma era ricca di importanti individui creativi e talenti originali, le cui opere divennero il bene più prezioso della cultura nazionale giapponese.
Non possiamo ignorare le arti decorative e applicate del Giappone dal XVII al XIX secolo. Dopotutto, racconta non solo i bisogni materiali delle persone e le caratteristiche quotidiane, ma dà anche un'idea dei valori spirituali delle persone. La costante ripetizione di motivi naturali nell'arredamento di ceramiche e porcellane, lacche e costumi è spiegata dalle peculiarità della visione del mondo giapponese, che vedeva la natura e le sue leggi come un'espressione dell'ordine mondiale. La cultura di ammirare la natura naturale e artificiale, comprese le cose belle e i costumi, risale a Heian era. zen mentori - i “maestri del tè” hanno insegnato la capacità di contemplare un oggetto, di vedere la bellezza nell'ordinario, nel quotidiano: semplici utensili in ceramica, un vaso di bambù. I maestri del tè hanno scoperto tanta bellezza in prodotti discreti e leggermente ruvidi, i cosiddetti “ Sei vecchie stufe ". I prodotti della fornace incarnavano pienamente questa estetica del culto del tè. Shigaraki, Iga, Karatsu E Raku.
Il periodo più vivace e interessante nello sviluppo delle arti decorative cade tra la fine del XVII e l'inizio del XVIII secolo. Fu un periodo di grande crescita culturale. Con nome Nonomura Ninsei, attivo nella seconda metà del XVII secolo, è associato alla fioritura della ceramica con l'uso di vernici a smalto. E l'inizio del XVII secolo fu segnato da un evento importante nella storia delle arti decorative e applicate giapponesi: la produzione di porcellana con verniciatura a smalto .
XVII-XVIII secolo – il periodo dell’ascesa della produzione tessile. La forma del costume nazionale giapponese si è sviluppata gradualmente ed è stata associata alle condizioni climatiche e alle caratteristiche quotidiane del paese. Costume tradizionale giapponese kimono- Questo è l'abbigliamento standard indossato da rappresentanti di quasi tutte le classi dal XVII secolo. Un nome più antico per questo abbigliamento è kosode (« manica lunga"). L'elemento più importante del costume è la cintura obi, che ha un significato sia funzionale che decorativo. Sopra il kimono, sia gli uomini che le donne potevano indossare abiti più corti di taglio simile. – haori. Tutti i vestiti erano divisi in festivi ( haregi) e tutti i giorni ( fudangi), diversi nel materiale.

NETSKÉ— portachiavi, un'opera di scultura in miniatura.

Il tradizionale kimono giapponese non aveva tasche. E se le donne potessero ancora mettere qualcosa nella parte cucita della manica a forma di borsa, allora gli uomini sarebbero privati ​​​​di questa comodità: l'abbigliamento maschile ha maniche dritte. Pertanto, i giapponesi hanno preso in prestito dalla Cina l'usanza di portare piccole cose alla cintura. L'oggetto richiesto era legato a una corda e l'altra estremità del laccio era infilata nella cintura e, per evitare che scivolasse fuori, ad essa era attaccato un portachiavi netsuke.

I netsuke furono menzionati per la prima volta nell'enciclopedia giapponese "Kimmo Zui", pubblicata nel 1690. Questi netsuke avevano la forma di una torta rotonda di biscotti di riso. Di regola, erano fatti di legno. Poco dopo, sempre nel XVII secolo, apparvero i netsuke, realizzati sotto forma di scatole laccate.

Un notevole impulso alla produzione dei netsuke fu dato dalla diffusione del fumo in Giappone. C'era la necessità di portare costantemente con sé un intero set di accessori per fumatori: una pipa, una borsa per il tabacco, una pietra focaia, ecc.

Dopo che il divieto di relazioni con la Cina fu revocato nel XVIII secolo. L'interesse è sorto per l'arte dell'intaglio cinese, che ha avuto una grande influenza sul materiale e sul tema del netsuke. L'avorio cominciò ad essere ampiamente utilizzato: un nuovo materiale per gli artigiani giapponesi, e i portachiavi acquisirono il carattere dell'arte plastica in miniatura.

Erano popolari immagini di soggetti religiosi - buddisti e taoisti - e figure grottesche di mercanti cinesi ed europei. Gli europei erano raffigurati con cappelli incredibili e nasi enormi.

La dimensione del netsuke è determinata da considerazioni puramente pratiche. Quelli troppo piccoli non entravano nella cintura e quelli grandi erano scomodi da indossare. Quindi le dimensioni da 2,5 a 15 centimetri sono state suggerite dalla vita stessa. Inoltre, per facilità d'uso, le figure tridimensionali avevano un lato piatto. Sul retro, i portachiavi avevano un foro passante per il cordone, oppure per trattenerlo venivano utilizzate parti della figura stessa.

All'inizio, la realizzazione di netsuke non era un ramo speciale dell'artigianato. È stato eseguito dagli stessi artigiani specializzati nell'intaglio di maschere teatrali, dettagli architettonici e nella produzione di gioielli. Nel 1781, il mercante di spade di Osaka Inaba Tsuryu compilò un elenco di maestri di netsuke di Osaka, Kyoto, Edo e molte altre città. Non tutti erano professionisti. Ad esempio, il nome dell'artigiano dilettante Yoshimura Shuzan, ampiamente noto per il suo netsuke unico in legno dipinto, viene menzionato con grande rispetto. Tali netsuke dipinti sono generalmente estremamente rari, tranne forse appositamente stilizzati sotto forma di giocattoli popolari della provincia di Nara.

Degli artigiani menzionati in questo elenco, solo circa un terzo ha impresso un timbro personale sui propri prodotti, quindi netsuke del XVIII secolo. per lo più anonimo. Solo all'inizio del XIX secolo l'apposizione di segni sui netsuke divenne un'abitudine, ma poi sorse un altro estremo: gli apprendisti apprendisti apponevano il marchio del maestro sulle loro opere, a volte non del tutto riuscite, che era una sorta di marchio di fabbrica.

Il vero periodo di massimo splendore del netsuke può essere considerato l'inizio del XIX secolo. Netsuke iniziò a essere realizzato su ordini individuali. La composizione delle mini-plastiche è diventata più complessa e sofisticata. Oltre ai soggetti religiosi e mitici, apparvero immagini basate sulla vita urbana: figure di artigiani, attori erranti, donne che facevano i lavori domestici.I piccoli netsuke erano ricoperti di intricati intagli., su cui sono ritagliati una mappa del Giappone o i nomi di tutte le 53 stazioni sulla strada da Tokyo a Kyoto, e tutto questo è posizionato su un disco di 2,5-3 centimetri di diametro. Gli artigiani stanno padroneggiando nuovi materiali - metallo, ceramica - e realizzare portachiavi a duplice uso: sotto forma di coltelli in miniatura, posacenere, accessori per la cerimonia del tè e persino orologi.Molti netsuke sono realizzati sotto forma di maschere teatrali. Ci sono le maschere dei teatri Bugaku, Gigaku e Noh, anch'esse assolutamente fantastiche, nate dalla fantasia del loro creatore.

Quando il Giappone pose fine a secoli di isolamento dal mondo esterno, la popolarità del netsuke tra i giapponesi diminuì, sostituita da un vivo interesse per la vita e la cultura occidentale. Ma sono diventati incredibilmente popolari tra gli europei. La moda per collezionarli era così grande che nello stesso Giappone non c'erano quasi netsuke lasciati dagli antichi maestri, e le migliori collezioni sono ora nei musei in Europa, America e nelle mani di proprietari privati ​​occidentali.

L'articolo su Netsuke è stato tratto dal sito web www.tomsk.fio.ru e integrato con fotografie di Yandex.

La prossima volta ne parleremo

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ARTE GIAPPONESE. Sin dai tempi antichi, l'arte giapponese è stata caratterizzata da una creatività attiva. Nonostante la loro dipendenza dalla Cina, dove emergevano costantemente nuovi movimenti artistici ed estetici, gli artisti giapponesi introdussero sempre nuove funzionalità e modificarono l'arte dei loro insegnanti, dandole un aspetto giapponese.

La storia del Giappone in quanto tale inizia ad assumere determinate forme solo alla fine del V secolo. Sono stati rinvenuti relativamente pochi oggetti risalenti ai secoli precedenti (periodo arcaico), anche se alcuni reperti rinvenuti durante gli scavi o durante i lavori di costruzione indicano un notevole talento artistico.

Periodo arcaico.

Le più antiche opere d'arte giapponese sono vasi di terracotta del tipo jomon (impressione di corda). Il nome deriva dalla decorazione della superficie con impressioni spirali di corda avvolta attorno ai bastoncini che l'artigiano utilizzava per realizzare il vaso. Forse all'inizio gli artigiani hanno scoperto per caso le stampe intrecciate, ma poi hanno iniziato a usarle deliberatamente. A volte sulla superficie venivano incollati riccioli di argilla simili a corde, creando un effetto decorativo più complesso, quasi un rilievo. La prima scultura giapponese è nata nella cultura Jomon. Dogu (lett. "immagine di argilla") di una persona o di un animale probabilmente aveva un significato religioso. Le immagini delle persone, per lo più donne, sono molto simili alle dee dell'argilla di altre culture primitive.

La datazione al radiocarbonio suggerisce che alcuni reperti della cultura Jomon potrebbero risalire al 6-5 mila aC, ma una datazione così antica non è generalmente accettata. Naturalmente tali piatti furono preparati in un lungo periodo di tempo e, sebbene non sia ancora possibile stabilire una datazione esatta, si possono distinguere tre periodi. Gli esemplari più antichi hanno la base appuntita e sono quasi privi di ornamenti, fatta eccezione per le tracce di uno strumento da vasaio. I vasi del periodo medio sono più riccamente decorati, talvolta con elementi modanati, che creano l'impressione di volume. Le forme dei vasi del terzo periodo sono molto diverse, ma la decorazione si appiattisce nuovamente e diventa più sobria.

Intorno al 2° secolo. AVANTI CRISTO. La ceramica Jomon ha lasciato il posto alla ceramica Yayoi, caratterizzata da forme aggraziate, semplicità del design e alta qualità tecnica. Il frammento del vaso divenne più sottile e l'ornamento meno elaborato. Questo tipo prevalse fino al III secolo. ANNO DOMINI

Da un punto di vista artistico, forse le migliori opere del primo periodo sono gli haniwa, cilindri di argilla risalenti al III-V secolo. ANNO DOMINI I monumenti caratteristici di quest'epoca sono enormi colline, o tumuli, strutture funerarie di imperatori e potenti nobiltà. Spesso di dimensioni molto grandi, testimoniano il potere e la ricchezza della famiglia imperiale e dei cortigiani. La costruzione di una struttura del genere per l'imperatore Nintoku-tenno (395–427 d.C. circa) durò 40 anni. La caratteristica più notevole di questi tumuli erano i cilindri di argilla, haniwa, che li circondavano come un recinto. Di solito questi cilindri erano completamente semplici, ma a volte erano decorati con figure umane, meno spesso con figurine di cavalli, case o galli. Il loro scopo era duplice: prevenire l'erosione di enormi masse di terra e fornire al defunto i beni di prima necessità di cui aveva bisogno nella vita terrena. Naturalmente i cilindri venivano prodotti in grandi quantità contemporaneamente. La varietà dei temi, delle espressioni facciali e dei gesti delle figure che li decorano è in gran parte il risultato dell’improvvisazione del maestro. Nonostante siano opere di artigiani piuttosto che di pittori e scultori, sono di grande importanza come forma d'arte giapponese vera e propria. Gli edifici, i cavalli ricoperti di coperte, le dame signorili e i guerrieri presentano un quadro interessante della vita militare del primo Giappone feudale. È possibile che i prototipi di questi cilindri siano comparsi in Cina, dove vari oggetti venivano deposti direttamente nelle sepolture, ma l'esecuzione e la modalità di utilizzo dell'haniwa appartengono alla tradizione locale.

Il periodo arcaico è spesso visto come un tempo privo di opere di alto livello artistico, un tempo di predominio di cose di valore prevalentemente archeologico ed etnologico. Va ricordato, tuttavia, che le opere di questa cultura primitiva nel loro insieme ebbero una grande vitalità, poiché le loro forme sopravvissero e continuarono ad esistere come caratteristiche nazionali specifiche dell'arte giapponese nei periodi successivi.

Periodo Asuka

(552–710 d.C.). Introduzione del buddismo a metà del VI secolo. apportò cambiamenti significativi nel modo di vivere e nel pensiero dei giapponesi e divenne un impulso per lo sviluppo dell'arte di questo e dei periodi successivi. L'arrivo del Buddismo dalla Cina attraverso la Corea è tradizionalmente datato al 552 d.C., ma probabilmente era noto prima. Nei primi anni il buddismo dovette affrontare l'opposizione politica, con l'opposizione della religione nazionale shintoista, ma solo pochi decenni dopo la nuova fede ricevette l'approvazione ufficiale e fu finalmente affermata. Nei primi anni della sua introduzione in Giappone, il buddismo era una religione relativamente semplice con un piccolo numero di divinità che necessitavano di immagini, ma dopo circa un centinaio di anni guadagnò forza e il pantheon crebbe enormemente.

Durante questo periodo furono fondati templi che servivano non solo allo scopo di propagare la fede, ma erano centri di arte ed educazione. Il tempio-monastero di Horyuji è uno dei più importanti per lo studio dell'arte buddista primitiva. Tra gli altri tesori c'è una statua della grande triade Syaka-Nerai (623 d.C.). Quest'opera di Tori Bussi, il primo grande scultore giapponese a noi noto, è un'immagine stilizzata in bronzo simile a gruppi simili presenti nei grandi templi rupestri della Cina. La posa di Shaky seduto (trascrizione giapponese della parola "Shakyamuni", il Buddha storico) e delle due figure in piedi ai suoi lati è rigorosamente frontale. Le forme della figura umana sono nascoste da pesanti pieghe simmetriche di abiti resi schematicamente, e nei volti lisci e allungati si può sentire un sognante egocentrismo e contemplazione. La scultura di questo primo periodo buddista si basa sullo stile e sui prototipi del continente cinquant'anni prima; segue fedelmente la tradizione cinese arrivata in Giappone attraverso la Corea.

Alcune delle sculture più importanti di questo periodo erano realizzate in bronzo, ma veniva utilizzato anche il legno. Le due sculture in legno più famose sono quelle della dea Kannon: Yumedono Kannon e Kudara Kannon, entrambe a Horyuji. Sono un oggetto di culto più attraente della triade Shaki, con i loro sorrisi arcaici e le espressioni sognanti. Sebbene le figure di Kannon abbiano anche una disposizione schematica e simmetrica delle pieghe degli abiti, sono più leggere e piene di movimento. Figure alte e slanciate sottolineano la spiritualità dei volti, la loro gentilezza astratta, lontana da ogni preoccupazione mondana, ma sensibile alle preghiere dei sofferenti. Lo scultore ha prestato una certa attenzione ai contorni della figura di Kudara Kannon, nascosti dalle pieghe dei vestiti, e in contrasto con la sagoma frastagliata di Yumedono, il movimento sia della figura che del tessuto è diretto in profondità. Di profilo, Kudara Kannon ha un grazioso profilo a forma di S.

L’unico esempio sopravvissuto di pittura che dà un’idea dello stile dell’inizio del VII secolo è il dipinto di Tamamushi Zushi, il “santuario alato”. Questo santuario in miniatura prende il nome dalle ali iridescenti dello scarabeo incastonate in una struttura metallica traforata; successivamente venne decorato con composizioni religiose e figure di singoli personaggi realizzate con vernici colorate. Come la scultura di questo periodo, alcune immagini mostrano una grande libertà di progettazione.

Periodo Nara

(710–784). Nel 710 la capitale fu trasferita a Nara, una nuova città sul modello della capitale cinese Chang'an. C'erano strade larghe, grandi palazzi e numerosi templi buddisti. Non solo il Buddismo in tutti i suoi aspetti, ma l'intera vita culturale e politica cinese veniva percepita come un modello da seguire. Nessun altro paese forse si è sentito più inadeguato nella propria cultura o è stato così suscettibile alle influenze esterne. Studiosi e pellegrini si muovevano liberamente tra il Giappone e la terraferma, e la vita di governo e di palazzo era modellata sulla Cina della dinastia Tang. Bisogna però ricordare che, pur imitando gli esempi della Cina Tang, soprattutto nell’arte, percependone l’influenza e lo stile, i giapponesi adattarono quasi sempre le forme straniere alle proprie.

Nella scultura, la rigorosa frontalità e simmetria del precedente periodo Asuka lasciò il posto a forme più libere. Lo sviluppo di idee sugli dei, una maggiore abilità tecnica e la libertà d'uso del materiale hanno permesso agli artisti di creare immagini di culto più intime e accessibili. La fondazione di nuove sette buddiste ampliò il pantheon fino a includere anche i santi e i fondatori del Buddismo. Oltre alla scultura in bronzo, sono note numerose opere in legno, argilla e vernice. La pietra era rara e quasi mai utilizzata per la scultura. La vernice secca era particolarmente apprezzata, forse perché, nonostante la complessità del processo di preparazione della composizione, le opere realizzate con essa sembravano più impressionanti di quelle in legno ed erano più resistenti dei prodotti in argilla più facili da realizzare. Le figure laccate venivano formate su una base di legno o di argilla, che veniva poi rimossa, oppure su rinforzi di legno o di filo metallico; erano leggeri e resistenti. Nonostante questa tecnica imponesse una certa rigidità nelle pose, era consentita una grande libertà nella rappresentazione dei volti, che contribuì in parte allo sviluppo di quella che può essere definita la scultura del ritratto propriamente detta. L'immagine del volto della divinità è stata eseguita in conformità con i severi requisiti dei canoni buddisti, ma la popolarità e persino la divinizzazione di alcuni fondatori e predicatori della fede hanno fornito eccellenti opportunità per trasmettere la somiglianza del ritratto. Questa somiglianza può essere vista nella scultura in vernice secca del patriarca cinese Genjin, venerato in Giappone, situata nel tempio Toshodaiji. Genjin era cieco quando arrivò in Giappone nel 753, e i suoi occhi ciechi e il suo stato illuminato di contemplazione interiore sono meravigliosamente catturati dallo scultore sconosciuto. Questa tendenza realistica fu espressa più chiaramente nella scultura in legno del predicatore Kuya, creata dallo scultore Kosho nei secoli XIII e XIV. Il predicatore è vestito da mendicante errante con bastone, gong e maglio, e dalla sua bocca semiaperta emergono piccole figure di Buddha. Non soddisfatto dell'immagine del monaco cantore, lo scultore ha tentato di esprimere il significato più intimo delle sue parole.

Anche le immagini del Buddha del periodo Nara si distinguono per il grande realismo. Creati per un numero sempre crescente di templi, non sono così imperturbabilmente freddi e riservati come i loro predecessori, hanno una bellezza e una nobiltà più aggraziate e si rivolgono con maggiore favore alle persone che li adorano.

Sono sopravvissuti pochissimi dipinti di questo periodo. Il disegno multicolore su carta raffigura la vita passata e presente del Buddha. Questo è uno dei pochi esempi antichi di emakimono, o pittura su rotolo. I rotoli si svolgevano lentamente da destra a sinistra e lo spettatore poteva godersi solo quella parte dell'immagine che si trovava tra le mani che srotolavano il rotolo. Le illustrazioni erano poste direttamente sopra il testo, a differenza dei rotoli successivi in ​​cui una sezione di testo si alternava a un'immagine esplicativa. In questi più antichi esempi sopravvissuti di pittura su rotolo, le figure delineate sono contrapposte a un paesaggio appena delineato, con il personaggio centrale, in questo caso Shaka, che appare in varie scene.

Il primo Heian

(784–897). Nel 784 la capitale fu temporaneamente trasferita a Nagaoka, in parte per evitare il dominio del clero buddista di Nara. Nel 794 si trasferì a Heian (oggi Kyoto) per un periodo più lungo. Fine dell'VIII e del IX secolo furono un periodo in cui il Giappone assimilò con successo, adattando alle proprie caratteristiche, molte innovazioni straniere. Anche la religione buddista ha vissuto un periodo di cambiamento, con l'emergere di nuove sette del buddismo esoterico, con i suoi rituali e l'etichetta sviluppati. Di queste, le più influenti furono le sette Tendai e Shingon, che originarie dell'India raggiunsero la Cina e da lì furono portate in Giappone da due scienziati tornati in patria dopo un lungo apprendistato. La setta Shingon (“Le Vere Parole”) era particolarmente popolare a corte e assunse rapidamente una posizione dominante. I suoi principali monasteri erano situati sul monte Koya vicino a Kyoto; come altri importanti centri buddisti, divennero depositari di enormi collezioni d'arte.

Scultura del IX secolo era per lo più in legno. Le immagini delle divinità si distinguevano per la loro severità e grandezza inaccessibile, enfatizzata dalla solennità del loro aspetto e dalla loro imponenza. I drappeggi erano abilmente ritagliati secondo schemi standard e le sciarpe giacevano a onde. La figura in piedi di Shaki del Tempio Muroji è un esempio di questo stile. Per questa e immagini simili del IX secolo. caratterizzato da intagli rigidi con pieghe più profonde e nitide e altri dettagli.

L'aumento del numero degli dei creò grandi difficoltà agli artisti. In complessi mandala simili a mappe (disegni geometrici con significati magici), le divinità erano disposte in una gerarchia attorno al Buddha centrale, che era lui stesso solo una manifestazione dell'assoluto. In questo momento apparve un nuovo modo di raffigurare figure di divinità guardiane circondate da fiamme, terribili nell'aspetto, ma di natura benefica. Queste divinità erano posizionate asimmetricamente e venivano raffigurate in pose in movimento, con tratti somatici formidabili, mentre difendevano ferocemente la fede da possibili pericoli.

Periodo Heian medio e tardo, o Fujiwara

(898–1185). Il trasferimento della capitale a Heian, inteso a eludere le difficili richieste del clero, provocò cambiamenti anche nel sistema politico. La nobiltà era una forza dominante e i suoi rappresentanti più rappresentativi erano la famiglia Fujiwara. Periodo X-XII secolo spesso associato a questo nome. Iniziò un periodo di potere speciale quando ai veri imperatori fu “fortemente consigliato” di lasciare da parte gli affari di stato per dedicarsi alle attività più piacevoli della poesia e della pittura. Fino alla maggiore età, l'imperatore era guidato da un severo reggente, solitamente della famiglia Fujiwara. Era un'epoca di lusso e di notevoli risultati nella letteratura, nella calligrafia e nell'arte; C'erano un languore e un'emotività ovunque, che raramente raggiungevano la profondità, ma nel complesso erano affascinanti. Elegante raffinatezza ed evasione si riflettevano nell'arte di questo tempo. Anche i seguaci del buddismo cercavano vie più semplici e l'adorazione del Buddha celeste Amida divenne particolarmente popolare. Le idee sulla compassione e sulla grazia salvifica del Buddha Amida furono profondamente riflesse nella pittura e nella scultura di questo periodo. L'imponenza e la sobrietà delle statue del IX secolo. nei secoli X-XI. lasciò il posto alla beatitudine e al fascino. Le divinità sono raffigurate come sognanti, pensosamente calme, l'intaglio diventa meno profondo, la superficie diventa più colorata, con una trama riccamente sviluppata. I monumenti più importanti di questo periodo appartengono allo scultore Jocho.

Le opere degli artisti acquisirono anche tratti più morbidi, che ricordano i disegni su tessuto, e persino le terribili divinità - difensori della fede - divennero meno spaventose. I Sutra (testi buddisti) erano scritti in oro e argento su carta blu intenso, la bella calligrafia del testo era spesso preceduta da una piccola illustrazione. I filoni più popolari del Buddismo e le divinità ad essi associate riflettono le preferenze dell'aristocrazia e un graduale allontanamento dagli ideali austeri del Buddismo primitivo.

L'atmosfera di questo periodo e le sue opere sono in parte legate alla cessazione delle relazioni formali con la Cina nell'894. Il buddismo in Cina a quel tempo era perseguitato e la corrotta corte Tang era in uno stato di declino. L'esistenza isolata sull'isola che seguì questa separazione incoraggiò i giapponesi a rivolgersi alla propria cultura e a sviluppare uno stile giapponese nuovo e più puro. In effetti, la pittura secolare dei secoli X-XII. era quasi interamente giapponese, sia nella tecnica che nella composizione e nelle trame. Una caratteristica distintiva di questi rotoli giapponesi, chiamati yamato-e, era la predominanza di soggetti engi (origine, storia). Mentre i rotoli cinesi spesso raffiguravano una natura vasta e sorprendente, panorami di montagne, ruscelli, rocce e alberi e le persone sembravano relativamente insignificanti, sui rotoli narrativi giapponesi la cosa principale nel disegno e nel testo era la persona. Il paesaggio svolgeva solo il ruolo di sfondo per la storia raccontata, subordinato al personaggio o alle persone principali. Molti rotoli erano cronache disegnate a mano delle vite di famosi predicatori buddisti o personaggi storici, dei loro viaggi e campagne militari. Altri raccontavano episodi romantici della vita di nobili e cortigiani.

Lo stile apparentemente distintivo dei primi rotoli derivava da semplici schizzi a inchiostro sulle pagine dei quaderni buddisti. Si tratta di disegni abili che caricaturano il comportamento umano attraverso immagini di animali: una scimmia in abiti monastici che adora una rana gonfiata, gare tra lepri, scimmie e rane. Questi e altri rotoli del tardo Heian servirono come base per i rotoli narrativi più complessi dello stile sviluppato dei secoli XIII e XIV.

Periodo Kamakura

(1185–1392). Fine del XII secolo apportò grandi cambiamenti alla vita politica e religiosa del Giappone e, ovviamente, alla sua arte. L'eleganza e l'estetismo della corte di Kyoto furono sostituiti o, nella tradizione del governo “speciale”, “ricevettero un'aggiunta” sotto forma di un nuovo governo, duro e coraggioso: lo shogunato di Kamakura. Sebbene la capitale rimanesse nominalmente Kyoto, lo shogun Minamoto no Yoritomo (1147–1199) stabilì il suo quartier generale nella città di Kamakura e in soli 25 anni stabilì un rigido sistema di dittatura militare e feudalesimo. Anche il buddismo, che era diventato così complesso e ritualizzato da essere poco compreso dai laici comuni, subì grandi cambiamenti che non promettevano il mecenatismo delle arti. La setta Yodo (Terra Pura), una forma di venerazione del Buddha Amida, sotto la guida di Honen Shonin (1133–1212), riformò la gerarchia dei Buddha e delle divinità e diede speranza di salvezza a tutti coloro che credevano semplicemente in Amida. Questa dottrina di un paradiso facilmente raggiungibile fu successivamente semplificata da un altro monaco, Shinran (1173–1262), fondatore della setta Shin, il quale riconobbe che la condiscendenza di Amida era così grande che non era necessario compiere atti religiosi, semplicemente ripetendo l'incantesimo " Namu Amida Butsu" (la prima parola significa "obbedire"; le seconde due sono "Buddha Amida"). Questo semplice metodo per salvare l'anima era estremamente attraente ed è ora utilizzato da milioni di persone. Una generazione dopo, il predicatore militante Nichiren (1222–1282), da cui prende il nome la setta, abbandonò questa forma semplificata di religione. I suoi seguaci veneravano il Sutra del Loto, che non prometteva la salvezza immediata e incondizionata. I suoi sermoni toccavano spesso argomenti politici, e le sue convinzioni e le proposte di riforma della chiesa e dello stato facevano appello alla nuova classe militare di Kamakura. Infine, la filosofia Zen, emersa già nell’VIII secolo, iniziò a svolgere un ruolo sempre più importante nel pensiero buddista durante questo periodo. Lo Zen sottolineava l'importanza della meditazione e il disprezzo per qualsiasi immagine che potesse ostacolare l'uomo nel suo tentativo di unirsi a Dio.

Era quindi questo un periodo in cui il pensiero religioso limitava il numero delle opere di pittura e scultura precedentemente necessarie al culto. Tuttavia, alcune delle più belle opere d'arte giapponese furono create durante il periodo Kamakura. L'incentivo era l'amore innato per l'arte dei giapponesi, ma la chiave della soluzione sta nell'atteggiamento delle persone nei confronti delle nuove credenze e non nei dogmi in quanto tali. Sono infatti le opere stesse a suggerire il motivo della loro creazione, perché molte di queste sculture e dipinti pieni di vita ed energia sono ritratti. Sebbene la filosofia Zen potesse considerare gli oggetti religiosi ordinari un ostacolo all’illuminazione, la tradizione di onorare gli insegnanti era del tutto accettabile. Un ritratto di per sé non poteva essere oggetto di culto. Questo atteggiamento nei confronti del ritratto era caratteristico non solo del buddismo Zen: molti ministri della setta della Terra Pura erano venerati quasi come divinità buddiste. Grazie al ritratto è apparsa anche una nuova forma architettonica: il miodo, o cappella del ritratto. Il rapido sviluppo del realismo era completamente nello spirito dei tempi.

Anche se i ritratti pittoreschi dei sacerdoti erano ovviamente immagini di persone specifiche, spesso erano rielaborazioni di dipinti raffiguranti i fondatori cinesi del buddismo. Erano raffigurati mentre predicavano, con la bocca aperta, le mani che gesticolavano; a volte venivano raffigurati monaci mendicanti mentre intraprendevano un difficile viaggio per la gloria della fede.

Uno dei soggetti più apprezzati era il raigo (arrivo desiderato), che raffigurava il Buddha Amida con i suoi compagni che scendevano su una nuvola per salvare l'anima di un credente sul letto di morte e trasferirla in cielo. I colori di tali immagini erano spesso esaltati dall'applicazione dell'oro, e le linee ondulate, i mantelli fluenti e le nuvole vorticose davano un senso di movimento alla discesa del Buddha.

Unkei, attivo nella seconda metà del XII e all'inizio del XIII secolo, fu autore di un'innovazione che facilitò l'intaglio del legno, che rimase il materiale preferito dagli scultori durante il periodo Kamakura. In precedenza, il maestro era limitato dalle dimensioni e dalla forma del tronco o del tronco da cui veniva tagliata la figura. Le braccia e gli elementi dell'abbigliamento venivano applicati separatamente, ma il pezzo finito spesso somigliava alla forma cilindrica originale. Nella nuova tecnica, dozzine di piccoli pezzi venivano accuratamente assemblati per formare una piramide cava, dalla quale gli apprendisti potevano poi ritagliare approssimativamente una forma. Lo scultore aveva a disposizione un materiale più malleabile e la capacità di creare forme più complesse. Le muscolose guardie del tempio e le divinità con mantelli e vesti fluenti sembravano più vive anche perché nelle loro orbite cominciarono a essere inseriti cristalli o vetri; le statue iniziarono ad essere decorate con bronzo dorato. Diventavano più leggeri e si rompevano meno spesso man mano che il legno si asciugava. La già citata statua in legno di Kuya Shonin, di Kosho, figlio di Unkei, dimostra il più alto risultato del realismo dell'era Kamakura nella scultura dei ritratti. In effetti, la scultura in questo momento raggiunse il suo apogeo nel suo sviluppo, e successivamente non occupò più un posto così prominente nell'arte.

Anche la pittura secolare rifletteva lo spirito dei tempi. I rotoli narrativi del tardo periodo Heian, con colori sobri e linee aggraziate, raccontavano le scappatelle romantiche del principe Genji o gli intrattenimenti delle solitarie dame di corte. Ora, con colori vivaci e pennellate energiche, gli artisti dell'era Kamakura raffiguravano battaglie di clan in guerra, palazzi avvolti dalle fiamme e persone spaventate in fuga dalle truppe attaccanti. Anche se la storia religiosa si svolgeva sul rotolo, l'immagine non era tanto un'icona quanto una documentazione storica dei viaggi di uomini santi e dei miracoli da loro compiuti. Nella progettazione di queste scene si può rilevare un crescente amore per la natura e un'ammirazione per i paesaggi autoctoni.

Periodo Muromachi o Ashikaga

(1392–1568). Nel 1392, dopo più di 50 anni di conflitti, il terzo shogun della famiglia Ashikaga, Yoshimitsu (1358–1408), riunì il paese. La sede del governo divenne nuovamente la capitale nominale di Kyoto, dove gli shogun Ashikaga costruirono i loro palazzi nel quartiere Muromachi. (Questo periodo è talvolta chiamato Muromachi o Ashikaga.) Il tempo di guerra non risparmiò molti templi, depositi di arte giapponese, che furono bruciati insieme ai tesori che vi si trovavano. Il paese fu brutalmente rovinato e persino la pace non portò molto sollievo, poiché i clan in guerra, ottenendo il successo, distribuirono favori a loro piacimento. Sembrerebbe che la situazione fosse estremamente sfavorevole per lo sviluppo dell'arte, ma in realtà gli shogun Ashikaga la patrocinarono, soprattutto nel XV e XVI secolo, quando fiorì la pittura.

Il fenomeno artistico più significativo di questo periodo furono i dipinti poetici monocromatici a inchiostro incoraggiati dal buddismo Zen e influenzati dagli esempi cinesi delle dinastie Song e Yuan. Durante la dinastia Ming (1368–1644), i contatti con la Cina furono rinnovati e Yoshimitsu, collezionista e mecenate, incoraggiò il collezionismo e lo studio dei dipinti cinesi. Divenne modello e punto di partenza per artisti dotati che dipingevano paesaggi, uccelli, fiori, immagini di clero e saggi con pennellate leggere e fluenti. La pittura giapponese di questo periodo è caratterizzata dall'economia delle linee; l'artista sembra estrarre la quintessenza della trama raffigurata, permettendo allo spettatore di riempirla di dettagli. Le transizioni dell'inchiostro grigio e nero lucido in questi dipinti sono molto vicine alla filosofia Zen, che sicuramente ha ispirato i loro autori. Sebbene questa credenza acquisisse una notevole influenza sotto il dominio militare di Kamakura, continuò a diffondersi rapidamente nei secoli XV e XVI, quando sorsero numerosi monasteri Zen. Predicando principalmente l'idea di "autosalvezza", non collegava la salvezza al Buddha, ma si affidava piuttosto alla severa autodisciplina di una persona per raggiungere un'improvvisa "illuminazione" intuitiva che lo unisce all'assoluto. L’uso parsimonioso ma audace dell’inchiostro e la composizione asimmetrica, in cui le parti non verniciate della carta giocavano un ruolo significativo nelle raffigurazioni di paesaggi idealizzati, saggi e scienziati, erano coerenti con questa filosofia.

Uno degli esponenti più famosi del sumi-e, uno stile di pittura a inchiostro monocromatico, fu Sesshu (1420–1506), un sacerdote Zen la cui vita lunga e fruttuosa gli valse una venerazione duratura. Alla fine della sua vita, iniziò a utilizzare lo stile haboku (inchiostro rapido), che, in contrasto con lo stile maturo, che richiedeva tratti chiari ed economici, portò la tradizione della pittura monocromatica quasi all'astrazione.

Lo stesso periodo segna l'attività della famiglia di artisti Kano e lo sviluppo del loro stile. Nella scelta dei soggetti e nell'uso dell'inchiostro era vicino al cinese, ma nei mezzi espressivi rimaneva giapponese. Kano, con il sostegno dello shogunato, divenne la scuola "ufficiale" o lo stile artistico di pittura e fiorì fino al XIX secolo.

La tradizione ingenua di Yamato-e continuò a vivere nelle opere della scuola Tosa, il secondo importante movimento della pittura giapponese. In effetti, a quel tempo entrambe le scuole, Kano e Tosa, erano strettamente legate, erano accomunate dall'interesse per la vita moderna. Motonobu Kano (1476–1559), uno degli artisti più importanti di questo periodo, non solo sposò sua figlia con il famoso artista Tosa, ma dipinse anche alla sua maniera.

Nei secoli XV-XVI. Apparvero solo poche opere scultoree degne di nota. Va notato, tuttavia, che lo sviluppo del dramma noo, con la sua varietà di stati d'animo ed emozioni, ha aperto un nuovo campo di attività per gli scultori: hanno scolpito maschere per attori. Nel dramma classico giapponese, rappresentato da e per l'aristocrazia, gli attori (uno o più) indossavano maschere. Trasmettevano una gamma di sentimenti che andavano dalla paura, dall'ansia e dalla confusione alla gioia trattenuta. Alcune maschere erano così ben scolpite che la minima rotazione della testa dell'attore provocava sottili cambiamenti nell'espressione dei sentimenti. Notevoli esemplari di queste maschere furono conservati per anni nelle famiglie per i cui membri furono realizzate.

Periodo Momoyama

(1568–1615). Nel 1593, il grande dittatore militare Hideyoshi costruì il suo castello su Momoyama, “Collina delle pesche”, e con questo nome il periodo di 47 anni dalla caduta dello shogunato Ashikaga alla fondazione del periodo Tokugawa, o Edo, nel 1615 fu generalmente Era l'epoca in cui prevaleva una classe militare del tutto nuova, la cui grande ricchezza contribuì alla fioritura dell'arte. Alla fine del XVI secolo divennero di moda imponenti castelli con vaste sale per le udienze e lunghi corridoi. e richiedevano decorazioni adeguate alla loro grandezza. Era un periodo di gente severa e coraggiosa, e i nuovi mecenati, a differenza della precedente aristocrazia, non erano particolarmente interessati alle attività intellettuali o alle sottigliezze dell'artigianato. Fortunatamente, la nuova generazione di artisti era abbastanza coerente con i propri mecenati. Durante questo periodo apparvero meravigliosi schermi e pannelli mobili nei vivaci colori cremisi, smeraldo, verde, viola e blu. Colori così esuberanti e forme decorative, spesso su fondo oro o argento, furono molto popolari per un centinaio di anni, e i loro creatori furono giustamente chiamati “i grandi decoratori”. Grazie al sottile gusto giapponese, lo stile opulento non si trasformò in volgarità, e anche quando la moderazione e l'eufemismo lasciarono il posto al lusso e agli eccessi decorativi, i giapponesi riuscirono a mantenere l'eleganza.

Eitoku Kano (1543–1590), uno dei primi grandi artisti di questo periodo, lavorò nello stile di Kano e Tosa, ampliando i concetti di disegno del primo e combinandoli con la ricchezza di colori del secondo. Sebbene sopravvivano solo poche opere che possono essere attribuite con sicurezza a Eitoku, egli è considerato uno dei fondatori dello stile Momoyama e la maggior parte degli artisti di questo periodo furono suoi studenti o furono influenzati da lui.

Periodo Edo o Tokugawa

(1615–1867). Il lungo periodo di pace che seguì il Giappone appena unito è chiamato l'epoca di Tokugawa, dal cognome del sovrano, o di Edo (la moderna Tokyo), poiché nel 1603 questa città divenne il nuovo centro di potere. Due famosi generali del breve periodo Momoyama, Oda Nobunaga (1534–1582) e Toyotomi Hideyoshi (1536–1598), attraverso l'azione militare e la diplomazia, riuscirono finalmente a riconciliare clan potenti e clero militante. Con la morte di Hideyoshi nel 1598, il potere passò a Ieyasu Tokugawa (1542–1616), che portò a termine le attività iniziate congiuntamente. La decisiva battaglia di Sekigahara nel 1600 rafforzò la posizione di Ieyasu; la caduta del castello di Oska nel 1615 fu accompagnata dal crollo definitivo della casata di Hideyoshi e dall'instaurazione del dominio indiviso dello shogunato Tokugawa.

Il regno pacifico dei Tokugawa durò 15 generazioni e terminò solo nel XIX secolo. Questo è stato in gran parte un periodo di politica delle “porte chiuse”. Il decreto 1640 proibiva agli stranieri di entrare in Giappone e i giapponesi non potevano viaggiare all'estero. L'unico collegamento commerciale e culturale era con gli olandesi e i cinesi attraverso il porto di Nagasaki. Come in altri periodi di isolamento, alla fine del XVII secolo si verificò un aumento dei sentimenti nazionali e l'emergere. la cosiddetta scuola di pittura e incisione di genere.

La capitale in rapida crescita di Edo divenne il centro non solo della vita politica e commerciale dell'impero isolano, ma anche un centro di arti e mestieri. L'obbligo che i daimyo, i signori feudali provinciali, fossero nella capitale per una certa parte dell'anno dava origine alla necessità di nuovi edifici, compresi i palazzi, e quindi di artisti che li decorassero. Allo stesso tempo, la classe emergente dei mercanti ricchi ma non aristocratici forniva agli artisti un mecenatismo nuovo e spesso poco professionale.

L'arte del primo periodo Edo continua e sviluppa in parte lo stile Momoyama, rafforzandone le tendenze verso il lusso e lo splendore. La ricchezza di immagini bizzarre e policrome ereditate dal periodo precedente continua a svilupparsi. Questo stile decorativo raggiunse il suo apice nell'ultimo quarto del XVII secolo. nel cosiddetto Era Genroku del periodo Tokugawa (1688–1703). Nell'arte decorativa giapponese non ha eguali nella stravaganza e nella ricchezza dei colori e dei motivi decorativi nella pittura, nei tessuti, nelle vernici e nei dettagli artistici - attributi di uno stile di vita lussuoso.

Poiché stiamo parlando di un periodo storico relativamente tardo, non sorprende che i nomi di molti artisti e le loro opere siano stati conservati; Qui è possibile citarne solo alcuni tra i più eccezionali. Rappresentanti della scuola decorativa che vissero e lavorarono durante i periodi Momoyama ed Edo includono Honnami Koetsu (1558–1637) e Nonomura Sotatsu (morto nel 1643). Il loro lavoro dimostra un notevole senso del design, della composizione e del colore. Koetsu, un talentuoso ceramista e artista della lacca, era rinomato per la bellezza della sua calligrafia. Insieme a Sotatsu, crearono poesie su pergamene, che a quel tempo erano di moda. In questo connubio tra letteratura, calligrafia e pittura, le immagini non erano semplici illustrazioni: creavano o suggerivano uno stato d'animo corrispondente alla percezione del testo. Ogata Korin (1658–1716) fu uno degli eredi dello stile decorativo e, insieme al fratello minore Ogata Kenzan (1663–1743), ne portò alla perfezione la tecnica. Kenzan, meglio conosciuto come ceramista che come artista, cuoceva vasi con i disegni del suo famoso fratello maggiore. La rinascita di questa scuola all'inizio del XIX secolo. del poeta e artista Sakai Hoitsu (1761–1828) fu l'ultima ondata dello stile decorativo. Le bellissime pergamene e paraventi di Horitsu combinavano il senso del design di Korin con l'interesse per la natura insito nel naturalismo della scuola Maruyama, espresso nella ricchezza di colori e motivi decorativi caratteristici del periodo precedente, temperato dallo splendore e dalla grazia della pennellata.

Insieme allo stile decorativo policromo, il tradizionale disegno a inchiostro della scuola Kano continuò ad essere popolare. Nel 1622, Kanō Tan'yu (1602–1674) fu nominato pittore di corte dello shogun e convocato a Edo. Con la sua nomina a questo incarico e la fondazione della scuola di pittura Kano a Edo, a Kobikito, iniziò un periodo di mezzo secolo di leadership artistica di questa tradizione, che riportò la famiglia Kano ad una posizione di rilievo e rese le opere dei Il periodo Edo è il più significativo nella pittura di Kano. Nonostante la popolarità dei paraventi dipinti con oro e colori vivaci creati dai “grandi decoratori” e rivali, Tanyu, grazie alla forza del suo talento e alla posizione ufficiale, riuscì a rendere popolare tra la nobiltà il dipinto della rinnovata scuola Kano. Alle caratteristiche tradizionali della scuola Kano, Tanyu ha aggiunto potenza e semplicità basate su una linea spezzata rigida e una disposizione ponderata degli elementi compositivi su un'ampia superficie libera.

Una nuova direzione, in cui la caratteristica principale era l'interesse per la natura, cominciò a prevalere alla fine del XVIII secolo. Maruyama Okyo (1733–1795), il capo della nuova scuola, era un contadino, poi divenne un sacerdote e infine un artista. I primi due studi non gli portarono né felicità né successo, ma come artista raggiunse grandi traguardi ed è considerato il fondatore della scuola realistica di Maruyama. Studiò con il maestro della scuola Kano Ishida Yutei (m. 1785); Basandosi su incisioni olandesi importate, imparò la tecnica occidentale della rappresentazione prospettica e talvolta copiò semplicemente queste incisioni. Studiò anche gli stili cinesi delle dinastie Song e Yuan, compreso lo stile sottile e realistico di Chen Xuan (1235–1290) e Shen Nanping; quest'ultimo visse a Nagasaki all'inizio del XVIII secolo. Ōkyo realizzò molte opere dal vero e le sue osservazioni scientifiche servirono come base per la percezione della natura su cui si basava la scuola Maruyama.

Oltre all'interesse per il naturalismo nel XVIII secolo. si rinnova l'influenza della tradizione artistica cinese. I rappresentanti di questo movimento gravitavano verso la scuola pittorica di artisti-scienziati delle epoche Ming (1368–1644) e Qing (1644–1912), sebbene le loro idee sullo stato dell’arte moderna in Cina fossero probabilmente limitate. L'arte di questa scuola giapponese si chiamava bujinga (l'arte delle persone istruite). Uno degli artisti più influenti che lavorarono nello stile bujinga fu Ikeno Taiga (1723–1776), un famoso artista e calligrafo. Il suo stile maturo è caratterizzato da spesse linee di contorno piene di leggeri tratti piumati di toni chiari e inchiostro; Dipinse anche con tratti ampi e liberi di inchiostro nero, raffiguranti tronchi di bambù piegati dal vento e dalla pioggia. Con linee corte e curve, ottenne un effetto simile a un'incisione nella sua rappresentazione di montagne nebbiose sopra un lago circondato dalla foresta.

17 ° secolo diede vita ad un altro notevole movimento artistico del periodo Edo. Queste sono le cosiddette ukiyo-e (immagini di un mondo che cambia): scene di genere create da e per la gente comune. I primi ukiyo-e apparvero nell'antica capitale di Kyoto ed erano principalmente pittoreschi. Ma il centro della loro produzione si spostò presto a Edo, e l'attenzione degli artigiani si concentrò sull'incisione del legno. La stretta associazione delle xilografie con l'ukiyo-e ha portato all'idea sbagliata che le xilografie fossero una scoperta di questo periodo; infatti, ha avuto origine nell'XI secolo. Tali prime immagini erano di natura votiva e raffiguravano i fondatori del buddismo e le divinità, e durante il periodo Kamakura alcuni rotoli narrativi furono riprodotti da blocchi scolpiti. Tuttavia, l'arte dell'incisione divenne particolarmente popolare nel periodo che va dalla metà del XVII al XIX secolo.

I soggetti delle stampe ukiyo-e erano bellissime cortigiane di quartieri allegri, attori preferiti e scene di drammi. Presto, cosiddetto Le incisioni primitive erano eseguite in nero, con forti linee ondulate ritmate, ed erano caratterizzate da disegni semplici. A volte erano dipinti a mano in un colore rosso-arancio chiamato tan-e (dipinti rosso vivo), con segni di giallo senape e verde. Alcuni degli artisti "primitivi" usavano la pittura a mano chiamata urushu-e (pittura a lacca), in cui le aree scure venivano migliorate e illuminate dall'aggiunta di colla. Una delle prime stampe multicolori, apparsa nel 1741 o 1742, era chiamata benizuri-e (stampa cremisi) e di solito utilizzava tre colori: rosso rosato, verde e talvolta giallo. Stampe veramente multicolori, che utilizzavano l'intera tavolozza e chiamate nishiki-e (immagini di broccato), apparvero nel 1765.

Oltre a creare stampe individuali, molti incisori illustravano libri e guadagnavano denaro producendo illustrazioni erotiche su libri e pergamene. Va tenuto presente che l'incisione ukiyo-e consisteva in tre tipi di attività: era il lavoro del disegnatore, il cui nome portava la stampa, dell'intagliatore e dello stampatore.

Hishikawa Moronobu (c. 1625–1694) è considerato il fondatore della tradizione dell'incisione ukiyo-e. Altri artisti "primitivi" di questo movimento includono Kiyomasu (1694–1716) e il gruppo Kaigetsudo (una strana compagnia di artisti la cui esistenza rimane poco chiara), così come Okumura Masanobu (1686–1764).

Gli artisti di transizione che produssero stampe benizuri-e furono Ishikawa Toyonobu (1711–1785), Torii Kiyohiro (attivo intorno al 1751–1760) e Torii Kiyomitsu (1735–1785).

Le opere di Suzuki Harunobu (1725–1770) inaugurarono l'era dell'incisione policroma. Piene di colori tenui, quasi neutri, popolate da dame aggraziate e amanti galanti, le stampe di Harunobu ebbero un grande successo. Katsukawa Shunsho (1726–1792), Torii Kienaga (1752–1815) e Kitagawa Utamaro (1753–1806) lavorarono con lui nello stesso periodo. Ognuno di loro ha contribuito allo sviluppo di questo genere; i maestri hanno portato alla perfezione incisioni raffiguranti bellezze aggraziate e attori famosi. Nel corso di alcuni mesi tra il 1794 e il 1795, il misterioso Tosusai Saraku creò ritratti straordinariamente potenti e francamente brutali degli attori dell'epoca.

Nei primi decenni del XIX secolo. il genere aveva raggiunto la maturità e cominciava a declinare. Katsushika Hokusai (1760–1849) e Ando Hiroshige (1797–1858) sono i più grandi maestri dell'epoca, la cui opera collega il declino dell'arte dell'incisione nel XIX secolo. e la sua nuova rinascita all'inizio del XX secolo. Entrambi erano principalmente pittori di paesaggi che registravano gli eventi della vita moderna nelle loro incisioni. La brillante padronanza delle tecniche di intagliatori e tipografi ha permesso di trasmettere nell'incisione linee stravaganti e le più piccole sfumature del sole al tramonto o della nebbia che si alza all'alba.

Restaurazione Meiji e periodo moderno.

Accade spesso che l'arte antica di un determinato popolo sia povera di nomi, date e opere sopravvissute, quindi eventuali giudizi possono essere espressi solo con grande cautela e condizionalità. Tuttavia, non è meno difficile giudicare l’arte contemporanea, poiché siamo privati ​​di una prospettiva storica per valutare correttamente la portata di qualsiasi movimento o artista e della sua opera. Lo studio dell’arte giapponese non fa eccezione, e il massimo che si può fare è presentare un panorama dell’arte contemporanea e trarre alcune provvisorie conclusioni preliminari.

Nella seconda metà del XIX secolo. I porti giapponesi furono riaperti al commercio e si verificarono grandi cambiamenti sulla scena politica. Nel 1868 lo shogunato fu abolito e fu ripristinato il governo dell'imperatore Meiji. La capitale ufficiale e la residenza dell'imperatore furono trasferite a Edo e la città stessa divenne nota come Tokyo (la capitale orientale).

Come era accaduto in passato, la fine dell’isolamento nazionale suscitò un grande interesse per i risultati ottenuti da altre nazioni. In questo momento, i giapponesi hanno fatto un enorme passo avanti nel campo della scienza e della tecnologia. Artisticamente, l’inizio dell’era Meiji (1868-1912) dimostra l’accettazione di tutto ciò che è occidentale, compresa la tecnologia. Tuttavia, questo zelo non durò a lungo, e fu seguito da un periodo di assimilazione, dall'emergere di nuove forme che combinavano il ritorno alle proprie tradizioni e le nuove tendenze occidentali.

Artisti degni di nota includevano Kano Hogai (1828–1888), Shimomura Kanzan (1873–1916), Takeuchi Seiho (1864–1924) e Tomioka Tessai (1836–1942). I primi tre hanno aderito allo stile e ai temi tradizionali giapponesi, sebbene si sforzassero di essere originali nell'atmosfera e nella tecnica. Seiho, ad esempio, ha lavorato nell'atmosfera calma e conservatrice di Kyoto. I suoi primi lavori furono creati nello stile naturalistico Maruyama, ma in seguito viaggiò molto in Cina e fu profondamente influenzato dalla pittura a inchiostro cinese. Anche i suoi viaggi nei musei e nei principali centri d'arte d'Europa hanno lasciato un segno nel suo lavoro. Di tutti gli artisti eccezionali di questo periodo, solo Tomioka Tessai si avvicinò allo sviluppo di un nuovo stile. Le sue opere energiche e potenti combinano linee ruvide, contorte, frastagliate e macchie di inchiostro nero con aree di colore finemente rese. Negli anni successivi, alcuni giovani pittori ad olio riuscirono dove i loro nonni avevano fallito. I primi tentativi di lavorare con questo materiale insolito ricordavano le tele parigine e non si distinguevano né per il valore speciale né per le caratteristiche specificamente giapponesi. Tuttavia ora vengono create opere di eccezionale fascino in cui il caratteristico senso del colore e dell'equilibrio giapponese traspare attraverso temi astratti. Altri artisti, lavorando con inchiostro più naturale e tradizionale e talvolta utilizzando la calligrafia come motivo iniziale, creano energiche opere astratte in neri brillanti con sfumature di grigio.

Come nel periodo Edo, nel XIX e XX secolo. la scultura non era popolare. Ma anche in questo settore, i rappresentanti della generazione moderna, che hanno studiato in America e in Europa, hanno sperimentato con molto successo. Le piccole sculture in bronzo, astratte nella forma e dai nomi strani, mostrano il senso giapponese della linea e del colore, evidente nell'uso di patine verdi tenui o marroni calde; L'intaglio del legno testimonia l'amore giapponese per la consistenza del materiale.

Sosaku hanga, la "stampa creativa" giapponese, è apparsa solo nel primo decennio del XX secolo, ma come movimento artistico speciale ha eclissato tutte le altre aree dell'arte moderna. Questa moderna xilografia non è, in senso stretto, un successore della vecchia xilografia ukiyo-e; differiscono per stile, soggetti e metodi di creazione. Gli artisti, molti dei quali fortemente influenzati dalla pittura occidentale, riconobbero l'importanza del proprio patrimonio artistico e trovarono nel legno un materiale adatto per esprimere i propri ideali creativi. I maestri Hanga non solo disegnano, ma scolpiscono anche immagini su blocchi di legno e le stampano da soli. Sebbene i risultati più alti in questa forma d'arte siano associati alla lavorazione del legno, vengono utilizzate tutte le moderne tecniche di incisione occidentali. Sperimentare con foglie, fili e "oggetti trovati" può talvolta creare effetti di texture superficiale unici. Inizialmente, i maestri di questo movimento furono costretti a cercare il riconoscimento: dopotutto, anche i migliori risultati della scuola ukiyo-e furono associati dagli artisti intellettuali alla folla analfabeta e considerati arte plebea. Artisti come Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi e Maekawa Senpan fecero molto per ripristinare il rispetto per l'incisione e affermarla come un degno ramo delle belle arti. Hanno attirato molti giovani artisti nel loro gruppo e ora gli incisori si contano a centinaia. Tra i maestri di questa generazione che hanno ottenuto riconoscimenti in Giappone e in Occidente ci sono Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen e Saito Kiyoshi. Questi sono maestri la cui innovazione e innegabile talento hanno guadagnato loro la giusta posizione tra i principali artisti giapponesi. Anche molti dei loro coetanei e altri artisti hanga più giovani hanno prodotto stampe meravigliose; Il fatto che non menzioniamo qui i loro nomi non significa una valutazione negativa del loro lavoro.

ARTI DECORATIVE, ARCHITETTURA E GIARDINI

Le sezioni precedenti trattavano principalmente di pittura e scultura, che nella maggior parte dei paesi sono considerate i principali tipi di belle arti. Potrebbe essere ingiusto includere alla fine dell'articolo le arti decorative e l'artigianato popolare, l'arte dei giardini e l'architettura, forme che costituivano una parte importante e integrante dell'arte giapponese. Tuttavia, con la possibile eccezione dell’architettura, richiedono una considerazione speciale a parte la periodizzazione generale dell’arte giapponese e i cambiamenti di stile.

Ceramica e porcellana.

Le arti e i mestieri più importanti in Giappone includono la ceramica e la porcellana. L'arte ceramica rientra naturalmente in due categorie. La fine porcellana policroma di Imari, Nabeshima e Kakiemon prendeva il nome dai luoghi di produzione, e la sua ricca pittura su superficie crema o bianco-bluastra era destinata alla nobiltà e agli ambienti di corte. Il processo di produzione della vera porcellana divenne noto in Giappone alla fine del XVI o all'inizio del XVII secolo; piatti e ciotole con smalto liscio, con motivo asimmetrico o tipo broccato, sono apprezzati sia in patria che in Occidente.

A differenza della porcellana, nei piatti grossolani realizzati in argilla o massa di pietra di bassa qualità, caratteristici di Shino, Oribe e Bizen, l'attenzione è focalizzata sul materiale, sulla disposizione apparentemente negligente, ma ponderata degli elementi decorativi. Influenzati dai concetti del buddismo Zen, tali vasi erano molto popolari nei circoli intellettuali ed erano ampiamente utilizzati, soprattutto nelle cerimonie del tè. Molte tazze, teiere e teiere, attributi dell'arte della cerimonia del tè, incarnavano l'essenza stessa del buddismo Zen: rigorosa autodisciplina e rigorosa semplicità. Durante il periodo di massimo splendore dell'arte decorativa giapponese, i talentuosi artisti Korin e Kenzan erano impegnati nella decorazione di prodotti in ceramica. Va ricordato che la fama di Kenzan è legata più al suo talento di ceramista che di pittore. Alcuni dei tipi e delle tecniche di vasi più semplici provengono da tradizioni artigianali popolari. Laboratori moderni, continuando le antiche tradizioni, producono bellissimi prodotti che deliziano con la loro elegante semplicità.

Prodotti laccati.

Già nel VII-VIII secolo. la vernice era famosa in Giappone. Di quest'epoca si sono conservati i coperchi delle scatole, decorati con immagini di persone e motivi geometrici applicati con sottili linee dorate. Abbiamo già parlato dell'importanza della tecnica della vernice a secco per la scultura dell'VIII e del IX secolo; contemporaneamente e successivamente furono realizzati oggetti decorativi come scatole per le lettere o scatole per l'incenso. Durante il periodo Edo, questi prodotti venivano realizzati in grandi quantità e con le decorazioni più lussuose. Scatole lussuosamente decorate per pranzo, torte, incenso e medicine, chiamate inro, riflettevano la ricchezza e l'amore per il lusso inerenti a questo periodo. La superficie degli oggetti era decorata con motivi di polvere d'oro e d'argento, pezzi di lamina d'oro, separatamente o in combinazione con intarsi con conchiglie, madreperla, una lega di stagno e piombo, ecc.; questi motivi contrastavano con superfici laccate rosse, nere o marroni. A volte i disegni per le vernici venivano realizzati da artisti, ad esempio Korin e Koetsu, ma è improbabile che abbiano partecipato personalmente a questi lavori.

Spade.

I giapponesi, come si è già detto, furono per un lungo periodo della loro storia un popolo di guerrieri; armi e armature erano considerate necessità per gran parte della popolazione. La spada era l'orgoglio di un uomo; sia la lama stessa che tutte le altre parti della spada, in particolare il manico (tsuba), erano decorate utilizzando varie tecniche. Gli tsuba di ferro o bronzo erano decorati con intarsi d'oro e d'argento, ricoperti di intagli o rifiniti con entrambi. Raffiguravano paesaggi o figure umane, fiori o stemmi di famiglia (mon). Tutto ciò completava il lavoro dei fabbricanti di spade.

Tessuti.

Anche le sete dai motivi ricchi e gli altri tessuti preferiti dalla corte e dal clero in tempi di opulenza e abbondanza, così come i tessuti semplici con i disegni quasi primitivi caratteristici dell'arte popolare, sono espressioni del talento nazionale giapponese. Dopo aver raggiunto il suo apice durante l'opulenta era Genroku, l'arte tessile è rifiorita nel Giappone moderno. Combina con successo idee e fibre artificiali occidentali con colori e motivi decorativi tradizionali.

Giardini.

Negli ultimi decenni, l'interesse per i giardini e l'architettura giapponese è aumentato a causa della maggiore esposizione del pubblico occidentale a queste forme d'arte. I giardini hanno un posto speciale in Giappone; sono l'espressione e il simbolo di alte verità religiose e filosofiche, e queste sfumature oscure e simboliche, combinate con l'evidente bellezza dei giardini, attirano l'interesse del mondo occidentale. Non si può dire che le idee religiose o filosofiche fossero la ragione principale della creazione di giardini, ma durante la pianificazione e la creazione di un giardino, l'artista-progettista ha considerato tali elementi, la cui contemplazione avrebbe portato lo spettatore a pensare a varie verità filosofiche. Qui l'aspetto contemplativo del buddismo Zen è incarnato in un gruppo di pietre insolite, onde di sabbia e ghiaia rastrellate combinate con erba, o piante disposte in modo che un ruscello dietro di loro scompaia e riapparisca, che incoraggiano lo spettatore a completare le intenzioni della costruzione Idee per il giardino. La preferenza per accenni vaghi rispetto a spiegazioni chiare è caratteristica della filosofia Zen. Una continuazione di queste idee sono gli alberi bonsai nani e i piccoli giardini in vaso, ora popolari in Occidente.

Architettura.

I principali monumenti architettonici del Giappone sono templi, complessi monastici, castelli e palazzi feudali. Dall'antichità fino ai giorni nostri, il legno è stato il materiale da costruzione principale e determina in gran parte le caratteristiche del design. Gli edifici religiosi più antichi sono i santuari della religione nazionale giapponese Shinto; a giudicare dai testi e dai disegni si trattava di strutture relativamente semplici con il tetto di paglia, come le antiche abitazioni. Gli edifici dei templi eretti dopo la diffusione del Buddismo e ad esso associati erano basati su prototipi cinesi nello stile e nella disposizione. L'architettura dei templi buddisti variava nel tempo e la decorazione e la disposizione degli edifici variavano a seconda delle diverse sette. Gli edifici giapponesi sono caratterizzati da vasti saloni con tetti alti e complessi sistemi di mensole, e il loro arredamento riflette il gusto del loro tempo. L'architettura semplice e maestosa del complesso Horyuji, costruito vicino a Nara all'inizio del VII secolo, è caratteristica del periodo Asuka quanto la bellezza e l'eleganza delle proporzioni di Hoodo, la "Sala della Fenice" a Uji, riflessa nel Lago di Loto. , è del periodo Heian. Gli edifici più elaborati del periodo Edo acquisirono decorazioni aggiuntive sotto forma di porte scorrevoli e paraventi riccamente dipinti realizzati dagli stessi "grandi decoratori" che decoravano gli interni dei castelli con fossato e dei palazzi feudali.

L'architettura e i giardini del Giappone sono così strettamente collegati che possono essere considerati parte l'uno dell'altro. Ciò è particolarmente vero per gli edifici e le casette da giardino per la cerimonia del tè. La loro apertura, semplicità e attento rapporto con il paesaggio e la prospettiva hanno una grande influenza sull’architettura occidentale moderna.

L'INFLUENZA DELL'ARTE GIAPPONESE SULL'OCCIDENTE

Nel giro di un solo secolo, l’arte giapponese divenne nota in Occidente ed esercitò un’influenza significativa su di esso. Ci furono contatti precedenti (ad esempio, gli olandesi commerciarono con il Giappone attraverso il porto di Nagasaki), ma gli oggetti che raggiunsero l'Europa nel XVII secolo erano principalmente opere d'arte applicata: porcellana e oggetti laccati. Furono collezionati con entusiasmo come curiosità e copiati in vari modi, ma queste esportazioni decorative non riflettevano l'essenza e la qualità dell'arte giapponese e davano addirittura ai giapponesi un'idea poco lusinghiera del gusto occidentale.

La prima volta che la pittura occidentale fu direttamente influenzata dall’arte giapponese in Europa fu nel 1862 durante la grande Esposizione Internazionale di Londra. Quando cinque anni dopo furono presentate all'Esposizione di Parigi, le xilografie giapponesi suscitarono nuovamente grande interesse. Emersero subito diverse collezioni private di incisioni. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh e altri percepirono le stampe a colori giapponesi come una rivelazione; Si nota spesso la leggera ma sempre riconoscibile influenza delle stampe giapponesi sugli impressionisti. Gli americani Whistler e Mary Cassatt furono attratti dalla sobrietà delle linee e dai colori vivaci delle stampe e dei dipinti ukiyo-e.

L'apertura del Giappone agli stranieri nel 1868 creò una mania per tutto ciò che era occidentale e indusse i giapponesi ad allontanarsi dalla loro ricca cultura e dal loro patrimonio artistico. In quel periodo molti bellissimi dipinti e sculture furono venduti e finirono nei musei occidentali e nelle collezioni private. Le mostre di questi oggetti fecero conoscere l'Occidente al Giappone e stimolarono l'interesse per i viaggi in Estremo Oriente. Naturalmente, l’occupazione del Giappone da parte delle truppe americane alla fine della seconda guerra mondiale ha aperto maggiori opportunità rispetto a prima per esplorare e conoscere meglio i templi giapponesi e i loro tesori. Questo interesse si rifletteva nella frequentazione dei musei americani. L'interesse per l'Oriente in generale suscitò l'organizzazione di mostre di opere d'arte giapponesi, selezionate da collezioni pubbliche e private giapponesi e portate in America e in Europa.

La ricerca scientifica negli ultimi decenni ha fatto molto per confutare l’idea che l’arte giapponese sia semplicemente un riflesso dell’arte cinese, e numerose pubblicazioni giapponesi in inglese hanno introdotto l’Occidente agli ideali dell’Oriente.



E calligrafia su seta e carta, xilografie e incisioni di ukiyo-e, kirigami, origami, così come la tendenza più giovane - manga - fumetti giapponesi moderni e molti altri tipi di opere d'arte. La sua storia copre un periodo enorme: dai primi popoli che abitarono il Giappone intorno al X millennio a.C. fino ai giorni nostri.

Per lunghi periodi della sua storia, il Giappone è stato isolato dall'influenza del mondo esterno e qualsiasi innovazione o idea che vi entrasse accidentalmente dall'esterno era seguita da un nuovo periodo di contatto minimo con altre culture. Lo sviluppo della pittura giapponese fu facilitato stabilendo contatti con il continente. Fu da lì che all'inizio del VII secolo furono prese in prestito le tecnologie per produrre vernici, carta e inchiostro. La pittura giapponese di questo periodo era molto semplice e consisteva in dipinti realizzati con vernice rossa, verde e gialla su sfondo nero. Con la diffusione del Buddismo nel paese, la professione di artista divenne sempre più richiesta e la qualità e la quantità delle opere artistiche aumentarono.

Col tempo i giapponesi svilupparono la capacità di assorbire, imitare e infine assimilare tali elementi della cultura aliena, arricchendo così il proprio gusto estetico. I primi esempi di arte alta iniziarono ad essere creati in Giappone nel VII e VIII secolo, contemporaneamente alla diffusione del buddismo. Nel IX secolo, quando i giapponesi iniziarono ad allontanarsi dalle influenze cinesi e a sviluppare le proprie forme di espressione, le arti secolari iniziarono ad essere apprezzate come mai prima d'ora e insieme alle arti religiose fiorirono fino alla fine del XV secolo. Dopo la guerra Onin (1467–1477), il Giappone visse un periodo di disordini politici, sociali ed economici che durò circa cento anni. Nello stato sorto sotto la guida dello shogunato Tokugawa, la religione organizzata iniziò a svolgere un ruolo molto minore nella vita di tutti i giorni e le principali forme di arte che riuscirono a sopravvivere in quell'epoca furono le arti secolari.

La pittura è il mezzo di espressione più popolare in Giappone, utilizzato sia da dilettanti che da professionisti. Fino ai giorni nostri, i giapponesi hanno preferito utilizzare i pennelli piuttosto che gli strumenti di scrittura per scrivere, e la loro padronanza delle tecniche del pennello ha portato a un'estrema sensibilità ai valori e all'estetica della pittura. Con il crescente interesse per la cultura popolare durante il periodo Edo, le stampe su legno divennero un'importante forma d'arte, una tecnica che fu perfezionata e perfezionata per produrre stampe a colori. Durante questo periodo, ci fu un declino della simpatia giapponese per un mezzo di espressione come la scultura: iniziò ad essere associato alla religione e il suo uso diminuì insieme alla diminuzione del ruolo del buddismo.

Le ceramiche giapponesi sono considerate tra le migliori al mondo e i loro esempi includono i più antichi manufatti della cultura giapponese. Le preferenze architettoniche giapponesi si esprimono nell'uso di materiali naturali e in una chiara relazione tra spazi interni ed esterni.

Storia dell'arte giapponese[ | ]

Figurina con occhiali da neve, periodo Jomon

Arte Jomon[ | ]

I primi coloni che si stabilirono in Giappone furono il popolo Jomon (11.000-300 a.C. circa), che prese il nome dall'ornamento in corda che decorava i vasi da loro realizzati. Erano cacciatori-raccoglitori nomadi che in seguito iniziarono a praticare l'agricoltura organizzata e riuscirono a costruire città con popolazioni di centinaia, se non migliaia, di persone. Le loro case erano strutture primitive fatte di legno e paglia, spesso collocate in fosse di terra per conservare il calore. Realizzarono vasi di ceramica riccamente decorati, figurine di argilla dogu e gioielli in cristallo.

Arte Yayoi [ | ]

La successiva ondata di coloni fu il popolo Yayoi, dal nome dell'area di Tokyo dove furono scoperti i resti dei loro insediamenti. Queste popolazioni, arrivate in Giappone intorno al 350 a.C., portarono con sé i segreti della coltivazione del riso nei campi alluvionali, della produzione di armi di rame e campane di bronzo (dotaku), nonché di ceramiche realizzate su una ruota rotante e cotte in forni a carbone.

Arte Kofun [ | ]

Sankakubuchi Shinjukyo o uno specchio con bordi triangolari

Il terzo periodo cronologico del Giappone preistorico - il periodo Kofun (250-552 d.C. circa) rappresenta una trasformazione della cultura Yayoi, causata dallo sviluppo interno o dall'influenza esterna. Il periodo prende il nome dal gran numero di tumuli megalitici creati in questo periodo kofun. Durante questo periodo, vari gruppi di persone si unirono in alleanze politiche, formando infine una nazione. Manufatti tipici includono specchi di bronzo, simboli di alleanze politiche e sculture di argilla Haniwa, eretto vicino ai tumuli.

Arte di Asuka e Nara[ | ]

I periodi Asuka e Nara, così chiamati a causa dell'ubicazione del governo dell'epoca nella Valle Asuka (552-710) e nella città di Nara (710-784), videro la prima significativa introduzione della cultura dell'Asia continentale in Giappone.

La diffusione del Buddismo provocò i primi contatti tra Cina, Corea e Giappone.

I giapponesi videro nella cultura cinese alcuni aspetti che poterono adottare e incorporare nella propria: il sistema di trasmettere suoni e idee attraverso la scrittura; storiografia; complesse teorie della governamentalità come una burocrazia efficiente; ma anche, soprattutto dal punto di vista artistico, nuove tecnologie, metodi costruttivi, tecniche più avanzate di lavorazione del bronzo e nuove tecniche e media per le arti visive.

Tuttavia la ragione principale dell’intensificazione dei contatti tra il Giappone e il continente asiatico durante i secoli VII e VIII fu la diffusione del Buddismo. Non c'è consenso tra i ricercatori su alcune date significative e sulla correttezza dei nomi dei periodi compresi tra il 552, data ufficiale della comparsa del buddismo in Giappone, e il 784, data del trasferimento della capitale da Nara. I quadri più generalmente accettati includono il periodo Suiko (552-645), il periodo Hakuho (645-710) e il periodo Tenpyo (710-784).

Le prime statue di Buddha giapponesi conosciute risalgono al VI e al VII secolo. Sono stati creati sotto l'influenza dell'arte greco-buddista dei secoli I-III, che fu influenzata anche dalle idee degli scultori cinesi e coreani. È caratterizzato da forme realistiche con una trama liscia dei vestiti. Entrate nella penisola coreana dallo stato del Wei settentrionale, le immagini religiose del Buddha penetrarono ulteriormente in Giappone.

Gli edifici buddisti più antichi del Giappone sono sopravvissuti fino ad oggi. Questi includono il più antico edificio in legno dell'estremo oriente: il Tempio Horyu-ji a sud-ovest di Nara. Costruito originariamente come tempio personale del principe ereditario Shotoku, è composto da 41 strutture indipendenti.

Arte Heian [ | ]

Mandala del mondo del grembo materno ( Taizokai)

A causa della crescente influenza e prosperità del Buddismo a Nara, il sacerdote Kukai (meglio conosciuto con il titolo postumo Kobo Daishi, 774-835) si recò in Cina per studiare Shingon - una forma di Buddismo appartenente alla direzione Vajrayana, che iniziò a studiare. predicare in Giappone nell'806. Questo insegnamento si basa sui mandala, diagrammi dell'universo spirituale, che hanno iniziato a influenzare la progettazione dei templi. Anche l’architettura buddista giapponese adottò lo stupa, originariamente un elemento del tempio indiano che in seguito assunse l’aspetto di una pagoda cinese.

I templi costruiti sotto l'influenza di questo nuovo insegnamento erano situati in montagna, lontano dal governo metropolitano e dai laici. La topografia irregolare di questi luoghi ha spinto gli architetti giapponesi a riconsiderare i problemi nella costruzione dei templi, a seguito dei quali hanno iniziato a prestare maggiore attenzione ai metodi tradizionali giapponesi di progettazione e costruzione degli edifici. I tetti di cipresso sostituirono le piastrelle di ceramica e iniziarono ad essere utilizzate doghe di legno al posto dei pavimenti in terra battuta. Ai principali luoghi di culto si cominciarono ad aggiungere spazi riservati ai laici.

Arte Kamakura[ | ]

Reliquiario traforato in bronzo con doratura

Nel 1180 scoppiò una guerra tra i due clan più influenti: Taira e Minamoto. Cinque anni dopo, il clan Minamoto vinse, dopodiché l'attuale sede del governo fu trasferita nel villaggio costiero di Kamakura, dove rimase fino al 1333. Il trasferimento dei pieni poteri dall'aristocrazia alla classe guerriera influenzò anche l'arte dell'epoca. Il pubblico di quest'arte era ora composto da persone dedite all'artigianato militare, sacerdoti che cercavano di rendere il buddismo più accessibile ai contadini analfabeti, così come nobili conservatori e alcuni sacerdoti che si rammaricavano dell'indebolimento del potere della corte imperiale. Pertanto, l'arte del periodo Kamakura è caratterizzata dal realismo e dalla rinascita dello stile classico. Durante il periodo Kamakura, Kyoto e Nara mantennero il loro status di centri di alta cultura e arte.

Il Giappone è uno stato molto interessante, noto per un'ampia varietà di tradizioni e costumi. La posizione geografica del Paese del Sol Levante lo ha reso un po' isolato dagli altri stati, per cui si è sviluppato senza riguardo per i paesi europei. La cultura del Giappone è estremamente ricca e diversificata. Tradizioni giapponesi uniche si sono formate sotto l'influenza di eventi storicamente importanti. Il Giappone si trasformò gradualmente in uno stato potente e unito con tratti caratteristici e una certa mentalità della popolazione.

Aspetti fondamentali della cultura giapponese

La cultura del paese si manifesta in molte sfere della società. In Giappone i suoi aspetti sono;

Per i giapponesi il processo di bere il tè non è una semplice soddisfazione dei bisogni fisiologici dell'organismo, ma un vero e proprio culto. La cerimonia del tè in Giappone è accompagnata da attributi speciali e racchiude molte tradizioni. Sembrerebbe che un atteggiamento così riverente nei confronti del processo quotidiano abbia preso il suo sviluppo dalla meditazione dei monaci buddisti. Sono loro che hanno dato così tanto significato al processo di consumo del tè.

Per gli europei, il concetto di "kimono" caratterizza l'abbigliamento nazionale del Giappone. Tuttavia, nella stessa terra del sol levante ci sono due significati di questa parola: in senso stretto e ampio. La parola “kimono” in Giappone si riferisce non solo al costume nazionale, ma anche a tutti gli indumenti in generale. Sotto il kimono, di regola, vengono indossate una veste speciale e sette cinture. Il kimono indossato in estate si chiama yukata. A seconda dell'età della donna, il modello di abbigliamento può variare.

In Giappone, due movimenti religiosi vengono predicati con successo contemporaneamente: lo shintoismo e il buddismo. Lo shintoismo è apparso nell'antico Giappone e si basa sul culto di varie creature. Il buddismo, a sua volta, è diviso in diverse varietà. In Giappone ci sono molte scuole che promuovono l'uno o l'altro movimento del buddismo.

I giardini rocciosi sono di particolare importanza per la cultura giapponese. Non sono solo una creazione architettonica che attira l'attenzione dei turisti, ma anche un luogo di crescita spirituale. Qui i giapponesi trovano l'illuminazione contemplando le strutture in pietra disposte in un ordine speciale. I giardini rocciosi includono un disegno specifico che solo una persona illuminata può svelare.

Tango no sekku è una celebrazione dei ragazzi. È dedicato non solo a tutti i piccoli rappresentanti maschili, ma anche alla mascolinità e alla forza dell'intero popolo giapponese. È consuetudine celebrare la festa in primavera, quando la natura si sveglia e delizia con la sua bellezza. Nel giorno di Tango no Sekku, i ragazzi vengono accuditi dai genitori. Un padre deve raccontare a suo figlio tutti i guerrieri giapponesi e le loro imprese. E sua madre gli apparecchia la tavola con cibi deliziosi.

La fioritura dei ciliegi è considerata il fenomeno naturale più bello. Molti turisti vengono qui proprio per godersi la contemplazione di una pianta in fiore. In primavera nei parchi giapponesi si possono vedere grandi folle di persone. Molte famiglie vanno ai picnic e osservano la bellezza dei ciliegi giapponesi.

Una delle tradizioni uniche del paese include l'inchino. Personificano le regole della buona educazione. Non è consuetudine che i giapponesi si salutino, ma si inchinano tante volte quante ha fatto l'interlocutore.

I samurai rappresentano una certa classe della società, che si è formata sotto l'influenza di tradizioni e costumi. Ha un collegamento diretto con la cultura del paese. I samurai sono guerrieri che svolgono un determinato servizio, che può essere militare, di sicurezza o domestico. In ognuno di questi casi, i samurai personificano il coraggio, la mascolinità e la nobiltà del popolo giapponese.

Il processo di formazione della cultura dell'antico Giappone

La cultura dell'antico Giappone iniziò a svilupparsi con la nascita della lingua e della scrittura giapponese. Il Paese del Sol Levante ha preso in prestito le basi per questo dalla Cina. La scrittura giapponese contiene anche geroglifici che un cittadino straniero non sarà in grado di comprendere. Nel corso del tempo, nuove parole, suoni e frasi iniziarono ad essere aggiunti alla lingua giapponese. Quindi è stata completamente trasformata, ma si possono ancora rintracciare tratti comuni con la Cina.

Anche la religiosità del paese risale a tempi antichi. Lo shintoismo fu una conseguenza dello sviluppo di varie mitologie. Al momento, questo insegnamento promuove il culto dei leader e dei morti. Il buddismo ha radici così profonde che le opinioni di scienziati e storici sull'emergere di questo tipo di religione variano notevolmente.

Arte giapponese

Quasi tutti i tipi di arte praticati in Giappone hanno un'idea principale: calma e relax. È proprio l'armonia di una persona con se stessa che contiene l'arte, indipendentemente dal metodo di presentazione delle informazioni. Molti tipi di arte conosciuti in tutto il mondo hanno iniziato il loro sviluppo in Giappone. Tra questi possiamo evidenziare l'origami: la capacità di piegare varie forme dalla carta.

Un'altra parte popolare dell'arte giapponese è l'ikebana. Questa è l'abilità di formare mazzi di fiori utilizzando una tecnologia speciale. Da qui nacque un'attività altrettanto popolare chiamata bonsai. Questa è la creazione di varie composizioni da alberi nani. A Omiya, non lontano da Tokyo, c'è un intero parco Bonsai. Ogni albero nano presentato qui è unico e bello a modo suo.

La pittura giapponese merita un significato speciale, poiché ogni dipinto porta con sé un significato nascosto. Di norma, come design vengono utilizzati colori vivaci, transizioni contrastanti e linee chiare. Il Giappone ha anche l'arte della calligrafia. Questa è l'abilità di scrivere geroglifici esteticamente belli. L'arte applicata è diffusa anche in Giappone. C'è un intero museo a Tokyo dedicato a questo mestiere. Qui puoi vedere prodotti realizzati in carta, vetro o metallo. E questo non è un elenco completo dei materiali utilizzati a questo scopo.

Anche lo stile giapponese dell'interior design merita un'attenzione particolare. Comprende funzionalità e semplicità, insieme all'originalità dell'esecuzione. Inoltre, il design degli interni porta con sé una filosofia religiosa, proprio come qualsiasi altra forma di arte giapponese.

Architettura del Giappone

Le strutture architettoniche in Giappone sono, in un modo o nell'altro, associate alla religione. All'inizio, gli edifici dei templi erano spesso privi di fiori. Ciò era dovuto all'uso di legno non verniciato nella costruzione. Successivamente iniziarono a utilizzare le tonalità del rosso e del blu.

Il legno è considerato il materiale principale per gli edifici architettonici in Giappone. Ciò è dovuto al fatto che la riserva di questa risorsa nel paese è piuttosto ampia. Oltre al fatto che il legno conduce bene il calore e assorbe l’umidità, è anche pratico in caso di terremoti, che in Giappone si verificano abbastanza spesso. Se una casa in pietra è molto difficile da ricreare dopo la distruzione, allora una casa in legno è molto più semplice.

La caratteristica principale dell'architettura giapponese è la presenza di forme geometriche morbide. Molto spesso si tratta di triangoli e rettangoli. È quasi impossibile trovare linee morbide e rotonde in qualsiasi struttura. Il principio fondamentale su cui i giapponesi organizzano le loro case è l'esistenza inseparabile dell'interno e dell'esterno della casa. Questo vale per i giardini giapponesi. Dovrebbero essere decorati esattamente nello stesso stile della casa stessa. Altrimenti, è considerata cattiva forma e completo cattivo gusto. I giapponesi prestano particolare attenzione ai loro giardini.

Musica giapponese

In termini di sviluppo musicale, il Giappone ha guardato ad altri paesi che utilizzano alcuni tipi di strumenti musicali. Ma in seguito li ha modernizzati sotto l'influenza dei gusti e delle tradizioni locali. Il primo a influenzare la formazione della musica classica in Giappone fu il folklore locale di Dengaku, mescolato con influenze straniere e dando vita alla musica attualmente familiare al Giappone.

Anche il lato religioso della questione ha dato il suo contributo alle origini musicali. Grazie al Cristianesimo cominciò a diffondersi il suono dell'organo. E il Buddismo promosse il suono del flauto.

Attualmente, la musica classica ha guadagnato popolarità in Giappone. Molti rappresentanti di questa cellula creativa viaggiano all'estero in Giappone. Questi includono Goto Midori, Ozawa Seiji e Uchida Mitsuko. Relativamente recentemente, in Giappone sono state aperte sale progettate per l'ascolto confortevole della musica classica. Questi includono la Sala Kiyo, la Sala Sinfonica di Osaka, il Frutteto, ecc.

Tradizioni domestiche del Giappone

I giapponesi sono un popolo educato che osserva le proprie tradizioni e costumi. Trattare se stessi e gli altri con rispetto è considerata la norma in Giappone. Fin dall'infanzia, ai bambini vengono insegnate le buone maniere, vengono spiegati loro i valori fondamentali del popolo giapponese e vengono educati in ogni modo possibile. E tutto ciò avvantaggia la società. Qualsiasi turista che arriva nella terra del sol levante da un altro paese è sorpreso da quanto siano amichevoli, amichevoli ed educati i giapponesi.

A differenza dei paesi europei, il Giappone vieta da tempo il fumo nei luoghi pubblici. Ciò vale anche per la proprietà privata. È consentito fumare in prossimità di altre persone solo se queste hanno dato il loro consenso.

Tra l'altro, i giapponesi seguono rigorosamente tutte le regole igieniche che la società impone loro. Ad esempio, in ogni stanza, compresi gli edifici religiosi, ci sono speciali stuoie di paglia. Non puoi camminarci sopra con le scarpe, sono considerati non solo una decorazione d'interni, ma anche un vero sacrilegio. Inoltre, i giapponesi hanno deciso di proteggersi dai possibili batteri che provengono dalla toilette sui loro piedi. In ogni luogo pubblico e negli appartamenti sono disponibili pantofole speciali per la toilette, che non consentono il trasferimento di germi nocivi in ​​altre stanze.

Per i giapponesi mangiare non è considerato un processo di vita, ma un vero e proprio culto. Prima di mangiare, i giapponesi si asciugano sempre le mani con uno speciale asciugamano inumidito con acqua, chiamato oshibori. L'apparecchiatura della tavola non avviene in ordine casuale, ma secondo uno schema speciale. Anche ogni dispositivo ha il suo posto. I giapponesi li dividono in maschi e femmine e questo per loro è molto importante. In Giappone i cucchiai vengono utilizzati solo per mangiare la zuppa o-zoni, che viene preparata per il nuovo anno, i giapponesi preferiscono bere il resto dei primi piatti esclusivamente da apposite ciotole. Inoltre, schioccare le labbra durante un pasto non è considerato cattiva educazione. Si ritiene che in questo modo il gusto del piatto venga rivelato meglio.

L'importanza delle buone maniere in Giappone è dimostrata dalle seguenti regole:

• È necessario concordare in anticipo il luogo e l'ora dell'incontro. In Giappone arrivare in ritardo è considerato un'impudenza oltre i limiti della decenza.
• Non puoi interrompere il tuo interlocutore; devi aspettare pazientemente che la persona parli e poi iniziare a esprimere la tua opinione.
• Se chiami il numero sbagliato, devi scusarti.
• Se qualcuno è venuto in tuo aiuto, allora devi assolutamente ringraziarlo.
• Alcuni ospiti dei giapponesi possono essere considerati onorari. Viene persino assegnato loro un posto speciale al tavolo, che, di regola, si trova più lontano dall'ingresso della stanza.
• Quando fai un regalo ai giapponesi, dovresti scusarti per essere modesto, nonostante ciò che rappresenta. Queste sono le regole, non vanno infrante.
• Mentre sono seduti a tavola, gli uomini possono accavallare le gambe, ma alle donne è severamente vietato farlo. Le gambe dovrebbero essere piegate e puntate in una direzione.

Anche tra le tradizioni della vita quotidiana in Giappone c'è la venerazione degli anziani. Non importa quale sia la professione, il reddito, l'aspetto o i tratti caratteriali di una persona, se è più anziano, deve essere trattato con rispetto. La vecchiaia in Giappone evoca rispetto e orgoglio. Ciò significa che la persona ha fatto molta strada e ora merita onore.

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Ha una storia molto ricca; la sua tradizione è vasta, con la posizione unica del Giappone nel mondo che influenza notevolmente gli stili e le tecniche dominanti degli artisti giapponesi. È risaputo che il Giappone è stato piuttosto isolato per molti secoli, a causa non solo della geografia, ma anche della dominante tendenza culturale giapponese all'isolamento che ha segnato la storia del paese. Durante i secoli di quella che potremmo chiamare “civiltà giapponese”, la cultura e l’arte si sono sviluppate separatamente da quelle del resto del mondo. E questo è evidente anche nella pratica della pittura giapponese. Ad esempio, i dipinti Nihonga sono tra le opere principali della pratica pittorica giapponese. Si basa su una tradizione di oltre mille anni e i dipinti vengono solitamente creati con pennelli su Vashi (carta giapponese) o Egina (seta).

Tuttavia, l’arte e la pittura giapponese sono state influenzate da pratiche artistiche straniere. In primo luogo, furono l'arte cinese del XVI secolo, la pittura cinese e la tradizione artistica cinese, ad essere particolarmente influenti sotto diversi aspetti. A partire dal XVII secolo, anche la pittura giapponese subì l'influenza delle tradizioni occidentali. In particolare, durante il periodo prebellico, che durò dal 1868 al 1945, la pittura giapponese fu influenzata dall'impressionismo e dal romanticismo europeo. Allo stesso tempo, anche i nuovi movimenti artistici europei furono significativamente influenzati dalle tecniche artistiche giapponesi. Nella storia dell'arte, questa influenza è chiamata "giapponesismo", ed è particolarmente significativa per gli impressionisti, i cubisti e gli artisti associati al modernismo.

La lunga storia della pittura giapponese può essere vista come una sintesi di diverse tradizioni che creano parti di un'estetica giapponese riconosciuta. Innanzitutto, l’arte e i metodi di pittura buddisti, così come la pittura religiosa, hanno lasciato un segno significativo nell’estetica dei dipinti giapponesi; la pittura di paesaggi con inchiostro ad acqua nella tradizione della pittura letteraria cinese è un altro elemento importante riconosciuto in molti famosi dipinti giapponesi; dipinti di animali e piante, in particolare uccelli e fiori, sono comunemente associati alle composizioni giapponesi, così come i paesaggi e le scene della vita quotidiana. Infine, le antiche idee sulla bellezza provenienti dalla filosofia e dalla cultura dell’antico Giappone hanno avuto una grande influenza sulla pittura giapponese. Wabi, che significa bellezza transitoria e aspra, sabi (la bellezza della patina naturale e dell'invecchiamento) e yugen (grazia profonda e sottigliezza) continuano a influenzare gli ideali nella pratica della pittura giapponese.

Infine, se ci concentriamo sulla selezione dei dieci capolavori giapponesi più famosi, dobbiamo menzionare l'ukiyo-e, che è uno dei generi artistici più popolari in Giappone, anche se appartiene all'incisione. Ha dominato l'arte giapponese dal XVII al XIX secolo, con artisti appartenenti a questo genere che creavano xilografie e dipinti di soggetti come belle ragazze, attori Kabuki e lottatori di sumo, nonché scene di storia e racconti popolari, scene di viaggio e paesaggi. e fauna e persino erotismo.

È sempre difficile stilare un elenco dei migliori dipinti della tradizione artistica. Verranno escluse molte opere straordinarie; tuttavia, questo elenco presenta dieci dei dipinti giapponesi più riconoscibili al mondo. Questo articolo presenterà solo dipinti realizzati dal XIX secolo ai giorni nostri.

La pittura giapponese ha una storia estremamente ricca. Nel corso dei secoli, gli artisti giapponesi hanno sviluppato un gran numero di tecniche e stili unici che rappresentano il contributo più prezioso del Giappone al mondo dell'arte. Una di queste tecniche è sumi-e. Sumi-e significa letteralmente "disegno a inchiostro" e combina calligrafia e pittura a inchiostro per creare composizioni disegnate a pennello di rara bellezza. Questa bellezza è paradossale: antica ma moderna, semplice ma complessa, audace ma sommessa, riflette senza dubbio la base spirituale dell'arte nel Buddismo Zen. I sacerdoti buddisti introdussero in Giappone i blocchi di inchiostro solido e i pennelli di bambù dalla Cina nel VI secolo, e negli ultimi 14 secoli il Giappone ha sviluppato una ricca eredità di pittura a inchiostro.

Scorri verso il basso e guarda 10 capolavori della pittura giapponese

1. Katsushika Hokusai “Il sogno della moglie del pescatore”

Uno dei dipinti giapponesi più riconoscibili è “Il sogno della moglie del pescatore”. Fu dipinto nel 1814 dal famoso artista Hokusai. Per definizione rigorosa, questa straordinaria opera di Hokusai non può essere considerata un dipinto, poiché è una xilografia del genere ukiyo-e dal libro Young Pines (Kinoe no Komatsu), che è un libro shunga in tre volumi. La composizione raffigura un giovane subacqueo ama intrecciato sessualmente con una coppia di polpi. Questa immagine è stata molto influente nei secoli XIX e XX. L'opera influenzò artisti successivi come Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff e Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka “Abe no Nakamaro scrive una poesia nostalgica mentre guarda la luna”

Tessai Tomioka è lo pseudonimo di un famoso artista e calligrafo giapponese. È considerato l'ultimo grande artista della tradizione bunjing e uno dei primi grandi artisti dello stile Nihonga. Bunjinga era una scuola di pittura giapponese che fiorì alla fine dell'era Edo tra artisti che si consideravano letterati o intellettuali. Ciascuno di questi artisti, inclusa Tessaya, sviluppò il proprio stile e la propria tecnica, ma erano tutti grandi ammiratori dell'arte e della cultura cinese.

3. Fujishima Takeji “Alba sul mare orientale”

Fujishima Takeji era un artista giapponese noto per il suo lavoro nello sviluppo del romanticismo e dell'impressionismo nel movimento artistico yoga (in stile occidentale) tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Nel 1905 si recò in Francia, dove fu influenzato dai movimenti francesi dell'epoca, in particolare dall'impressionismo, come si può vedere nel suo dipinto Alba sul mare orientale, dipinto nel 1932.

4. Kitagawa Utamaro “Dieci tipi di volti femminili, una raccolta di bellezze dominanti”

Kitagawa Utamaro era un importante artista giapponese nato nel 1753 e morto nel 1806. È sicuramente conosciuto soprattutto per una serie intitolata “Dieci tipi di volti di donne”. Una raccolta di bellezze dominanti, grandi temi d'amore della poesia classica" (a volte chiamata "Donne innamorate", contenente incisioni separate "Amore nudo" e "Amore premuroso"). È uno degli artisti più importanti appartenenti al genere della xilografia ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai “Tigre”

Kawanabe Kyosai è stato uno degli artisti giapponesi più famosi del periodo Edo. La sua arte è stata influenzata dal lavoro di Tohaku, un pittore della scuola Kano del XVI secolo che fu l'unico artista del suo tempo a dipingere schermi interamente con inchiostro su un delicato sfondo di polvere d'oro. Sebbene conosciuto come fumettista, Kyōsai dipinse alcuni dei dipinti più famosi della storia dell'arte giapponese del XIX secolo. "Tiger" è uno di quei dipinti che Kyosai ha utilizzato acquerello e inchiostro per creare.

6. Hiroshi Yoshida “Fuji dal lago Kawaguchi”

Hiroshi Yoshida è conosciuto come una delle figure più importanti dello stile Shin-hanga (lo Shin-hanga è un movimento artistico nato in Giappone all'inizio del XX secolo, durante i periodi Taisho e Showa, che fece rivivere l'arte tradizionale dell'ukiyo-e, che affonda le sue radici nei periodi Edo e Meiji (XVII - XIX secolo)). Si è formato nella tradizione della pittura a olio occidentale, adottata dal Giappone durante il periodo Meiji.

7. Takashi Murakami “727”

Takashi Murakami è probabilmente l'artista giapponese più popolare del nostro tempo. Le sue opere vengono vendute a prezzi astronomici nelle principali aste e il suo lavoro sta già ispirando nuove generazioni di artisti non solo in Giappone, ma anche all'estero. L'arte di Murakami comprende una gamma di mezzi ed è solitamente descritta come superpiatta. Il suo lavoro è noto per l'uso del colore, incorporando motivi della cultura tradizionale e popolare giapponese. Il contenuto dei suoi dipinti è spesso descritto come "carino", "psichedelico" o "satirico".

8. Yayoi Kusama “Zucca”

Yaoi Kusama è anche uno degli artisti giapponesi più famosi. Crea con una varietà di media tra cui pittura, collage, scultura scat, performance, arte ambientale e installazione, la maggior parte dei quali dimostra il suo interesse tematico per il colore, la ripetizione e il modello psichedelici. Una delle serie più famose di questo grande artista è la serie “Pumpkin”. Ricoperta con un motivo a pois, una zucca regolare in giallo brillante è presentata su uno sfondo a rete. Collettivamente, tutti questi elementi formano un linguaggio visivo che è inconfondibilmente fedele allo stile dell'artista ed è stato sviluppato e perfezionato nel corso di decenni di scrupolosa produzione e riproduzione.

9. Tenmyoya Hisashi “Spirito giapponese n. 14”

Tenmyoya Hisashi è un artista giapponese contemporaneo noto per i suoi dipinti neo-nihonga. Ha partecipato alla rinascita dell'antica tradizione della pittura giapponese, che è l'esatto opposto della moderna pittura giapponese. Nel 2000 crea anche il suo nuovo stile butouha, che dimostra attraverso i suoi dipinti un forte atteggiamento nei confronti dell'autorevole sistema artistico. "Japanese Spirit No. 14" è stato creato come parte dello schema artistico "BASARA", interpretato nella cultura giapponese come il comportamento ribelle della bassa aristocrazia durante il periodo degli Stati Combattenti, per negare a chi deteneva il potere la capacità di raggiungere uno stile di vita ideale attraverso vestirsi con abiti opulenti e lussuosi e agire liberamente, volontà che non corrispondeva alla loro classe sociale.

10. Katsushika Hokusai “La grande onda al largo di Kanagawa”

Infine, La Grande Onda di Kanagawa è probabilmente il dipinto giapponese più riconoscibile mai dipinto. In realtà è l'opera d'arte più famosa creata in Giappone. Raffigura enormi onde che minacciano le barche al largo della costa della prefettura di Kanagawa. Anche se a volte viene scambiata per uno tsunami, l'onda, come suggerisce il titolo del dipinto, molto probabilmente è semplicemente anormalmente alta. Il dipinto è realizzato secondo la tradizione ukiyo-e.

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